46ème long métrage des Walt Disney Animation Studios, Chicken Little marque un nouveau tournant dans la grande histoire du studio d'animation. C'est en effet le tout premier long métrage entièrement réalisé en images de synthèse. Dinosaure sorti en 2000 et récemment intégré à la liste des Grands Classiques avait ouvert la voie en intégrant des personnages animés en 3D dans des décors live. Après le cinglant échec des derniers films d'animation 2D (Frère des Ours, La Ferme se Rebelle) et vu le succès grandissant des productions 3D de Pixar et des autres studios, décision fut prise d'abandonner pour de bon (?) la technique d'animation 2D au profit de l'animation en images de synthèse.
Chickent Little est réalisé par Mark Dindal et produit par Randy Fullmer. Mark et Randy travaillent ensemble depuis des années et ont collaboré sur de nombreux projets, de La Petite Sirène où Mark était responsable du département effets spéciaux et Randy animateur des effets spéciaux, à Kuzco, l'Empereur Mégalo où ils collaborèrent pour la première fois en tant que réalisateur et producteur. C'est durant cette production que l'idée de Chicken Little pris forme. Au Printemps de l'an 2000, quelques mois avant la sortie de Kuzco, l'Empereur Mégalo, Mark et Randy commencèrent à développer un projet dont le but était d'explorer et développer un conte pour enfant afin d'en faire un long métrage d'animation. Mais, comme très souvent dans le développement d'un film d'animation, le projet eut du mal à décoller et, arrivé à quelques mois du début de la production, aucune décision n'avait encore été prise sur l'histoire et les personnages du film. A un moment il fut question de raconter l'histoire du (Le) Petit Chaperon Rouge à la sauce contemporaine mais l'idée fut abandonnée. Après une période de doute, Mark se rappela d'un court métrage Disney des années 40 du nom de Chicken Little qui racontait comment un petit poulet devenait la risée du poulailler en racontant à tout le monde qu'un morceau de ciel lui était tombé sur la tête... Voilà une histoire qu'il pourrait développer!

Avant de débuter la production, une question importante devait être posée : 2D ou 3D ? Depuis quelques années l'animation assistée par ordinateur a pris de plus en plus d'importance au sein du studio, certain allant même jusqu'à dire que la 2D était un média dépassé. Une partie du studio défendait l'animation 2D traditionnelle alors que l'autre partie se posait des questions sur la viabilité de cette technique. En effet, l'animation 2D s'avère longue et coûteuse et de plus en plus difficile à produire aux heures du tout numérique et de l'expansion de l'animation par ordinateur. Les Walt Disney Animation Studios durent alors prendre la dure décision de fermer ses studios de Floride et de Paris et de réduire à une centaine le nombre d'artistes 2D à Burbank...
Mais pour Joe Grant, un des grands artistes du studio depuis ses débuts (il a 95 ans!) ce conflit artistique est ridicule. Joe rappela à tout le monde la qualité première de Walt Disney qui lui permit d'aller aussi loin : l'innovation. Selon lui Walt aurait adoré la 3D, il aurait certainement été son plus grand supporter! Toujours selon Joe "Walt a toujours pris en compte la tradition d'une bonne histoire et de bon personnages, mais il n'était pas coincé par une technologie quelconque, c'est ça qui lui permettait d'avancer". Ci dessous : Chicken Little vu par Joe Grant.
C'est ainsi qu'en avril 2001, le studio pris la décision de réaliser son premier long métrage d'animation entièrement réalisé en images de synthèse. Mais Chicken Little était déjà entré en production (2D), il faudra donc tout recommencer à zéro. Thomas Schumacher, alors directeur de la branche animation annonça la nouvelle à Mark Dindal et Randy Fullmer qui prirent cette décision avec enthousiasme mais également avec inquiétude car tout les deux n'avaient jamais travaillé avec cette technique! Ils se tournèrent alors vers le seul homme qui pouvait les aider : Steve Golderg, le gourou de l'animation 3D aux studios Disney. Steve était à la base chargé de superviser toute les éléments 3D de la version 2D du film, il était donc évident de faire appel à lui. Steve Goldberg travaille depuis des années à l'animation de décors et de personnages en 3D dans divers films Disney : la grotte et le tapis volant dans Aladdin, Grand-mère Feuillage dans Pocahontas ou bien encore la séquence du Petit Soldat de Plomb dans Fantasia 2000. Il fallait maintenant former une équipe prête à relever le défi d'un long métrage entièrement réalisé en 3D... Le studio avait déjà, à cette époque un nombre considérable d'artistes 3D ayant fait leur preuves sur des productions tels que Dinosaure, Fantasia 2000 ou sur divers scènes 3D de films d'animation traditionnels. En plus de cette équipe déjà conséquente, les studios embauchèrent de nombreux animateurs extérieures afin de gonfler les rangs. Pendant ce temps, Mark Dindal et Randy Fullmer apprirent tout ce qu'ils purent sur l'animation 3D afin de commencer la production de manière plus sereine...

