01 août 2009
Rapunzel
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Rapunzel (Raiponce) sera le prochain Grand Classique Disney après La Princesse et la Grenouille. Inspiré du célèbre conte des frères Grimm, Raiponce racontera l'histoire d'une princesse au longs cheveux enfermée au sommet d'une tour par une sorcière. Grâce à sa chevelure longue de plusieurs mètres, elle permet à un prince de lui rendre visite régulièrement jusqu'au jour où la vilaine sorcière s'en aperçoit... Projet de longue date, Raiponce était à l'origine réalisé par l'animateur Glen Keane, qui échangeait pour la première fois sa casquette d'animateur contre celle de réalisateur. Mais l'artiste fut écarté de ce poste par John Lasseter, devenu directeur créatif des Walt Disney Animation Studios en 2006, ne le jugeant plus assez apte à tenir ce rôle. En effet Glen s'était énormément donné dans ce film, et après plus de cinq ans de post production, il était au bord de la dépression. Néanmoins il tient encore un rôle important dans le projet en restant responsable de l'animation, son domaine de prédilection. Il fut remplacé par deux jeunes réalisateurs, Byron Howard (réalisateur de Volt, Star Malgré Lui où il était déjà le remplaçant de Chris Sanders) et Nathan Greno (storyboarder sur Volt, Star Malgré Lui et La Princesse et la Grenouille et réalisateur du court-métrage Super Rhino).
Raiponce sera réalisé en 3-D mais avec un rendu 2-D. Le procédé est à l'étude depuis de nombreuses années et le résultat risque d'être du plus bel effet! Les décors du film sont directement inspiré du style rococo, foisonnant et chaleureux. Seule crainte à avoir, étant donné les sommes colossales mises dans les recherches, est-ce qu'il restera assez d'argent pour que le rendu final soit aussi beau que prévu... En tout cas au vu des premières recherches dévoilées, le style graphique du film a l'air des plus réussis, à la fois proche du style des films à succés des années 90 mais également avec une touche d'originalité qui fait toute la différence. Vivement les premières images du film terminé!
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30 juillet 2009
Le blog a deux ans!
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Et oui, cela fait déjà deux ans que The Art of Disney Animation a ouvert ses portes! Deux années de concept arts, storyboards, peintures et croquis en tout genre, et encore tant de choses à vous faire découvrir! Le blog s'est etoffé peu à peu pour vous offrir le plus d'infos et d'images possible de vos films et artistes favoris, presque toutes les productions des Walt Disney Animation Studios et Pixar ont été abordé dans ces pages. L'année qui vient sera plus centré sur des mises à jour de fiches (certaines datent du tout début du blog) et la publication de nouvelles oeuvres inédites, toujours en haute définition bien sur. De nouveaux dossiers fairont également leur apparition, sur des sujets qui vous raviront sans aucun doute. La partie "Projets abandonnés" apparut récemment sera certainement celle qui bénéficira le plus de nouveautés dans ces prochains mois, le sujet est en effet très vaste et il y a matière à encore de nombreux articles. Je m'attacherai également à reparler des Grands Classiques les plus célèbres qui manquent encore selon moi de présence sur ce blog.
En ce jour d'anniversaire je tiens à encore tous vous remercier pour votre soutien et votre fidélité, je tâcherai de rester digne de votre confiance pour cette nouvelle année qui démarre! Pour finir je vous invite à découvrir comme l'année dernière les chiffres de l'année 2008-2009, avec comme comparaison ceux de l'année précèdente.
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Et en bonus voici la galerie des différentes bannières du blog durant ces deux premières années :
29 juillet 2009
Là-Haut
Up (Là-Haut) est le dixième long métrage des studios d'animation Pixar, et le premier à être développé pour l'exploitation en Disney Digital 3-D. Il est sorti le 29 mai 2009 aux Etats-Unis (le 29 juillet 2009 en France). C'est la seconde réalisation de Pete Docter après Monstres & Cie sorti en 2001, assisté ici par Bob Peterson. Comme à son habitude, Pixar innove avec Là-Haut en choisissant comme personnage principal, un vieil homme de 78 ans, Carl Fredricksen, ancien vendeur de ballon dans un zoo, et Russel un jeune scout de 8 ans d'origine asiatique un brin enrobé. Un duo atypique qui permet au film de se démarquer une nouvelle fois de la concurrence omnibulée par les folies animalières en tout genre.
