The Art of Disney

25 juillet 2010

Alice au Pays des Merveilles

Alice in Wonderland (Alice au Pays des Merveilles), 262ème film live des studios Disney est une adaptation/réécriture des célèbres romans de Lewis Caroll, Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles et De l'Autre côté du Mirroir. Publié pour la première fois en 1865, Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles fit tout de suite sensation. Les deux mille premiers exemplaires du livre, illustré par John Tenniel se vendirent presque instantanément. Ironique, bizarre, absurde, Les Aventures d'Alice au Pays des Merveilles était loin d'être un simple livre pour enfant. Il offrait non seulement le premier voyage fictionnel dans un monde fantastique, mais aussi une histoire racontée du point de vue d'un enfant. L'Alice du livre était libre de remettre en question le monde, et en particulier les figures d'adultes grotesques, souvent inefficaces qu'elle rencontrait au pays des merveilles. La littérature pour enfant en sera à tout jamais métamorphosée.

   
Illustrations originales de John Tenniel (1865)

Ce n'est pas la première fois que les studios Disney s'intéressent aux aventures d'Alice, loin de là! En effet il s'agit même d'un des premiers personnages de la firme. En 1923, alors que les cartoons Laugh-O-Gram n'ont presque rien rapporté à Walt Disney, ce dernier misa le peu d'argent qu'il lui restait dans la réalisation d'Alice's Wonderland, le tout premier cartoon d'une longue série mélangeant animation et prises de vue réelle. Dénommée Alice Comedies, cette série comportant 56 cartoons eut son petit succès dans les années 20. En 1936, c'est au tour de Mickey Mouse de se voir projeté de l'autre côté du mirroir dans Thru the Mirror, cartoon librement inspiré du second livre des aventures d'Alice. Mais l'adaptation la plus célèbre des studios reste sans conteste le long métrage d'animation de 1951. Tout d'abord prévu en prise de vue réelle avec des éléments d'animation (dans le style de Mélodie du Sud, sorti quelques années plus tôt), Walt Disney envisageait alors de choisir Ginger Rogers pour interpréter Alice. Finalement le film fut entièrement réalisé en animation. Alice au Pays des Merveilles fut d'ailleurs un flop à l'époque de sa sortie, alors qu'il est aujourd'hui considéré comme un des grands chef-d'œuvre de l'animation.

   

C'est en 2006 que l'idée de réaliser un film live des aventures d'Alice fait son apparition à Hollywood. On la doit à Linda Woolverton qui s'affaire alors à écrire le scénario du projet. Ce n'était pas la première fois qu'une adaptation des romans de Lewis Caroll était en préparation, mais le scénario de Linda Wollverton se détachait grandement des précédents. Au lieu de simplement reprendre le récit des deux  livres, elle proposa une histoire originale, sorte de suite aux ouvrages de Lewi Caroll, mais dont les personnages, les thèmes et les situations  étaient très inspirés des œuvres originales, ainsi que du poème du Jabberwocky. Les studios Disney ont été les premiers contacté pour s'occuper du projet, chose qu'ils acceptèrent presque immédiatement après avoir lu le script! Le projet fut alors confié à Tim Burton qui réalisait ainsi son troisième long métrage pour le studios Disney (après L'Étrange Noël de Monsieur Jack et Ed Wood, tous les deux sortis sous le label Touchstone). Le réalisateur était  tout destiné à réaliser Alice au Pays des Merveilles. Il s'est toujours intéressé aux personnages de parias, à ceux qui ne sont pas à leur place dans leur monde, ou croient ne pas l'être. Les créatures de Lewis Caroll étaient donc du pain béni pour lui. De plus son style graphique très personnel s'alliaient à merveilles avec le pays des merveilles. Mais la réalisation d'Alice au Pays des Merveilles était également à mille lieux de ce que Tim Burton avait l'habitude de faire. En effet, c'était la première fois qu'il tournait autant de scènes sur fond vert (90% du film) réalisées ici aux studios Culver City de Los Angeles. Mais grâce à son esprit très imaginatif et son talent, le réalisateur réussit à merveille à s'adapter à cette technique très déroutante au premier abord.

   

Le premier gros challenge de la production était de trouver une actrice digne d'interpréter Alice. C'est à Londres que débute la quête de l'Alice parfaite. Susie Figgis, chargée du casting du film passe en revue une foule de jeunes actrices britanniques, avant d'étendre ses recherches de l'autre côté de l'Atlantique et même au delà. Quoi qu'il en soit, Tim Burton tenait à choisir une inconnue pour le rôle. Le nombre de filles de tous âges qui se sont présenté était impressionnant, certaines bien trop âgées et d'autres beaucoup trop jeunes. La quasi totalité des stars féminines du moment s'y sont présenté, chacune voulant tenter sa chance, mais sans succès. C'est finalement Mia Wasikowska, une jeune australienne de 19 ans qui remporta le rôle. Née en 1989 à Camberra, Mia suit d'abord une formation de ballerine avant de se tourner vers la profession d'actrice à l'âge de quinze ans. Elle décroche rapidement un rôle récurrent dans le feuilleton télévisé australien All Saints. Elle remporte le prix de la meilleure jeune actrice de l'Institut du film australien pour son premier rôle au cinéma dans Suburban Mayhem (Le Feu sous la Peau). Elle est ensuite acclamée pour son interprétation de la gymnaste dérangée, Sophie, dans la série HBO In Treatment avant de décrocher le rôle tant convoité d'Alice en 2008.
Le reste  du casting principal est quant à lui purement Burtonien. Johnny Depp revient une nouvelle fois derrière la caméra du réalisateur après déjà six films réalisé ensemble. Linda Woolverton avait déjà à l'esprit Johnny Depp lorsqu'elle (re)créa le chapelier, bien avant que Tim Burton ne choisît le projet et n'amenât l'acteur avec lui. Le personnage a alors été quelque peu retravaillé, de manière à coller spécifiquement à l'acteur. Johnny Depp s'impliqua comme à son habitude grandement dans ce rôle jusqu'à dessiner lui même son costume! Chose amusante, au même moment à l'autre bout du monde, Tim Burton réalisa lui aussi une esquisse du personnage qui se révéla extrêmement proche de celle de l'acteur, preuve du lien unique qu'il existe entre les deux artistes.
Helena Bonham Carter est quant a elle choisie pour interpréter la Reine Rouge. Helena rencontre pour la première fois Tim Burton sur le tournage de La Planète de Singes. Devenue sa compagne, elle le suit alors sur tout ses tournages, glanant au passage un rôle plus ou moins important. Elle se dit pourtant étonné d'avoir été choisi pour interpréter la Reine Rouge!

   

L'autre gros challenge du film était la création d'un pays des merveilles à la hauteur des attentes du public. Parmi les nombreuses adaptations d'Alice à l'écran, très peu ont réussi à représenter un pays des merveilles digne de ce nom. Mais qui mieux que Tim Burton pour relever le défi? Son sens unique du design, son style audacieux et ses effets visuels époustouflants font de lui l'un des plus remarquables pionniers du cinéma contemporain, capable de projeter des univers entiers. Tout le monde a sa propre idée du pays des merveilles, pour la plupart des gens, c'est un monde de dessins animés, un monde de couleurs éclatantes. Mais cette vision ne cadrait pas avec la nouvelle version de l'histoire. Tim Burton conçut ainsi avec son équipe d'artiste un pays des merveilles plus sombre et adulte, mais loin d'être terrifiant (Disney oblige). Il voulait qu'il soit à la fois classique et nouveau. Pour lancer le processus de conception, il est retourné aux sources avec le chef décorateur Rob Stromberg. Ils ont réuni les créations de tous les artistes qui avaient illustré Alice au Pays des Merveilles au fil des décennies pour en décorer les murs du bureau de Tim Burton, histoire de se mettre dans le bain. Les illustrations de la première édition du livre sont devenus l'un des modèles favoris, c'était le seul moyen dont disposait l'équipe artistique de se rapprocher au plus près de ce que Lewis Caroll avait approuvé ou pensait approprié à l'époque.
Chaque fois qu'il se lance dans un nouveau projet, Tim Burton commence par peindre quelques aquarelles de certains personnages de l'histoire. Pour sa version d'Alice au Pays des Merveilles, il a choisi de se focaliser sur la Reine Rouge, le Valet de Coeur, les Tweedles et le Chapelier Fou. Un groupe d'illustrateurs pris ensuite le relais, chapeauté par Michael Kutsche, un illustrateur berlinois issu du monde de la publicité et du jeu vidéo. C'est après avoir découvert ses productions sur internet que Tim Burton a choisi de l'engager, lui offrant par la même occasion sa première expérience cinématographique.