Pour définir le style graphique de Chicken Little, Mark et Randy firent appel au directeur artistique Ian Gooding et au codirecteur artistique Dan Cooper qui travaillèrent sur Aladdin, Le Roi Lion et La Planète au Trésor. Au départ ils adoptèrent un style très proche des illustrations que l'on trouve dans les livres pour enfants, très déformé et coloré. Mais le plus difficile fut d'adapter ce style à l'outil 3D, il ne fallait pas que ça fasse trop plat ou trop "cheap". Le style "livre pour enfants" s'est malheureusement avéré trop difficile à travailler en 3D et il fut décidé de l'abandonner. C'est alors que tout en gardant un style déformé ils essayèrent de rester le plus crédible possible au niveau des textures et des différents effets. Ian Gooding voulait que le public se dise "Ouah! Ça bouge et ce n'est pas réel, mais ça y ressemble tellement que je pourrai presque le toucher!"
Pour ce qui est des formes et des couleurs, Ian et Dan s'inspirèrent des peintures conceptuelles de Mary Blair des années 50. Son style est très présent dans tout les films de cette décennie et ils voulaient retrouver le même esprit dans Chicken Little. David Womersley et Mat George s'occupèrent des environnements en créant des bâtiments aux formes très asymétriques avec des couleurs acidulées à souhait. Mais bien sur, l'outil 3D leur mis à eux aussi des bâtons dans les roues et ils durent revoir le tout afin de créer ces éléments en images de synthèse. Car si une maison difforme est facile à dessiner en 2D, c'est tout à fait autre chose en 3D!
Le graphisme des personnages est quant à lui dans la veine des décors. De nouveau ce sont les années 40-50 qui inspirèrent les artistes Ils étudièrent de près de nombreux cartoons de cette époque. Une technique en particulier fut développé pour ce film : le squash and stretch. Cette technique existait déjà pour l'animation 2D mais c'est la première fois qu'un film en images de synthèse l'utilisait d'une manière aussi importante. Le squash and stretch consiste à étirer de manière surréaliste certaine partie du corps afin de donner plus de dynamisme à l'action. Ce qui a pour conséquence de rapprocher encore plus le film du style cartoon rétro.

Chicken Little est sorti au cinéma le 4 novembre 2005, précédé d'une campagne de pub comme Disney n'en avait pas fait depuis longtemps, ils étaient vraiment fier de leur petit poulet ! Malheureusement tout le monde déchanta très vite, le film fut mal accueilli par la critique et le public suivi... On lui reproche une manque d'émotion, une histoire brouillon et des chansons indignes d'un Disney. C'est ainsi que les studios Disney se dirent que l'animation traditionnelle avait peut-être encore de beaux jours devant elle, et grâce à l'impulsion de John Lasseter, le département 2D rouvrit ses portes à notre plus grande joie !