Pete Docter et une partie de son équipe en voyage d'étude au Venezuela Bob Peterson (corélaisateur et scénariste)
Tout commença en 2004, lorsque Pete Docter et Bob Peterson décidèrent de travailler ensemble sur un nouveau projet de long métrage. Pete est arrivé chez Pixar en 1990, après avoir étudié l'animation à CalArts. Il commença par animer et réaliser des films publicitaires pour les jus de fruits Tropicana, les emballages recyclables Tetra-Pak et Lifesavers. Il développa par la suite l'histoire de Toy Story, avec John Lasseter et Andrew Stanton (le réalisateur de Le Monde de Nemo et WALL•E) puis celle de 1001 Pattes en tant que storyboardeur et enfin Toy Story 2. Il fit ses débuts en tant que réalisateur avec Monstres & Cie qui fut nommé à l'Oscar® du meilleur film d'animation. En tant qu'un des créateurs clé de Pixar, il a également contribué au développement de l'histoire originale de WALL•E, pour lequel il fut nommé à l'Oscar® du meilleur scénario original.
Bob Peterson est un autre pilier des studios. C'est en préparant sa maîtrise en ingénierie à la Purdue University, qu'il travailla pour la première fois dans un laboratoire d'infographie. Après avoir obtenu son diplôme il part s'installer en californie où il travaille chez Wavefront Technologies, créateur du logiciel Maya. Il travaille ensuite pour une société de production située à Hollywood, Rezn8 Productions, avant d'entrer chez Pixar en 1994. Au sein du studio il réalise plusieurs spots publicitaires au sein du département court métrage, puis est artiste layout et animateur sur Toy Story. Il est ensuite storyboardeur sur 1001 Pattes, superviseur du storyboard sur Monstres & Cie et enfin scénariste sur Le Monde de Nemo. Homme aux milles talents, Bob prête également sa voix à plusieurs personnages de fims Pixar : le vieux joueur d'echecs dans Geri's Game, Germaine dans Monstres & Cie , Monsieur Raie dans Le Monde de Nemo et enfin Doug dans Là-Haut.
Posters promotionnels d'Eric Tan
Les deux compères s'entendaient à merveille et il paraissait évident qu'ils pourraient faire quelque chose de vraiment extraordinaire ensemble. Ils réflèchirent alors à de nouveaux concepts quand ils se sont aperçu qu'ils partagaient parfois une drôle d'envie à la fin d'une journée un peu chargée : celle de rêver qu'ils pourraient tout à coup être transportés sur une magnifique île déserte perdue au milieu de l'océan. Le duo commença à s'amuser avec cette idée et rapidement, une image, emblématique, frappante, s'imposa comme l'incontournable point de départ de toute l'aventure : une maison emportée dans les airs par des milliers de ballons. Cette image, aussi forte soit-elle, ne pouvait constituer que l'un des éléments de l'intrigue, mais c'est à partir d'elle que les créateurs du projet ont bâti l'histoire et décidé de centrer l'action sur le personnage d'un vieil homme, d'un jeune aventurier de 8 ans, et de toute une bande de personnages originaux.
Alors que l'histoire progressait, Pete Docter et Bob Peterson furent rejoint par le producteur Jonas Rivera. Les trois hommes avaient en commun l'approche visuelle et stylistique du film, mais le plus important encore, ils étaient d'accord sur l'émotion et l'esprit qu'il devait dégager. Jonas Rivera explique : Nous voulions retrouver le charme de films comme Dumbo, que ce soit en termes de design, de niveau de langue, de structure d'image. Ces films se définissent par une certaine puretée, une simplicité qui rend le propos limpide et lumineux. Nous avons tous travaillé sur Là-Haut avec le mot "simplexité" à l'esprit. La seule idée d'une maison accrochée à des ballons impliquait les notions de voyage et d'aventure au plus haut niveau, mais la définition des personnages y associait des notions d'affection, d'émotion et un formidable potentiel de situations comiques.