    
Avant-première mondiale du film à Londres le 25 février 2010

Alice au Pays des Merveilles est sorti le 5 mars 2010 aux Etats-Unis. Le film était très attendu, et malgré quelques problèmes de scénario, très réussi dans l'ensemble. Le public ne s'y trompa guère et fut extrêmement nombreux à se déplacer dans les salles obscures, et ce dans le monde entier. Le film rapporta ainsi plus d'un milliard de dollars au box office mondial, devenant le cinquième plus gros succès cinématographique de tous les temps, dépassant par la même occasion le score titanesque de The Dark Night!

 

Recherches de Michael Kutsche :

 

Recherches de Tim Burton :

 

Autres recherches graphiques :

16 décembre 2009

Bill Tytla

 

 

Vladimir (Bill) Peter Tytla est né le 25 octobre 1904 dans la banlieue de New York. Ses parents, des émigrés ukrainiens, conscients des aptitudes artistiques de leur fils, l'encouragent. En 1914, il découvre à Manhattan le spectacle dans lequel Winsor McCay présente son dessin animé Gertie le Dinosaure. Il n'oubliera jamais ce film, qui sera à l'origine de sa vocation.

       

Tytla prend des cours du soir à l'école de design industriel de New York. En 1920, âgé seulement de 16 ans, il débute comme lettreur pour le département animation des studios Paramount. Il est ensuite engagé comme animateur pour la série Mutt et Jeff aux studios Raoul Barre, puis travaille aux studios de Paul Terry.
Il gagne très bien sa vie et décide de reprendre des études de dessin afin de devenir un artiste complet. Il étudie alors  à l'Art Students League et devient l'élève de Boardman Robinson, illustrateur et animateur de renom. En 1929, accompagné de quelques amis, il part pour Paris, où il étudie la sculpture avec Charles Despiau, lui-même ancien élève d'Auguste Rodin. Il découvre les musées et s'imprègne de la culture européenne.
Au début des années 30, Tytla retourne aux États-Unis avec l'ambition de devenir un grand animateur. Le dessin animé est en plein essor et Paul Terry l'engage à nouveau dans ses studios. Il y fait la connaissance d'Art Babbit, (voir la fiche  sur Dingo) qui devient son meilleur ami. Quelques mois plus tard, Babbitt rejoint les studios Disney sans Bill Tytla, qui ne souhaite pas quitter sa famille en cette période de grande dépression économique. Finalement, en 1934, Babbitt parvient à convaincre Tytla de le rejoindre à Hollywood. Engagé par les studios Disney, impressionné par la qualité des films, il accepte un salaire inférieur à celui qu'il touchait chez Paul Terry.

   

Pendant l'année 1935, il travaille comme animateur sur Mickey's Fire Brigade, The Cookie Carnival et Cock o' the Walk. Walt Disney, impressionné par ses animations, le nomme ensuite directeur de l'animation sur Blanche Neige et les Sept Nains. Babbitt et Tytla deviennent deux des animateurs les mieux payés des studios. Tytla peut ainsi continuer d'aider sa famille, restée à New York. Toujours en quête de perfection, il devient un élève assidu des cours du soir d'animation de Don Graham. Fred Moore et Bill Tytla conçoivent ensemble les modèles de références des sept nains servant aux animateurs. Virtuose, Tytla anime de nombreux plans regroupant les nains et toutes les scènes de Grincheux.
Pour Pinocchio, Walt Disney confie l'animation de Geppetto à Art Babbitt et Bill Tytla. Ce dernier se voit par ailleurs confier la totalité de l'animation de Stromboli. Son sens inné du volume prend toute sa dimension dans la création de ce personnage haut en couleur. En 1938, il crée le géant du court métrage de Mickey Mouse Le Brave Petit Tailleur, puis le magicien de L'Apprenti Sorcier dans Fantasia. Il anime également d'une main de maître le démon Chernabog dans la séquence Une Nuit sur le Mon Chauve. Aujourd'hui, son travail reste un exemple pour les jeunes générations d'animateurs, par la présence et la force qui se dégage de ses animations.
En 1940, il donne vie à Dumbo, sa dernière contribution à un dessin animé de long métrage. Lorsqu'une grève éclate aux studios au printemps 1941, par amitié, il reste solidaire de son ami Art Babbit, initiateur du mouvement. Quand le conflit prend fin, l'ambiance aux studios n'est plus la même. L'Amérique entre en guerre et les productions tournent au ralenti. Entre 1941 et 1943, il participe à l'animation de deux films de propagandes, Education for Death et Victory Through Air Power, puis anime le bébé avion et le perroquet brésilien de Saludos Amigos. Pensant que Walt Disney lui en veut toujours de sa participation à la grève, il décide de quitter les studios le 24 février 1943, décision qu'il regrettera toute sa vie.

       

Au cours des années suivantes, il travaille pour différents studios de dessin animé. Il réalise plusieurs courts métrages de Popeye au Paramount/Famous Studio. Il y met en scène Little Lulu, puis Little Audrey. En 1954, de passage à Los Angeles, il rend visite à Walt Disney et à ses anciens collègues des studios. A la fin des années 1950, il crée sa propre maison de production et réalise de nombreux films publicitaires. En 1964, il devient directeur des séquences animées du film The Incredible Mr. Limpet, réalisé par Arthur Lubin. Il tombe malade avant la fin de la production et perd l'usage d'un oeil quelques mois plus tard.
Le 13 août 1967, il est invité à la soirée d'inauguration de l'Exposition universelle de Montréal, où est projeté Dumbo en hommage aux pionniers du cinéma d'animation. A la fin de la projection, il reçoit une ovation du public, et son ami l'historien John Culhane rapporte que cela a été l'un des plus beaux jours de sa vie.
Quelques mois avant sa mort, Tytla tente sans succès de revenir aux studios Disney. Dans une lettre datée du 28 août 1968, le vice-président de Disney, W. H. Anderson, lui explique : Nous avons à peine du travail pour occuper notre équipe. Un peu plus tard, en octobre, Wolfgang Reitherman répond par courrier à son idée de scénario intitulé Mousethusala, la plus vieille souris du monde : Je suis désolé de t'informer que ton idée de scénario n'entre pas dans notre programme actuel. Nous n'oublions pas que tu es impatient de revenir animer aux studios, mais pour l'instant nous arrivons à peine à occuper notre équipe d'animateurs, mais sache que tu as beaucoup d'amis ici qui te soutiennent.

   

Bill Tytla s'éteint le 31 décembre 1968, dans sa ferme du Connecticut.