35ème long métrage des Walt Disney Animation Studios, Hercule fait parti des rares longs métrages de la compagnie à avoir été réalisé en partie chez nous, en France, aux studios de Montreuil (Walt Disney Feature Animation France). Créé par Gaëtan et Paul Brizzi dans les années 80, le studio débuta en réalisant l'animation d'Astérix et la Surprise de César. Racheté par Disney en septembre 1989 il fut renommé Walt Disney Television. Après avoir travaillé sur des séries comme La Bande à Picsou, Super Baloo, Myster Mask ou bien encore Dingo et Max, le studio fut intégré en 1994 à Walt Disney Feature Animation. C'est ainsi qu'ils travaillèrent sur la réalisation de Runaway Brain (le dernier court métrage de Mickey Mouse), Le Bossu de Notre Dame, Tarzan, One by One, Kuzco l'Empereur Mégalo, Lorenzo, Destino, Frère des Ours et bien sur Hercules. WDFAF ferma ses portes en 2003 en même temps que les studios de Floride.
L'animation du film fut donc réalisée sur deux continents différents, la grosse majorité aux studios de Burbank en Californie et l'autre à Montreuil. Parmis les personnages animés en France on trouve entre autres Hadès, le Cyclope et les Titans. Le design des personnages a été confié à Gerald Scarfe, célèbre caricaturiste anglais connu pour avoir travaillé avec le groupe Pink Floyd sur leur concept album/concert/film The Wall, dont il a fait les animations. Il fut également caricaturiste pour le Sunday Times et illustrateur pour le New Yorker. Son style contraste énormément avec le graphisme Disney habituel tout en rondeur, ici les personnages se font anguleux et prennent des formes plus osées et forcément originales.
Hercules est réalisé par le duo John Musker / Rohn Clements dont c'est le quatrième film après Basile Détective Privé, La Petite Sirène et Aladdin. Les deux artistes sont arrivés à la fin des années 70, début des années 80 aux studios Disney après une formation à CalArts. Après avoir été animateurs sur Rox et Rouky les deux compères devinrent scénaristes sur Taram et le Chaudron Magique avant de devenir tout les deux réalisateurs avec Basile détective Privé sorti en 1986. Après la réalisation d'Hercules, les deux artistes se retrouvèrent pour La Planète au Trésor sorti 2002 avant de mettre en chantier La Princesse et la Grenouille prévu pour fin 2009.
La musique et les chansons d'Hercules ont été crées par Alan Menken, célèbre compositeur des studios. Alan Menken est arrivé chez Disney par l'intermédiaire de son collègue et ami Howard Hasman avec qui il avait travaillé sur le film de Franck Oz, La Petite Boutique des Horreurs. Les deux hommes travaillèrent ensemble sur les chansons de La Petite Sirène, et La Belle et la Bête, Alan s'occupait de la musique et Howard des paroles. Après la tragique disparition de ce dernier emporté par le sida en 1991, c'est d'abord avec Tim Rice qu'il composa les musiques d'Aladdin en 1993 avant de continuer sa carrière chez Disney avec Stephen Schwartz sur la bande originale de Pocahontas et d'Il Etait une Fois en 2007. Entre deux, Alan composa seul la bande originale d'Hercules en 1997 et de La Ferme se Rebelle en 2004.
Hercules est un film qui marqua bon nombre pour son design moderne et ses musiques jazzy, il n'eut pas le succès escompté (seulement 99,046,791 M$ de recettes aux Etats-Unis) mais reste de grande qualité, même si très différents des autres longs  métrages d'animation Disney des années 90. Ci dessous une galerie de recherches réalisées par Gerald Scarfe.