Pete Docter étudie une sculpture de Kevin Pete et Jordan Nagai, la voix de Russel Michael Giacchino et Pete Docter
Malgré l'imagination débordante des créateurs du film, il est un des éléments clés du film qui a directement été inspiré par notre monde. Pour les mythiques chutes du Paradis d'Amérique du Sud, Pete Docter s'est inspiré des magnifiques Angel Falls et du plateau d'altitude de Tepuis situé au Venezuela. Bien que les les Angels Falls soient déjà les plus hautes du monde avec plus de 978 mètres, les cinéastes n'ont pas hésité à élever encore celles du film à l'altitude vertigineuse de presque 3000 mètres. Pour retranscrire au mieux ce paysage fantastique, une partie de l'équipe parti plusieurs jours au fin fond du Venezuela pour étudier de près les chutes et son environnement qui deviendront plus tard le décor principal du film. Le but était de faire le plus de croquis et de photos possible afin de capturer l'atmosphère de ce lieu unique. Il leur fallut trois jours pour arriver dans cet endroit loin de tout.
Les musiques de Là-Haut ont été composé par Michael Giacchino. Ce dernier est un habitué des productions Pixar puisqu'on lui doit déjà la bande originale de Les Indestructibles, Ratatouille et des courts métrages One Man Band et Lifted. Il est également le compositeur du dernier cartoon en date de Dingo, How to Hook Up Your Home Theater datant de 2007. Jouant sur la nostalgie et l'émotion, la musique de Là-Haut est bien différente de celle des anciennes productions, suivant ainsi l'évolution artistique et créative du studio.
Là-Haut fut projeté le 13 mai 2009 en avant-première mondiale lors du 62ème festival de cannes (dont vous pouvez lire mon compte-rendu ici). C'était la première fois depuis Dumbo en 1946, qu'un film d'animation ouvrait le festival, preuve en est de l'évolution des mentalités vis à vis du monde de l'animation. Le film reçut un accueil très chaleureux et fut acclamé par les critiques du monde entier. Là-haut sorti dans les salles amércaines le 29 mai 2009 et fut sans surprise un véritable triomphe. Avec plus de 286 millions de dollars de recettes au box office, Là-haut se place sur la deuxième marche du podium des films Pixar les plus rentables, entre Le Monde de Nemo (339M$) et Les Indestructibles (261M$).
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Concept arts :
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Color scripts de Lou Romano :
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Recherches personnages :
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26 juillet 2009
TRON Legacy
Le Comic Con 2009 qui se déroulait à San Diego depuis jeudi dernier vient de fermer ses portes. Salon dédié à l'actualité des comics, mais aussi du cinéma, de l'animation et des jeux vidéo, le Comic-Con est devenu au fil des années le rendez-vous majeur de tous les passionés du monde de l'imaginaire. Comme chaque année Disney était bien présent sur le salon avec, cette année des installations impressionantes. Outre une magnifique exposition consacrée à Alice aux Pays des Merveilles de Tim Burton (photos par ici) et la diffusion de deux longs extraits de La Princesse et la Grenouille, un autre film live Disney était à l'honneur cette année : TRON Legacy. Projet de longue date (on parle d'un nouveau film TRON depuis près de dix ans), TRON Legacy sera finalement plus un remake du premier film sorti en 1982 qu'un second opus. John Lasseter doit surement y être pour quelque chose dans la concrétisation de ce projet, lui qui était resté béa d'admiration devant les premières images de l'original quand il travaillait encore pour Disney dans les années 80. Joseph Kosinski remplace Steven Lisberger (réalisateur du premier TRON et initialement réalisateur du second) pour la réalisation de ce nouveau film, tandis que nous retrouvons le groupe Daft Punk pour la composition de la bande originale. Nous n'en savons pas plus pour le moment, seul quelques concept arts ont été dévoilé durant la conférence de presse, artworks que je vous propose de découvrir ci-dessous. Je vous prie d'avance de m'excuser pour la qualité de certaines images publiées, c'est tout ce qu'il y a de disponible pour le moment. TRON Legacy est prévu pour 2010. En bonus je vous propose le premier teaser du film dévoilé au Comic Con 2008 :
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24 juillet 2009
My Peoples
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Encore un peu de My Peoples ça vous dit? Voici donc une nouvelle galerie de recherches graphiques et de décors consacrée à ce projet qui ne vit jamais le jour. Merci à Loojumi pour le lien!