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Filmographie :

- The King's Daugther (1934) (animateur)
- The Cookie Carnival (1935) (animateur)
- Mickey's Fire Brigade (1935) (animateur)
- Cock o' the Walk (1935) (animateur)
- Broken Toys (1935) (animateur)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (superviseur de l'animation de Grincheux)
- Brave Little Tailor (1938)
- Pinocchio (1940) (superviseur de l'animation de Stromboli)
- Fantasia (1940) (superviseur de l'animation sur les séquences L'Apprentie Sorcier et Une Nuit sur le Mon Chauve/Ave Maria)
- Dumbo (1941) (superviseur de l'animation de Dumbo)
- Saludos Amigos (1942) (animateur)
- How to Play Baseball (1942) (animateur)
- The Vanishing Private (1942) (animateur)
- Education for Death (1943) (animateur)
- Victory Through Air Power (1943) (animateur)
- Victory Vehicles (1943) (animateur)
- Mickey Mouse Meets Jekyll and Hyde Cat (1944) (animateur)
- The Sultan's Birthday (1944) (réalisateur)
- Snap Happy (1945) (réalisateur)
- Bored of Education (1946) (réalisateur)
- Service with a Guile (1946) (réalisateur)
- Rocket to Mars (1946) (réalisateur)
- Sudden Fried Chicken (1946) (réalisateur)
- The Island Fling (1947) (réalisateur)
- A Scout with the Gout (1947) (réalisateur)
- The Wee Men (1947) (réalisateur)
- Super Lulu (1947) (réalisateur)
- We 're in the Honey (1948) (réalisateur)
- The Bored Cuckoo (1948) (réalisateur)
- Popeye Meets Hercules (1948) (réalisateur)
- The Mite Makes Right (1948) (réalisateur)
- Hector's Hectic Life (1948) (réalisateur)
- The Lost Dream (1949) (réalisateur)
- Campus Capers (1949) (réalisateur)
- Tar with a Star (1949) (réalisateur)
- Leprechaun's Gold (1949) (réalisateur)
- Song of the Birds (1949) (réalisateur)
- Tarts and Flowers (1950) (réalisateur)
- Jitterbug Jive (1950) (réalisateur)
- Goofy Goofy Gander (1950) (réalisateur)
- Casper's Spree Under the Sea (1950) (réalisateur)
- Voice of the Turkey (1950) (réalisateur)
- The Deputy Dawg Show (1959) (réalisateur)
- Matty's Funday Funnies (1959) (réalisateur)
- First Flight Up (1962) (réalisateur et animateur)
- The Incredible Mr. Limpet (1964) (animateur)
- The Lone Ranger (1966) (réalisateur)
- Fantasia 2000 (2000) (animateur séquence L'Apprenti Sorcier)

27 octobre 2009

Bill Peet

 

 

Bill Peet est né à Grandview dans l'Indiana, le 29 jenvier 1915. D'une famille pauvre, il grandit à Indianapolis. Il commence très tôt à écrire des histoires en les illustrant, sans imaginer un jour vivre de cette passion. Pendant sa scolarité, il remporte un concours offrant une bourse d'étude au John Heron Art Institute d'Indianapolis. Sa vie bascule le premier jour de classe lorsqu'il fait la connaissance de Margaret Brunst, qu'il épouse quatre ans plus tard. A sa sortie de l'école en 1936, Peet débute sa carrière professionnelle en dessinant des cartes de vœux pour une entreprise située dans l'Ohio.

   
               Dumbo (1941)                                           Mélodie du Sud (1946)                                 Cendrillon (1950)

Un jour, il découvre une brochure publicitaire incitant les jeunes artistes à rejoindre les studios Disney. Il propose sa candidature et reçoit une réponse favorable. Il se rend immédiatement à Los Angeles et se présente au studio d'Hyperion Avenue le 9 septembre 1937. Après un mois d'essai sous la direction de George Drake, il est engagé comme intervalliste sur les courts métrages de Mickey Mouse et Donald Duck, puis participe à quelques scènes de Blanche Neige et les Sept Nains.
En parallèle à son travail d'intervalliste, qui, comme d'autres artistes des studios, ne le passionne pas, il propose quelques idées de personnages pour le projet de Pinocchio (des monstres pour la séquence abandonnée de Bogyland). Un matin, il trouve sur son bureau une enveloppe contenant 25 dollars et l'informant de sa nouvelle affectation au département scénario.

       
       Peter Pan (1953)                    La Belle au Bois Dormant (1959)             Bill Peet vers 1964

Il fait son apprentissage pendant deux ans sur Pinocchio (il n'est pas crédité au générique), puis élabore le storyboard de La Symphonie Pastorale de Fantasia. C'est lors de la préparation de Dumbo que Walt Disney réalise que Bill Peet est un conteur hors norme. Il fait équipe avec Dick Huemer et Joe Grant, et se concentre plus particulièrement sur les séquences mettant en scène Dumbo bébé.
En 1941, Bill Peet participe à la grande grève des studios. Furieux, Walt Disney le rétrograde alors en tant que simple dessinateur de storyboard sous la direction de T. Hee pour le projet de Peter Pan. Mais Peet est l'un des premiers artistes à revenir aux studios avant la fin de la grève et Disney lui pardonne rapidement. Il devient alors le pilier du département storyboard et le scénariste préféré de Walt Disney, avec qui il partage le même don pour scénariser une histoire. Il dessine le storyboard de séquences entières pour Victory Through Air Power, Les Trois Caballeros, Mélodie du Sud, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan, La Belle et le Clochard, La Belle au Bois Dormant et Le Livre de la Jungle.

Merlin l'Enchanteur (1963)

Au début des années 1960, il dessine seul le storyboard complet de Les 101 Dalmatiens et Merlin l'Enchanteur, il en écrit l'adaptation, crée les principaux personnages et supervise l'enregistrement des voix des comédiens.
Bill Peet œuvra également aussi sur de nombreux courts métrages, comme Tigger Trouble de Jack Kinney (1945), Susie, the Little Blue Coupe de Clyde Geronimi (1952) ou bien encore Ben and Me d'Hamilton Luske (1953).
En 1959, il illustre son premier livre pour enfants Hubert's Hare-Raising Adventure. Il quitte les studios Disney en 1964, et se consacre pleinement à sa carrière d'auteur et illustrateur de livres pour enfants.
En 1989, il raconte sa vie et son expérience de dessinateur dans son autobiographie illustrée : Bill Peet, An Autobiography, publiée aux éditions Houghton Mifflin Company. En 1996, Bill Peet obtient le titre de Disney Legend pour ses trente années au services des Walt Disney Animation Studios. Il nous quittera quelques années plus tard, le 11 mai 2002.

 

Filmographie :

- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (intervalliste)
- Pinocchio (1940) (scénariste)
- Fantasia (1940) (storyboard)
- Dumbo (1941) (scénariste et storyboard)
- Les Trois Caballeros (1945) (scénariste)
- Tiger Trouble (1945) (scénariste)
- African Diary (1945) (scénariste)
- A Knight for a Day (1946) (scénariste)
- Mélodie du Sud (1946) (scénariste et storyboard)
- Mickey et le Haricot Magique (1947) (scénariste)
- Danny et le Petit Mouton Noir (1949) (scénariste)
- Cendrillon (1950) (scénariste et storyboard)
- Wonder Dog (1950) (scénariste)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (scénariste et storyboard)
- Lambert et le Lion Bêlant (1952) (scénariste)
- Susie, le Petit Coupé Bleu (1952) (histoire originale, adaptation et storyboard)
- La Petite Maison (1952) (adptation de l'histoire)
- Peter Pan (1953) (scénario et storyboard)
- Franklin et Moi (1953) (scénariste)
- La Belle et le Clochard (1955) (scénariste)
- The Truth About Mother Goose (1957) (scénariste)
- La Belle au Bois Dormant (1959) (scénariste)
- Goliath II (1960) (scénariste)
- Les 101 Dalmatiens (1961) (scénariste et storyboard)
- Merlin l'Enchanteur (1963) (scénariste et storyboard)
- Le Livre de la Jungle (1967) (scénariste et storyboard)

27 août 2009

Albert Hurter

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Albert Hurter est considéré comme un des premiers grands artistes des studios Disney. Durant une décennie (de 1932 à 1942), il marqua de sa patte graphique la plupart des productions de l'époque, dont principalement Blanche Neige et les Sept Nains et Pinocchio. Albert Hurter est né à Zurich le 11 mai 1883. En 1894, son père devient professeur de dessin en construction mécanique dans une école professionnelle de Zurich. Il écrit et illustre deux livres techniques pour ses cours. Il encourage d'ailleurs ses trois fils à s'intéresser au dessin et à la mécanique. C'est ainsi que le jeune Albert entre à l'école d'architecture de Zurich. Par la suite, de 1903 à 1910, il quitte ses parents pour entreprendre des études artistiques à Berlin.