Pluto est un des personnages Disney les plus populaires. Tout comme son maître Mickey Mouse et ses amis Donald Duck et Dingo, il eut droit à sa propre série de cartoons qui en compta 48 entre 1937 et 1951. Mais pluto fit également de nombreuses apparitions dans d'autres cartoons des studios ce qui ferait monter à 103 le nombres de courts métrages où il apparait.
Pluto fit sa toute première apparition en 1930 dans le court métrage The Chain Gang mais il n'a pas encore de nom et se présente sous les traits de, non pas un mais deux chiens qui traquent Mickey alors évadé de prison. Il faudra attendre The Mosse Hunt en 1931 pour que Pluto ait son nom défitnif et une apparence plus caractéristique. Il devient également le compagnon de Mickey, et ceux pour de nombreuses années (hormis quelques infidélités avec Donald Duck et d'autres personnages Disney...). La popularité du chien ne se fait pas attendre, il devient très vite un des personnages phares des cartoons, volant par la même occasion la place de Horace et Clarabelle qui disparaîtront petit à petit des cartoons Disney... Après de nombreuses apparitions dans divers cartoons de la firme, Pluto obtient sa prorpe série en 1937 avec Les Quintuplés de Pluto. La série prend son rythme de croisière à partir de 1940 avec en moyenne quatre courts par an.
Le principal animateur ayant travaillé sur Pluto était Norm Ferguson. Ce dernier débute chez Disney en 1929 en simple dessinateur pour finir en 1953 en qualité de directeur de l'animation. Une de ses meilleurs séquences est sans nul doute celle où Pluto se débat avec une feuille de papier "tue-mouche" dans Playful Pluto en 1934 (l'animation sera d'ailleurs reprise en couleur en 1939 dans Beach Picnic ).
A la différence des ses acolytes, Pluto est un véritable animal, c'est le seul à ne pas avoir été "humanisé". Le plus étrange est de voir que Dingo, tout comme Pluto, est un chien mais l'un est évolué et l'autre non! Etant un personnage muet, il fallait que l'animation de Pluto soit des plus expressives, un peu comme à l'époque des films muets où la gestuelle faisait tout.
Pluto a eu plusieurs voix durant sa carrière. Pinto Colvig fut le premier à aboyer et grogner pour le personnage entre 1930 et 1936. Puis ce fut le tour de Lee Millar, Clarence Nash (connu pour avoir doublé Donald Duck durant 50 ans), James MacDonald et enfi Bill Farmer qui double Pluto (mais également Dingo) depuis Le Prince et le Pauvre (1990).
La dernière apparition de Pluto dans "l'ère clasique" (tout comme celle de Mickey) date de 1953 dans Mickey à la Plage. Plus récemment, Pluto est également apparu dans les séries télévisées Quack Pack, Mickey Mouse Works, Disney's Tous en Boîte et La Maison de Mickey. Côté cinéma, s'il est étrangement absent du (Le) Noël de Mickey (1983), on le retrouve dans Qui Veut la Peau de Roger Rabbit (1988), Le Prince et le Pauvre (1990) et dans le dernier cartoon de Mickey, Mickey Perd la Tête (1995). Enfin il est également présent dans certain films directement sortis en vidéo comme Mickey, Il Etait une Fois Noël (1999), Mickey, Donald, Dingo - Les Trois Mousquetaires (2004) et Mickey, Il Etait Deux Fois Noël (2004).

Playful Pluto (1934)

Le Perroquet de Mickey (Mickey's Parrot) (1938)

Pluto a des Envies (Bone Trouble) (1940)

Tend la Patte (Lend a Paw) (1941)

Pluto pendant la grève des studios (1941)

Patrouille Canine (Canine Patrol) (1945)

Les Locataires de Mickey (Squatter's Rights) (1946)