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22 juillet 2009
David Hall
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David Samuel Hall est né en Irlande en 1905. Sa famille émigre et s'installe à Los Angeles quelques années plus tard. Après des études artistiques, il débute comme dessinateur sur le film The Kings of Kings, réalisé par Cecil B. DeMille en 1927. Il contribue ensuite à la création artistique de nombreux films comme Hot for Paris de Raoul Walsh (1929), The Iron Mask d'Allan Dwan (1929), The Dancers de Chandler Sprague (1930), Woman of All Nations de Raoul Walsh (1931), Wee Willie Winkie de John Ford (1937), pour lequel il reçoit une nomination aux oscars dans la catégorie meilleur direction artistique, et Three Musketeers d'Allan Dwan (1939).
David Hall entre aux studios Disney le 1er mars 1939 comme concepteur graphique. Il crée en moins d'un an plusieurs centaines de dessins et d'aquarelles pour les projets d'adaptation de Bambi, Alice au Pays des Merveilles et Peter Pan. Dessinateur virtuose à l'imagination fertile, son style graphique rappel celui de l'illustrateur anglais Arthur Rackham. Les quatre cents dessins réalisés en seulement trois mois par David Hall pour Alice au Pays des Merveilles sont filmés au banc-titre et présenté à Walt Disney en novembre 1940. Cependant, malgré l'enthousiasme de Disney, le projet est reporté en raison des restrictions budgétaires imposées aux studios durant la Seconde Guerre Mondiale. David Hall quitte Disney le 6 janvier 1940, moins d'un an après son arrivée et devient producteur associé de la société Lester Cowan. Il poursuit sa carrière comme directeur artistique pour la Twentieh Century Fox et la Metro-Goldwyn-Mayer. Il participe à de nombreux films tels Ladies in Retirement de Charles Vidor (1941), Story of G.I. Joe de William A. Wellman (1944), National Velvet de Clarence Brown (1944), Quo Vadis de Mervyn LeRoy (1951), Raintree Country d'Edward Dmytryk (1958), Ben Hur de William Wyler (1959), Solomon and Shelba de King Vidor (1959), The Four Horsemen of the Apocalypse de Vincente Minnelli (1962) et The Greatest Story Ever Told de George Stevens (1965), pour lequel il reçoit une nomination aux oscars. Au début des années 1960, il contribue à la création du parc d'attractions Freedomland, situé à New York dans le quartier du Bronx. Il est victime d'un arrêt cardiaque le 1er juillet 1964.
En 1986, la maison d'édition Methuen Children's Books lui rend hommage en publiant une sélection de ses magnifiques dessins et aquarelles pour Alice au Pays des Merveilles. Vous pouvez commander ce livre à cette adresse.
David Hall ne sera pas resté très longtemps aux studios Disney, mais aura marqué de son style trois films majeurs des studios dans les années 40-50, aux côtés de Mary Blair.
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Bambi (1942)
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Alice au Pays des Merveilles (1951)
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Peter Pan (1953)
18 juillet 2009
Red's Dream
RED'S DREAM (1987)
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C'est un moment que John Lasseter n'est pas prêts d'oublier. Nous sommes en 1987, le jeune homme organise un cours sur l'animation de personnages par ordinateur pour une conférence du SIGGRAPH à Anaheim, en Californie, et a invité pour l'occasion ses anciens mentors des studios Disney, Franck Thomas et Ollie Johnston, à participer. Plus tôt dans l'après-midi, Thomas et Johnston parlèrents aux personnes présentes dans la salle de leurs expériences au cours de l'«âge d'or» de l'animation. Les deux vétérans soulignèrent que l'animation par ordinateur arriverait à atteindre le niveau de maturité de l'animation traditionnelle en réussisant à susciter de l'émotion et de l'empathie pour ses personnages.