       

A la fin de celles-ci, il retourne vivre chez ses parents à Zurich. En 1912, à la mort de son père, il émigre en Amérique et s'installe à New-York. On sait peu de chose sur ses premières années en Amérique. Hurter effectue un voyage à Paris en 1914 et retourne à New-York peu de temps avant la Première Guerre mondiale.
Il entre aux studios Barre-Bowers comme animateur en 1916 et participe à la réalisation de la série Mutt et Jeff. Vers la fin des années 1920, il séjourne au Mexique, puis s'installe dans un vieil hôtel situé au sud de Los Angeles. A cette époque, il travaille comme dessinateur chez un imprimeur. Il rejoint les studios Disney en 1931. Walt Disney lui confie la création graphique des personnages et décors. Il crée d'innombrables personnages, idées de gags et storyboards pour les Silly Symphonies.

       

Quand Walt Disney entreprend Blanche Neige et les Sept Nains, Albert Hurter est le premier dessinateur à travailler sur le projet. Hurter exécute chaque jour des dizaines de croquis plus inventifs les uns que les autres, travaillant sur tous les aspects graphiques du film, aussi bien personnages que décors. Ses premières esquisses des nains en lutins barbus s'inspirent des créatures de l'illustrateur suédois John Bauer. Mais c'est dans l'élaboration du style de la chaumière que son influence transparaît. Nichée dans la forêt, elle trouva sa source dans les dessins au style bavarois de Ludwig Richter et dans ceux de son disciple Hermann Vogel qui, en 1890, avait mis en images les contes de Grimm. Mais c'est probablement l'anglais Arthur Rackham, illustrateur de nombreux contes et légendes, dont ceux des frères Grimm, qui inspire au départ le travail d'Hurter.
A la fin de la production de Blanche Neige et les Sept Nains, Hurter se consacre aux différents projets d'adaptation envisagés par Walt Disney. Il participe à la création des personnages et décors de Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Le Dragon Récalcitrant, Peter Pan et La Belle et le Clochard.

       

Albert Hurter meurt le 28 mars 1942, victime d'une attaque cardiaque. Fait unique dans l'histoire des studios, Walt Disney décide en 1948 de lui rendre hommage en publiant un recueil de ses meilleurs dessins intitulé He Drew as He Pleased.

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Filmographie :

- Le Vilain Petit Canard (1931)
- Mélodie Egyptienne (1931)
- The Cat's Nightmare (1931)
- Rien qu'un Chien (1932)
- La Cigale et la Fourmi (1934)
- Une Petite Poule Avisée (1934)
- Bébés d'Eau (1935)
- Carnaval des Gâteaux (1935)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937)
- Pinocchio (1940)
- Fantasia (1940)
- Le Dragon Récalcitrant (1941)
- Dumbo (1941)
- Peter Pan (1953)
- La Belle et le Clochard (1955)

22 juillet 2009

David Hall

 

 

David Samuel Hall est né en Irlande en 1905. Sa famille émigre et s'installe à Los Angeles quelques années plus tard. Après des études artistiques, il débute comme dessinateur sur le film The Kings of Kings, réalisé par Cecil B. DeMille en 1927. Il contribue ensuite à la création artistique de nombreux films comme Hot for Paris de Raoul Walsh (1929), The Iron Mask d'Allan Dwan (1929), The Dancers de Chandler Sprague (1930), Woman of All Nations de Raoul Walsh (1931), Wee Willie Winkie de John Ford (1937), pour lequel il reçoit une nomination aux oscars dans la catégorie meilleur direction artistique, et Three Musketeers d'Allan Dwan (1939).
David Hall entre aux studios Disney le 1er mars 1939 comme concepteur graphique. Il crée en moins d'un an plusieurs centaines de dessins et d'aquarelles pour les projets d'adaptation de Bambi, Alice au Pays des Merveilles et Peter Pan. Dessinateur virtuose à l'imagination fertile, son style graphique rappel celui de l'illustrateur anglais Arthur Rackham. Les quatre cents dessins réalisés en seulement trois mois par David Hall pour Alice au Pays des Merveilles sont filmés au banc-titre et présenté à Walt Disney en novembre 1940. Cependant, malgré l'enthousiasme de Disney, le projet est reporté en raison des restrictions budgétaires imposées aux studios durant la Seconde Guerre Mondiale. David Hall quitte Disney le 6 janvier 1940, moins d'un an après son arrivée et devient producteur associé de la société Lester Cowan. Il poursuit sa carrière comme directeur artistique pour la Twentieh Century Fox et la Metro-Goldwyn-Mayer. Il participe à de nombreux films tels Ladies in Retirement de Charles Vidor (1941), Story of G.I. Joe de William A. Wellman (1944), National Velvet de Clarence Brown (1944), Quo Vadis de Mervyn LeRoy (1951), Raintree Country d'Edward Dmytryk (1958), Ben Hur de William Wyler (1959), Solomon and Shelba de King Vidor (1959), The Four Horsemen of the Apocalypse de Vincente Minnelli (1962) et The Greatest Story Ever Told de George Stevens (1965), pour lequel il reçoit une nomination aux oscars. Au début des années 1960, il contribue à la création du parc d'attractions Freedomland, situé à New York dans le quartier du Bronx. Il est victime d'un arrêt cardiaque le 1er juillet 1964.
En 1986, la maison d'édition Methuen Children's Books lui rend hommage en publiant une sélection de ses magnifiques dessins et aquarelles pour Alice au Pays des Merveilles. Vous pouvez commander ce livre à cette adresse.
David Hall ne sera pas resté très longtemps aux studios Disney, mais aura marqué de son style trois films majeurs des studios dans les années 40-50, aux côtés de Mary Blair.