Dans le cadre de son exposé, Lasseter projeta le second court métrage Pixar récemment terminé, Red's Dream. Après avoir conclu sa présentation, Thomas et Johnston se levèrent et se précipitèrent sur lui, avides de serrer la main du jeune homme. "Vous l'avez! Vous avez réussi à mettre de l'empathie dans vos personnages!" ont-ils exclamé. "Ils étaient si excités", se rappela plus tard Lasseter.
Comme c'était déjà le cas dans Luxo Jr. , Lasseter a réussi à exprimer de l'émotion à travers un objet inanimé (ici un monocycle). Toutefois, la star technologique que de ce nouveau film n'est pas l'objet inanimé, mais le clown qui monte sur le monocycle. Ce fut la première tentative du studio d'animation faciale d'un personnage organique.
Lasseter insiste sur le fait que l'une des clés de la crédibilité dans tout film d'animation est l'utilisation de formes organiques. Le clown, qui a été surnommé "Lumpy" par l'équipe, a été une avancée significative dans cette direction. Créer ce clown a été un véritable défi pour la jeune équipe de Pixar. Le plus difficile fut de trouver un moyen pour modéliser le visage du personnage. Quelqu'un suggéra tout d'abord de sculpter la tête du clown dans de l'argile. «Ainsi, Eben pourrait enregistrer les données point par point», se souvient Lasseter.
L'outil qui permit cette nouvelle façon de faire s'appel un digitaliseur 3-D produit par Polhemus Navigation Science. L'équipe de Pixar avait déjà employé le digitaliseur sur le chevalier en "vitrail" pour le film Le Secret de la Pyramide (1985), qui est l'un des premiers exemples de personnages entièrement réalisé par ordinateur pour un long métrage. Maintenant Lasseter peut sculpter une tête de clown, dessiner les grilles au-dessus de lui, et lentement, faites glisser le stylet du digitaliseur comme un crayon sur la surface de l'objet pour enregistrer chaque point.
En plus d'être très inspiré, Lasseter arrive à réunir tous les talents qui l'entoure sur un seul et unique projet. Au SIGGRAPH 1986, Pixar avait présenté trois animations: Luxo Jr. et deux tests d'animation (Beach Chair, par Eben Ostby, et Flags and Waves, de Bill Reeves et Alain Fournier). Lasseter et son équipe se rendirent compte qu'ils pourraient accomplir davantage en combinant leurs talents dans un seul projet. Comme de nombreux pionniers de l'animation avant eux, ils utilisèrent ce qu'il avait à portée de main. Bill Reeves a étudié les systèmes de particules et de pluie. Pour rendre son projet plus amusant, il a construit une ville et a tenté de définir et créer une atmosphère de nuit, avec de la pluie et de lampadaires se reflètant dans les flaques d'eau. Dans le même temps, Ostby, qui était un passionné de vélo, travailla sur un modèle complexe de bicyclette.
Lasseter combina ces éléments avec son propre désir de créer un personnage organique, ce qui donna Red's Dream. Dans la séquence du rêve, le clown est écarté par le talentueux monocycle. C'est lui qui termine la performance et reçoit l'adulation de la foule. Quand le rêve est terminé, le monocycle se trouve dans le coin de la boutique, tout seul. Lasseter a résisté aux suggestions de donner une fin heureuse au film. Au contraire, le film se termine sur cette note triste. Lasseter dit plus tard que les fins triste font un carton en Europe. Et en effet, en 1988, Red's Dream remporta le plus grand prix européen descerné à l'animation, le Prix Ars Electronica.
En plus de sa fin étonnante, Red's Dream se distingue par sa séquence du rêve, qui est la seule œuvre créée par le groupe d'animateur qui soit entièrement réalisé avec le produit phare de l'entreprise, le Pixar Image Computer. Ed Catmull voulait que Red's Dream soit une vitrine des puissantes capacités techniques de ce type de matériel. A cette époque la société ne savait pas si elle serait finalement connu pour son matériel informatique ou pour la fantaisie de ses créations animées. L'Art et l'imagination prirent finalement le dessus sur la technologie...
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Storyboards de John Lasseter :
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08 juillet 2009
Monstres & Cie.