 

Bambi (1942)

       

       

       

 

Alice au Pays des Merveilles (1951)

       

       

       

       

       

       

       

 

Peter Pan (1953)

       

       

       

       

       

       

       

       

       

       

       

       

   

16 mars 2009

Claude Coats

Claude Coats est né le 17 janvier 1913 à San Francisco. Il fait ses études à l'université de Californie du Sud et obtient son diplôme d'architecte en 1934. Il s'inscrit au Chouinard Art Institute de Los Angeles, puis intègre le département décor des studios Disney en juin 1935.
Il y fait la connaissance de Gustaf Tenggren, avec qui il collabore sur Little Hiawatha (1937), réalisé par David Hand. Après quelques mois d'apprentissage, il rejoint l'équipe de décorateurs de Blanche Neige et les Sept Nains, dirigée par Samuel Amstrong.
En 1938, il crée les fonds du plus célèbre court métrage de Mickey, L'Apprenti Sorcier. Il retrouve Gustaf Tenggren lors de la production de Pinocchio et réalise les magnifiques décors de l'atelier de Geppetto. Claude Coats dispose d'une aptitude unique à transcrire une ambiance et apporter de la matière aux objets, ce qui leur confère une vie propre. Il s'inspire des harmonies colorées de Tenggren, mais impose aussi son originalité. Les décors peints par Claude Coats possèdent un style, reconnaissable à l'équilibre des couleurs, l'utilisation de la lumière et l'impression de profondeur.
En trente ans de carrière, nous lui devons quelques-uns des plus beaux décors de Fantasia, Dumbo, Saludos Amigos, Victory Through Air Power, Les Trois Caballeros, La Boîte à Musique, Mélodie du Sud, Mélodie Cocktail, Le Crapaud et le Maître d'Ecole, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan et La Belle et le Clochard. Il signe aussi les décors de nombreux courts métrages comme The Art of Skiing (1941) et Tiger Trouble (1945) de Jack Kinney, Dog Watch (1945) et Cat Nap Pluto (1948) de Charles Nichols, Motor Mania (1950) de Jack Kinney, The Little House (1952) de Wilfred Jackson, How to Dance (1953) et How to Sleep (1953) de Jack Kinney, Ben and Me (1953) de Hamilton Luske, et Up a Tree (1955) de Jack Hannah.
En 1955, Walt Disney lui demande de rejoindre l'équipe de conception de Disneyland. On lui doit les décors des plus célèbres attractions, dont "it's a small world", Mr Toad's Wild Ride, Snow White's Scary Adventures, Pirates of the Caribbean et The Haunted Mansion. Dans les années 1970, il continue son travail de directeur artistique pour Disneyworld et EPCOT Center en Floride, et Tokyo Disneyland au Japon.
Il prend sa retraite en 1989 et s'éteint le 9 janvier 1992 à Los Angeles. De l'avis de tous, il fut le plus talentueux décorateur de l'histoire des studios Disney. Il reçut le titre de Disney Legend en 1991, quelques mois seulement avant sa disparition.

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Blanche Neige et les Sept Nains :

Pinocchio :

Fantasia :

Cendrillon :

Alice au Pays des Merveilles :

Peter Pan :

La Belle et le Clochard :

Attraction The Haunted Mansion :

28 janvier 2009

Tyrus Wong

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Né en Chine, à Canton, Tyrus Wong émigre en Amérique en 1919, accompagné de son père, et débarque à Los Angeles, en Californie. Il poursuit ses études sans grande conviction, mais se passionne pour le dessin. Il obtient une bourse à l'Otis Art Institute.
Après avoir obtenu son diplôme en 1935, il expose ses aquarelles et participe à un projet artistique organisé par l'administration Roosevelt pendant la grande dépression. Il réalise chaque mois deux peintures pour des expositions organisées dans les bibliothèques publiques et les bâtiments d'Etat.
Recherchant un emploi régulier, il rejoint les studios Disney en 1937, comme intervalliste sur des courts métrages. Apprenant l'existence du projet de film Bambi, Wong réalise chez lui, pendant le week-end, des dizaines de peintures mettant en scène le jeune faon dans des paysages de tous styles. Lorsqu'il lui montre son travail, Tom Codrick (directeur artistique sur Bambi) est impressionné et le soumet immédiatement à Walt Disney, qui apprécie le talent singulier de Wong.
"J'ai l'impression que l'on ne vous a pas dirigé vers le bon département", reconnaît Codrick, qui l'engage aussitôt comme directeur artistique. Le premier décor-test date de 1938 : une grande peinture verticale à l'aquarelle représente la forêt dans un graphisme à la fois proche de celui de Blanche Neige et les Sept Nains et de la peinture chinoise. Mais la technique de l'aquarelle, pourtant maîtrisée avec talent par Wong, ne convient pas à Bambi. Wong multiplie alors les études préliminaires en utilisant différentes techniques : pastel, gouache et peinture à l'huile. Finalement, c'est l'utilisation de la peinture à l'huile, comme support de fond, associée à la gouache acrylique qui est choisie pour donner davantage de profondeur de champ.
Tyrys Wong quitte les studios Disney en 1942, suite à la grève de 1941, quelques mois avant la sortie en salle de Bambi. Il rejoint les studios Warner Bros comme concepteur graphique pour des films en prise de vue réelle.
A 70 ans, il prend une retraite anticipée pour poursuivre sa passion pour la peinture. Il expose et vend ses aquarelles, et réalise d'innombrables cartes de voeux pour la célèbre société Hallmark. Tyrus Wong illustre aussi de nombreuses couvertures de magazine pour le Reader's Digest, peint des céramiques vendues par Neiman-Marcus et consacre ses loisirs à construire et décorer de magnifiques cerfs-volants.
Plus de cinquante ans après avoir quitté les studios Disney, il est approché pour participer à la conception de Mulan. Il décline cette proposition, expliquant que son travail sur les dessins animés est derrière lui et ne représente plus une part importante de sa vie d'artiste.
Tyrus Wong reçu en 2001 le titre de Disney Legend. A 97 ans, il continue aujourd'hui de fabriquer des cerfs-volants, qu'il adore faire voler le long des plages californiennes.

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Etudes préliminaires pour Bambi :

       

       

       

       

       

       

       

       

       

11 décembre 2008

Fred Moore

 

 

Robert Fred Moore est né le 7 septembre 1911 en Californie. Il fait des études supérieures à la Polytechnic High School de Los Angeles. Ses premiers dessins sont publiés dans le Los Angeles Junior Times, un magazine destiné à la jeunesse. Sa formation artistique se limite à des cours du soir au Chouinard Art Institute.
Il n'a que 19 ans lorsqu'il rencontre Walt Disney. Celui-ci, impressionné par son talent de dessinateur, l'engage d'abord comme assistant animateur. Il débute en 1930 sur des Silly Symphonies et sur des courts métrages de Mickey Mouse quelques mois après le départ d'Ub Iwerks. Il apparaît pour la première fois comme animateur au générique de Santa's Workshop, réalisé par Wilfred Jackson (1932). Il devient rapidement le spécialiste de Mickey Mouse, mais doit surtout sa réputation de virtuose de l'animation à sa création des personnages des (Les) Trois Petits Cochons de Burt Gillett (1933).

            

En 1934, Walt Disney lui confie (avec Bill Tytla) la responsabilité de diriger l'animation des nains dans Blanche Neige et les Sept Nains. Il réalise les modèles d'attitudes servant de référence aux animateurs et signe qulelques-unes des plus belles scènes de Simplet.
En 1938, Walt Disney demande à Fred Moore de créer le modèle de Mickey Mouse en costume d'apprenti sorcier et d'en superviser l'animation. Le port de son costume l'apparente toutefois à Simplet, comme le fait qu'il doive constamment remonter ses manches, beaucoup trop longues. C'est une des premières apparitions du personnage avec ses yeux nantis de pupilles. Le modèle modernisé de Mickey crée par Fred Moore est encore utilisé aujourd'hui.
Pour Pinocchio, il crée le personnage de Crapule dans l'inoubliable séquence de l'île aux plaisirs, puis anime les centeaurettes de La Symphonie Pastorale dans Fantasia. A la fin des années 1930, il donne vie à Mickey Mouse dans ses meilleurs films, dont Brave Little Tailor de Bill Roberts (1938), The Pointer de Clyde Geronimi (1939), The Little Whirlwing et The Nifty Nineties, tous deux réalisés en 1941 par Riley Thompson.

            

Dans la décennie suivante, il anime Timothée dans Dumbo aux côtés de Wolgang Reitherman, avant de sombrer dans l'alcoolisme. Disney se fâche avec lui et Moore quitte les studios à la fin de l'année 1945. Il travaille quelques temps pour les studios Walter Lantz comme animateur sur les courts métrages d'Andy Panda et Woody Woodpecker.
Il retourne aux studios Disney en 1948, et participe à l'animation du film Le Crapaud et le Maître d'École, mais son travail n'a plus la même qualité. Il est alors redevenu simple animateur; Disney lui confie quelques personnages secondaires de Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles et Peter Pan. Il anime une dernière fois Mickey Mouse dans Pluto's Christmas Tree de Jack Hannah (1952) et dans The Simple Things de Charles Nichols (1953).

       

Fred Moore décède le 25 novembre 1952, victime d'une hémorragie cérébrale suite à un accident de la route à Burbank alors qu'il revenait d'un match de football avec sa femme... Il fut enterré au Forest Lawn Memorial Park proche des Walt Disney Studios. Moore venait de terminer l'animation des filles du joueur de baseball Casey, surnommées les « Caseyettes », dans le court métrage Casey Bats Again, suite d'une séquence de La Boîte à Musique, Casey at the Bat (à laquelle il n'a cependant pas participé). Le film est sorti presque deux ans après sa mort (1954). Fred Moore obtient le titre de Disney Legend en 1995.

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Filmographie :

- Santa's Workshop (1932) (animateur)
- Three Little Pigs (1933) (animateur)
- Mickey Plays Papa (1934) (animateur)
- The Golden Touch (1935) (animateur)
- Pluto's Judgement Day (1935) (animateur)
- Three Little Wolves (1936) (animateur)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (superviseur de l'animation)
- Brave Little Tailor (1938) (animateur)
- The Pointer (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (directeur de l'animation)
- Fantasia (1940) (superviseur de l'animation : séquences L'Apprentie Sorcier, La Symphonie Pastorale)
- The Nifty Nineties (1941) (animateur)
- The Reluctant Dragon (1941) (animateur)
- Dumbo (1941) (directeur de l'animation)
- Saludos Amigos (1942) (animateur)
- Les Trois Caballeros (1944) (animateur)
- La Boîte à Musique (1946) (animateur : séquence "All the Cats Join In")
- Coquin de Printemps (1947) (directeur de l'animation)
- The Mad Hatter (1947) (animateur)
- Wacky Bye Baby (1948) (animateur)
- Pixie Picnic (1948) (animateur)
- Le Crapaud et le Maître d'École (animateur)
- Cendrillon (1950) (animateur)
- The Brave Engineer (1950) (animateur)
- Plutopia (1951) (animateur)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (animateur)
- R'coon Dawg (1951) (animateur)
- Fathers Are People (1951) (animateur)
- Pluto's Party (1952) (animateur)
- Pluto's Christmas Tree (1952) (animateur)
- Peter Pan (1953) (animateur enfants perdus et sirènes)
- The Simple Things (1953) (animateur)
- Football Now and Then (1953) (animateur)
- Casey Bats Again (1954) (animateur)
- The Legend of Sleepy Hollow (1958) (animateur)
- Mickey Mouse Disco (1980) (1980)
- Fantasia 2000 (1999) (superviseur de l'animation : séquences "L'Apprentie Sorcier")

05 août 2008

John Lasseter

 

 

John Lasseter peut sans conteste être considéré comme la figure la plus emblématique de la Walt Disney Company de ce début de XXIème siècle. Artiste au parcours jalonné d'échecs et de succès extraordinaires, John Lasseter a toujours sut rebondir, tel la célèbre petite balle jaune qu'il créa pour le court métrage Luxo Jr.. Débutant sa carrière comme simple stagiaire au sein des Walt Disney Animation Studios, on le retrouve 30 ans plus tard à la tête des principaux départements créatifs de l'empire Disney. Retour sur l'itinaire d'un artiste aux multiples facettes.

    
John à CalArts - John et Glen Keane aux Walt Disney Animation Studios en 1982 - John durant la production de Luxo Jr.

Né à Hollywood le 12 janvier 1957, John Lasseter passe sa jeunesse à Whittier, en Californie, où sa mère est professeur de dessin. Passionné d'animation, il s'initie durant ses études secondaires à la peinture et au dessin et est encore au lycée lorsqu'il se décide à postuler pour devenir stagiaire au sein des studios Disney. Deuxième étudiant inscrit aux cours d'initiation créé par Disney à la CalArts, il y poursuit sa formation pendant quatre ans et signe au cours de cette période deux films animés : Lady and the Lamp et Nitemare, qui remportent chacun l'Oscar du Meilleur Film d'Étudiant. Après plusieurs stages d'été chez Disney, Lasseter obtient en 1979 un emploi permanent au département animation du studio, où il restera cinq ans et participera notamment à l'animation de Rox et Rouky et Le Noël de Mickey. Fasciné par les séquences numériques de Tron, il décide d'explorer ce nouveau domaine qu'est l'animation assistée par ordinateur. Il débute en signant, avec son collègue Glen Keane, un essai de trente secondes inspiré du livre de Maurice Sendak, Where the Wild Things Are. Peu de temps après John Lasseter est gentiment écarté des studios en raison de ses soit-disant trop grandes ambitions. En 1984, il rejoint LucasFilm en étant engagé dans le tout jeune département d'infographie d'Industrial Light and Magic (I.L.M.). Le jeune artiste est très vite remarqué pour son travail remarquable sur les effets spéciaux du (Le) Secret de la Pyramide, un téléfilm de 1985 où l'on pouvait voir un personnage en 3D sortir d'un vitrail, une vrai révolution pour l'époque! Il est également animateur et character designer sur le tout premier court métrage d'animation en images de synthèse, Les Aventures d'André et Wally B..

    
John durant la production de Red's Dream -  John et l'équipe de Pixar en 1989 - John en 1995 parlant de Toy Story

En 1986, Steve Jobs (le créateur d'Apple) rachète la division infographie d'I.L.M. et la renomme Pixar (fusion des mots pixel et Art). Très vite le petit studio, dont John Lasseter est un des employés les plus importants (c'est le seul animateur à l'époque) sort du lot grâce à son esprit pionnier, car il faut bien le dire, peu de monde à l'époque ne pensait que l'outil 3D aurait put servir à faire de l'animation. Mais Pixar l'a fait et d'une manière magistrale! Après de nombreux courts-métrages tous plus extraordinaires les uns que les autres (Luxo Jr., Red Dreams, Tin Toy, Knick Knack) réalisés entre 1986 et 1989, le studio passe à l'étape supérieure avec le projet de créer un long métrage d'animation entièrement réalisé en images de synthèse. C'est bien sur John Lasseter qui sera à la tête de cet ambitieux projet. Toy Story, sorti en 1995 est très bien accueilli par la presse et les spectateurs, le pari d'émouvoir le public avec des polygones pendant 1h30 est gagné ! Le film sera  nominé pour l'Oscar du Meilleur scénario original, de la Meilleure Chanson et de la Meilleure Musique. John Lasseter recevra égalemetn un Oscar spécial pour le développement de l'animation en image de synthèse à l'échelle d'un long métrage. En 1998, John Lasseter revient sur le devant de la scène avec un deuxième film, 1001 Pattes (a bugs life). Damant le pion à son concurrent Fourmiz de l'écurie DreamWorks, il enchante encore une fois petits et grands, récoltant plus de  160 millions de dollars au box-office américain. En 1999 il réalise Toy Story 2, son troisième film qui a demandé la participation de près de deux cent cinquante artistes (un record pour le studio à l'époque). Initialement prévu pour une sortie directement en vidéo le film finira par sortir sur grand écran et ce grâce à John Lasseter. Convaincu de la qualité de son bébé, le réalisateur réussit non sans mal à convaincre les dirigeants de chez Disney de le sortir au cinéma. Et ils ont bien fait car cette nouvelle production fut de nouveau un véritable triomphe!