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Bob, Sully et Boo sont de retour en vidéo à partir d'aujourd'ui! Pas de ressortie en DVD cette fois-ci pour Monstres & Cie, mais une première édition Blu-ray de toute beauté! Pour en savoir plus sur cette édition je vous conseil de lire le test réalisé par le site Planète HD. A l'occasion de cette sortie exceptionnelle retrouvez aujourd'hui une nouvelle galerie de recherches graphiques du film!
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05 juillet 2009
My Peoples
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Certain se demandent peut-être quel est ce mystérieux film dont je vais vous parler aujourd'hui... My Peoples fait parti des derniers projets 2-D des studios d'animation Disney avant la fermeture (provisoire) du département en 2004. Le film est à l'origine parti d'une idée de Barry Cook, coréalisateur de Mulan. Ce dernier voulait réaliser un film se passant sur le territoire américain, il imaginea ainsi une histoire d'amour se déroulant dans les Appalaches à la fin des annés 40. Old Man McGee, un vieux fermier, fait tout pour garder sa fille Rose loin d'Elgin Harper, à cause d'une ancienne querelle de famille. Les "Peoples", des figurines qu'Elgin crée à partir de matériaux de récupération, prennent alors vie pour tenter d'unir les deux jeunes amoureux.
"My Peoples était l'occasion de raconter une histoire qui se passe dans nôtre pays : il s'agissait d'une simple histoire d'amour avec le folklore américain comme toile de fond", explique Kendra Haaland, la productrice. "Barry Cook est du Tennessee, il a placé son histoire dans le Kentucky (région de la Virginie-Occidentale), ce qui donna de la crédibilité à son histoire car il connaît bien ce genre d'endroit".
My Peoples devait-être un savant mélange d'animation 2-D et 3-D, l'une ou l'autre technique aurait été utilisé selon le réalisme et l'anatomie de chaque personnage. Les humains auraient ainsi été animé en 2-D alors que les Peoples en images de synthèse. Andreas Deja nous en dit plus sur l'utilisation de la 3-D : "Nous voulions donner un aspect lisse aux personnages, l'utilisation de la 3-D permet de ne pas avoir de contour autour des personnages et les rend ainsi plus doux."
Les Peoples d'Elgin sont au nombre de sept : Abe Lincoln, Mme Spinster, Cherokee, Blues Man, Good O ', Crazy Ray et, présents dans certaines versions, Preacher Man. La clé de l'histoire est Angel, qu'Elgin crée pour avouer son amour à Rose. Angel n'est pas disposé à accepter son rôle de Cupidon, et tente de s'enfuir. Les autres Peoples partiront à sa recherche et la ramenèront pour assurer une fin heureuse.
Comme dans Bambi, la nature est ici un personnage à part entière presque aussi important que les autres. Une équipe d'artiste des studios Disney parti en voyage au Kentucky, en Virginie-Occidentale, et en Californie du Nord, afin de prendre des photos, des notes et des croquis pour le film.
Kendra Haaland pense que My Peoples a été victime des changements au sein de Walt Disney Feature Animation. Un nouvel exécutif a proposé de remodeler l'histoire du film qui fut renommé A Few Good Ghosts. Les éléments surnaturels ne faisaient que compliquer l'histoire, et le film fut finalement abandonné. Quelques artistes espèrent encore aujourd'hui que My Peoples sera relancé un jour. En attendant, je vous invite à découvrir ci-dessous une galerie de recherches du film qui montrent bien que My Peoples était un projet très différent de ce que faisait les studios d'animation Disney habituellement.
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Concept arts :
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Recherches personnages :
30 juin 2009
Le Bossu de Notre-Dame
o Le projet naquit en 1993, lorsque David Staiton, cadre chargé du développement chez Disney eut l'idée d'adapter le roman de Victor Hugo en long métrage d'animation. Il en avait lu une version en bande dessinée lorsqu'il était enfant, et se souvint de l'émotion qui se dégageait de l'œuvre. L'histoire palpitante pleine de rebondissements et les personnages charismatiques étaient parfaits pour un nouveau Grand Classique Disney. Walt Disney lui-même avait déjà été intéressé par Notre-Dame de Paris dans les années 30, le livre faisait d'ailleurs parti des nombreux autres ouvrages qu'il emporta après son tour d'Europe en 1935. Il fallut attendre près de soixante ans pour que le film soit enfin mis en chantier. Le film fut produit dans trois studios d'animation différents : Burbank, Orlando et enfin Paris. Après le succès de Runaway Brain (le dernier court métrage de Mickey Mouse), Walt Disney Feature Animation France avait l'opportunité de travailler sur son premier Grand Classique! La localisation aidant, l'équipe de Montreuil a eu un rôle important sur la production du film, apportant son savoir faire mais aussi sa culture.