    
John recevant un Oscar d'honneur pour Toy Story - John et Steve Jobs - John durant la production de Monstres & Cie

En 2000 John Lasseter décide de prendre un congé sabbatique. En effet après des années à travailler d'arrache-pied aux studios, sa femme lui fit remarquer que s'il continuait comme ça il ne verrait même pas ses enfants grandir. Conscient que la temps passait à une vitesse folle John décida de tout plaquer et de partir faire le tour des Etats-Unis par les petites routes avec tout sa petite famille en camping car afin de se rapprocher de ses enfants. C'est pendant ce voyage que germa l'idée de Cars - Quatre Roues. En revenant de son périple, John laissa tomber la réalisation pendant un moment pour aborder les prochains film estampillés Pixar en tant que producteur exécutif. Il supervisera à ce poste Monstres & Cie, Le Monde de Nemo et Les Indestructibles, qui seront tous couronnés d'un succès planétaire. Entre-temps ils produit également tout les courts métrages du studio (Drôle d'Oiseaux sur une Ligne à Haute Tension, La Nouvelle Voiture de Bob, Saute-Mouton, Jack-Jack Attack et L'Homme Orchestre). Pendant ce temps, John prépare son prochain film en tant que réalisateur, Cars - Quatre Roues, une fable automobile alliant à la fois sa passion pour l'automobile (son père était garagiste pour Chevrolet) et l'art de l'animation. Énorme succès, en particulier aux États-Unis, le film rapporta 244 millions de dollars au Box Office outre Atlantique. Et pourtant, la fin de production du film ne fut guère de tout repos. Le contrat liant Pixar à Disney devant bientôt se terminer (il était question que Pixar réalise sept films pour Disney), les négociations vont bon train entre les deux studios. Malheureusement elle n'aboutiront pas dans un premier temps et Pixar faillit se retrouver orphelin...

    
John lors de la sortie de Cars - John aux Walt Disney Animation Studios - John lors de la première de Volt en 2008

Mais en 2006, coup de théâtre ! Après de nombreux rebondissements, les studios Pixar sont finalement rachetés par la Walt Disney Company pour la coquette somme de 5 milliard de dollars, alors que leur second contrat comprenant cinq films devait s'arrêter quelques mois plus tard avec Cars - Quatre Roues. John Lasseter fait alors son retour au sein de Disney par la grande porte en tant que directeur créatif des Walt Disney Animation Studios. Une belle revanche après son licenciement 23 ans plus tôt ! C'est la première fois depuis la mort de Walt Disney que ce poste est tenu par un véritable artiste et les effets positifs se font très vite ressentir. Ainsi, John Lasseter met définitivement fin aux suites de longs métrages et rouvre le département 2D qui avait été fermé en 2004 afin de mettre en chantier de nouveaux projets ! Malheureusement, pour un durée limitée seulement, le succès en demie teinte de La Princesse et la Grenouille n'ayant pas convaincu les dirigeants de continuer sur cette voie... John Lasseter devient par ailleurs le producteur exécutif de tous les longs métrages d'animation Disney (Volt, Star Malgré Lui, La Princesse et la Grenouille, Raiponce, Winnie l'Ourson, etc.) tout en restant producteur exécutif des films Pixar. Mais son travail ne s'arrête pas là, il devient également conseillé artistique pour Walt Disney Imagineering et réalisateur principal de la série animée Cars Toon. En septembre 2009, John Lasseter a été récompensé d'un Lion d'Or d'honneur au festival du film de Venise pour  l'ensemble de sa carrière, au même titre que toute l'équipe de réalisateurs des studios Pixar. Il revient ensuite à la réalisation de long métrage avec Cars 2, sorti en 2011, en collaboration avec Brad Lewis. Il inaugurera quelques mois plus tard son étoile sur le célèbre Walk of Fame d'Hollywood Boulevard.

    
John à la Mostra de Venise en 2009 - John inaugurant son étoile - John lors de la première de Les Mondes de Ralph

En l'espace de trois décennies, John Lasseter a gravit des sommets dans le milieu de l'animation et a su imposer son style aux deux plus gros studios d'animation d'Hollywood. Grâce à son audace et à sa créativité, il a fait renaître les Walt Disney Animation Studios, repartis de plus belle depuis 2006, tout en supervisant tous les projets des studios Pixar, des DisneyToon Studios et de Walt Disney Imagineering. Chapeau l'artiste !

   

- Lady and the Lamp (1979) : réalisateur et animateur
- Nitemare (1980) : réalisateur et animateur
- Rox et Rouky (1981) : animateur
- Le Noël de Mickey (1983) : animateur
- Les Aventures d'André et Wally B. (1984) : design des personnages et animateur
- Young Sherlock Holmes (1985) : animateur des effets spéciaux numériques
- Luxo Jr. (1986) : producteur, design des personnages, scénariste, animateur et réalisateur
- Red Dreams (1987) : design des personnages, scénariste, animateur et réalisateur
- Tin Toy (1988) : design des personnages, scénariste, animateur et réalisateur
- Knick Knack (1989) : scénariste et réalisateur
- Toy Story (1995) : scénariste et réalisateur
- Le Joueur d'Echecs (1997) : producteur exécutif
- 1001 Pattes (a bugs life) (1998) : scénariste, réalisateur et voix additionnelles
- Toy Story 2 (1999) : scénariste et réalisateur
- Drôle d'Oiseaux sur une Ligne à Haute Tension (2000) : producteur exécutif
- Monstres & Cie (2001) : producteur exécutif
- La Nouvelle Voiture de Bob (2002) : producteur exécutif
- Le Monde de Nemo (2003) : producteur exécutif
- Exploring the Reef (2003) : producteur exécutif
- Saute Mouton (2003) : prodcteur exécutif
- Les Indestructibles (2004) : producteur exécutif
- Baby-Sitting Jack-Jack (2005) (producteur exécutif)
- L'Homme Orchestre (2005) : produtcteur exécutif
- Cars, Quatre Roues (2006) : scénariste et réalisateur
- Martin et la Lumière Fantôme (2006) : scénariste et réalisateur
- Bienvenue chez les Robinson (2007) : producteur exécutif
- Ratatouille (2007) : producteur exécutif
- Notre Ami le Rat (2007) : producteur exécutif
- Comment Brancher son Home Cinema (2007) : producteur exécutif
- Presto (2008) : producteur exécutif
- Glago's Guest (2008) : producteur exécutif
- WALL•E (2008) : producteur exécutif
- BURN•E (2008) : producteur exécutif
- Volt, Star Malgré lui (2008) : producteur exécutif
- "Mater's Tall Tales" (2008) :
  - El Materdor : réalisateur
  - Mater the Greater : réalisateur
  - Rescue Squad Mater : réalisateur
- Tokyo Mater : réalisateur
- La Fée Clochette (2008) : producteur exécutif
- Super Rhino (2009) : producteur exécutif
- Passages Nuageux (2009) : producteur exécutif
- Là-Haut (2009) : producteur exécutif
- Lutin d'Elite : Mission Noël (2009) : producteur exécutif
- La Princesse et la Grenouille (2009) : producteur exécutif
- Doug en Mission Spéciale (2009) : proudcteur exécutif
- Clochette et la Pierre de Lune (2009) : producteur exécutif
- Toy Story 3 (2010) : producteur exécutif
- Jour Nuit (2010) : producteur exécutif
- Clochette et l'Expédition Féérique (2010) : producteur exécutif
- Raiponce (2010) : producteur exécutif
- Winnie l'Ourson (2011) : producteur exécutif
- La Luna (2011) : producteur exécutif
- Cars 2 (2011) : co-réalisateur et producteur exécutif
- Le Mariage de Raiponce (2012) : producteur exécutif
- Rebelle (2012) : producteur exécutif
- Paperman (2012) : producteur exécutif
- Clochette et le Secret des Fées (2012) : producteur exécutif
- Les Mondes de Ralph (2012) : producteur exécutif
- "Tales from Radiator Spings" (2013) : 
  - Hiccups : producteur exécutif
  - Spinning : producteur exécutif
  - Bugged : producteur exécutif
- Monstres Academy (2013) : producteur exécutif
- Planes (2013) : producteur exécutif
- La Reine des Neiges (2013) : producteur exécutif
- Clochette et la Fée Pirate (2014) : producteur exécutif
- Planes : Fire and Rescue (2014) : producteur exécutif
- Big Hero 6 (2014) : producteur exécutif 
- The Good Dinosaur (2015) : producteur exécutif
- Inside Out (2015) : producteur exécutif
- Le Monde de Dory (2016) : producteur exécutif