The Hunchback of Notre-Dame (Le Bossu de Notre-Dame) est le 34ème Grand Classique des studios Disney. Le film est une libre adaptation du roman de Victor Hugo, Notre-Dame de Paris, paru en 1831. Ce nouveau long métrage n'est pas la première adaptation à l'écran du célèbre livre de l'écrivain français, en effet pas moins de cinq versions différentes ont déjà été réalisé : Notre Dame de Paris d'Albert Capellani (1911), Notre Dame de Paris de Wallace Worsley (1923), Notre Dame de Paris de Jean Epstein (1931), Quasimodo de William Dieterle (1939) et Notre-Dame de Paris de Jean Delannoy (1956). Il était désormais temps pour Disney de faire découvrir cette fabuleuse histoire aux nouvelles générations, mais le défi était de taille. C'est la première fois que Notre Dame de Paris est adapté en animation, il faudra effectuer de nombreux changements par rapport au livre. De plus Le Roi Lion, sorti deux ans plus tôt a placé la barre très haute au niveau qualitatif et surtout économiques, Le Bossu de Notre-Dame doit donc absolument être un grand succés. Un nouveau défi à relever l'équipe d'artistes des studios Disney!
Gary Trousdale et Kirk Wise Toute l'équipe du film de Burbank Ils ont osé : la poupée quasimodo!
La réalisation du film fut confié à Kirk Wise et Gary Trousdale, les coréalisateurs de La Belle et la Bête. Fort du succès retentissant de leur premier film, les deux compères étaient à la recherche d'un nouveau projet de réalisation à la hauteur de leurs ambitions. Alors qu'il étaient en train de développer deux nouveaux projets, David Staiton vint leur proposer de réaliser Le Bossu de Notre Dame, proposition qu'ils acceptèrent sur le champs! L'aventure débuta par un voyage en France, sur les traces de Quasimodo. Un groupe d'une dizaine d'artistes parcourut les quatres coins de la capitale française, et en particulier autour et à l'intérieur de la cathédrale Notre-Dame.
Avant-première française spectacle musical au Disney's Hollywood Studios (1996-2002)
Techniquement Le Bossu de Notre Dame dépasse de loin ses prédécesseurs. Grâce au développement de l'informatique, de nombreux effets visuels sont désormais possibles, comme animer une foule en images de synthèse par exemple. L'effet avait déjà été utilisé dans Le Roi Lion avec la charge des gnous, mais il est ici encore plus développé. Les animateurs peuvent désormais modifier les vêtements des personnages, leur faire changer d'expressions etc. L'ordinateur se charge ensuite de "redistribuer" les personnages pour former une foule homogène. De nombreux plans en 3D jallonent également le film, en particulier lors des escapades de Quasimodo sur la façade de la cathédrale. Les progrès depuis la salle de bal dans La Belle et la Bête ont été fulgurant, et l'équipe en charge du projet en a bien profité.
Le Bossu de Notre-Dame sorti dans les salles américaines le 21 juin 1996 et fut un succès à demi-teinte pour les studios Disney. Les recettes furent décevantes : seulement 100 millions de dollars, bien loin des 173 millions du (Le) Roi Lion ou même des 141 millions de Pocahontas, une Légende Indienne. Le film fut nominé pour l'Oscar® de la meilleure musique (composée par Alan Menken et Stephen Schwartz) mais ne remporta pas le prix. Néanmoins, le film reçu un bon acceuil de la part du public, et en particulier en France où il fini sa carrière avec près de sept millions de spectateurs au compteur.
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Concept arts :
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Dessins de Vance Gerry :
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Recherches personnages :
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Color keys :