 

Where the Wild Things Are (première animation 3D de John Lasseter)

 

Les Aventures d'André et Wally B. :

 

Luxo Jr. :

 

Red's Dream :

 

Tin Toy :

 

Knick Knack : 

  

À voir également :

 

24 mai 2008

Frank Thomas

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Frank Thomas est l'animateur qui a instillé une véritable personnalité dans ses personnages animés Disney. Les plus mémorables ainsi que les moments les plus touchants à l'écran, ont été animés par Frank. Pour citer les exemples les plus marquant, on peut parler des nains, pleurant devant le cercueil de Blanche Neige dans Blanche Neige et les Sept Nains, ou alors Bambi et PanPan apprenant à patiner dans Bambi, mais aussi la fameuse séquence des spaghettis dans La Belle et le Clochard.

The Brave Little Tailor (1938)

Frank Thomas est né le 5 septembre 1912 à Fresno en Californie, après avoir terminé ses études à l'université de Stanford, il alla étudier au Chouinard Art Institute à Los Angeles. Tandis qu'il habitait dans une chambre chez l'habitant à Hollywood, il rencontra un compatriote de l'université de Stanford qui travaillait comme artiste aux Walt Disney studios. C'est ainsi qu'il appris qu'un recrutement allait avoir lieu, et qu'il rejoignit l'équipe le 24 septembre 1934, en tant qu'employé n°224 pour travailler sur le court métrage Mickey's Elephant.

Bambi (1942)

Parmi ses contributions aux autres courts métrages des studios, on peut citer les scènes avec Mickey Mouse et le roi dans The Brave Little Tailor (1938), celles avec Mickey et l'ours dans Chien d'arrêt (1939) ainsi que les scènes en allemand dans Education for Death (1942), un film de propagande de la Seconde Guerre mondiale qu'il anima juste avant son incorporation dans la Air Force.
Au fil des années, Franck travailla sur presque 20 longs métrages animés dont Pinocchio, Peter Pan, La Belle au Bois Dormant, Cendrillon, Le Livre de la Jungle et Les 101 Dalmatiens. Il accompagna Walt Disney avec d'autres artistes sélectionnés pour un tour de l'Amérique du Sud en 1941, ce qui donna à la firme les longs métrages Saludos Amigos et Les Trois Caballeros.
Pendant son temps libre, Frank jouait du piano pour les fameux et internationaux "Firehouse Five Plus Two", un orchestre de jazz et de ragtime, avec d'autres artistes Disney dont Ward Kimball.

Après 45 ans de services auprès des studios, Frank parti à la retraite en 1978. Il écrivit alors plusieurs livres avec son collègue et ami Ollie Johnston, "Disney Animation: The Illusion of Life", publié pour la première fois chez Abbeville Press en 1981. Ce livre est considéré comme la bible des animateurs pour l'animation traditionnelle à la main et principalement pour l'animation des personnages de style Disney, il a été réédité à de nombreuses reprises. Ils écrivèrent également "Too Funny For Words: Disney's Greatest Sight Gags" (Abbeville Press, 1990), "Walt Disney's Bambi: The Story and the Film" (Disney Editions, 1990), et "The Disney Villain" (Disney Editions, 1993).

Il lui fut rendu hommage en 1995 dans le court métrage de Mickey Runaway Brain dans lequel un méchant fut appelé "Dr. Frankenollie". Tout comme son compère Ollie Johnston, Frank Thomas sorti de sa retraite à deux reprises pour des longs métrages co-produits par Disney, ils donnèrent tout les deux leurs voix (version anglaise uniquement) à leurs caricatures dans Le Géant de fer (1999) sous la forme de deux mécaniciens ferroviaires et dans Les Indestructibles (2004) deux vieux messieurs déclarant "That's old school..." "Yeah, no school like the old school."

   

Les deux amis furent mis à l'honneur dans un documentaire biographique de 1995, Frank and Ollie, dirigé par Theodore Thomas, fils de Frank, présenté au Festival international du film de Toronto. Ce documentaire mets en avant leurs carrières professionnelles, la vie privée et leur amitié. Vous pouvez retrouver ce documentaire en vidéo et DVD zone 1. A ce jour l'une des biographies les plus complètes reste le livre de John Canemaker Walt Disney's Nine Old Men & The Art of Animation (2001). Frank Thomas est décédé le 8 septembre 2004 à Flintridge en Californie.

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Filmographie :

- Mickey's Circus (1936) (animator)
- Mickey's Elephant (1936) (animator)
- More Kittens (1936) (animator)
- Little Hiawatha (1937) (animator)
- Snow White and the Seven Dwarfs (1937) (animator : the seven dwarfs)
- Brave Little Tailor (1938) (animator)
- The Practical Pig (1939) (animator)
- The Pointer (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (animation director : Pinocchio on strings & puppet show)
- Fantasia (1940) (animator)
- Dumbo (1941) (supervising animator)
- Bambi (1942) (supervising animator: Thumper)
- Education for Death (1943) (animator)
- Victory Vehicles (1943) (animator)
- The Winged Scourge (1943) (animator)
- The Three Caballeros (1944) (animator : The Flying Gaucho)
- Melody Time (1948) (animator: "Johnny Appleseed")
- The Wind in the Willows (1949) (character animator)
- The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949) (directing animator)
- Cinderella (1950) (directing animator : Stepmother, Duke)
- Alice in Wonderland (1951) (directing animator: Doorknob and Queen of Hearts)
- Peter Pan (1953) (directing animator : Captain Hook)
- Lady and the Tramp (1955) (directing animator : Jock and the Spaghettis sequence)
- The Legend of Sleepy Hollow (1958) (animator)
- Sleeping Beauty (1959) (directing animator : Flora, Fauna & Merryweather)
- Donald in Mathmagic Land (1959) (animator)
- One Hundred and One Dalmatians (1961) (directing animator : Pongo, Perdita, Puppies)
- "Disneyland" (animator) (1 episode, 1961)
   - The Hunting Instinct (1961) TV episode (animator)
- The Sword in the Stone (1963) (directing animator : Squirrels, Madam Mim)
- Mary Poppins (1964) (animator : Penguins as dancers)
- The Jungle Book (1967/I) (directing animator : Mowgli, Kaa, Baloo and King Louie)
- Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968) (animator : Pooh, Piglet)
- The AristoCats (1970) (animation director : O'Malley, Duchess, Geese, Napoleon, Lafayette, Butler)
- Robin Hood (1973) (directing animator : Robin Hood as Stork, Maid Marian, Bunnies, Toby, Sheriff)
- Winnie the Pooh and Tigger Too! (1974) (supervising animator)
- The Madcap Adventures of Mr. Toad (1975) (animator)
- The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977) (animator)
- The Rescuers (1977) (directing animator : Bernard, Bianca, Crocodiles, Chairman, Ellie Mae, Luke, Orville)
- The Fox and the Hound (1981) (directing animator : young Tod, young Copper)

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Disney Family Album : partie 01 - partie 02 - partie 03

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