La création de Donald Duck doit beaucoup à l'évolution de la carrière de Clarence Nash, alors « vendeur de lait » (présentateur de publicité) pour l'Adohr Milk Company. Il avait réalisé les bruitages de chevaux tirant le wagon de lait dans une publicité. En 1933, il décide de déposer ce film publicitaire aux Studios de Disney comme CV. Il auditionne ensuite pour des sons d'animaux. Lors d'une prise de son pour un chevreau dans Marie a un petit agneau, Walt Disney aurait trouvé la voix pour son « canard parlant ».
En décembre 1933, Clarence Nash signe un contrat avec les studios Disney pour faire la voix d'un personnage alors à créer. Nash a donné sa voix en version originale au canard de 1934 à 1983, ce qui l'a fait surnommer Ducky Nash ; mais il a aussi participé à la définition de son caractère, le processus de production des films Disney intégrant les dialogues dès les premières phases de création.
La première apparition officielle de Donald a lieu dans le Silly Symphonie Une Petite Poule Avisée le 9 juin 1934, dans lequel il tient le rôle d'un canard paresseux qu'une mère poule va mettre sur le chemin du travail. Loin d'avoir le premier rôle, il était plutôt le comparse infortuné de la saga d'origine. Dès cette aventure, il est habillé en costume de marin : pour Disney, le canard rappelle l'eau, donc la marine. Graphiquement parlant, Donald Duck est né d'après Flora O'Brien sous les crayons d'Art Babbitt, Dick Huemer et Dick Lundy, les animateurs d'Une petite poule avisée mais c'est ce dernier qui le reprend et le développe dans Le Gala des Orphelins sorti 11 août 1934 où Donald perd ses couleurs pour revenir au noir et blanc, (la couleur étant alors exclusivement réservée aux Silly Symphonies). Dans ce court, l'animateur Dick Lundy donne à Donald des traits plus anguleux (par exemple le bec), un corps plus grossier, des pieds plus grands et surtout des bras  anthropomorphes, non plus des ailes.
Donald apparaît ensuite dans plusieurs dessins animés, comme second rôle râleur aux côtés de Mickey Mouse ainsi que dans quelques courts métrages en compagnie de Mickey et Dingo qui débute en 1935 avec Mickey's Service Station. Ce trio sera présent dans la plupart des courts-métrages réalisés par Ben Sharpsteen entre 1935 et 1938.
Parallèlement, Donald débute sa carrière solo aux côtés de Pluto dans Donald et Pluto sorti en 1936. Mais son nom et la fameuse tête qui ornera tout les génériques n'apparaissent pas au début du cartoon, la production ayant préféré placer la tête et le nom de Mickey alors que ce dernier n'apparaît même pas dans le court métrage! L'avenir s'annonce alors radieux pour le petit canard, alors qu'à côté, Mickey perd de son aura et ne fera plus qu'une dizaine d'apparition avant de totalement disparaître du grand écran en 1953... Donald devient alors petit à petite la star numéro 1 des studios, allant même jusqu'à dépasser la popularité de Mickey dans certain pays comme l'Italie ou les pays scandinaves.
Contrairement au héros au grandes oreilles, Donald est loin d'être un saint, il râle à longueur de temps et s'énerve pour un rien, de plus sa voix, reconnaissable entre toutes le rend encore plus hilarant mais également très attachant. Fort de la popularité de leur petit canard, les studios Disney exploiteront le filon à fond. La série de Cartoon du personnage deviendra la plus importante avec pas moins de 128 court métrages réalisés entre 1934 et 1961! C'est avec The Litterburg que Donald quitte définitivement le format du court métrage en 1961 après 30 ans d'une très belle carrière. Depuis on a put le voir dans quelques productions maison (ciné, vidéo et TV) tels que Le Noël de Mickey (1983), la série TV La Bande à Picsou (1987), Qui veut la Peau de Roger Rabbit (1988), Le Prince et le Pauvre (1991), Couac en Vrac (1996), Il Était une Fois Noël (1999), Fantasia 2000 (2000), Disney's Tous en Boîte (2001), Mickey et les Trois Mousquetaires (2004) ainsi que Mickey, Il Etait Deux Fois Noël (2004) où l'on découvre pour la première fois un Donald en 3D. C'est sous cette nouvelle apparence qu'on le retrouve depuis 2006 dans la série TV La Maison de Mickey, destinée aux jeunes enfants.

Une Petite Poule Avisée (1934) 

Mickey pompier (1935)

Model sheet (vers 1936)

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Don Donald (1937)

Inventions Modernes (1937)

Les Neveux de Donald (1938)

Trappeurs Arctiques (1938)

Scouts Marins (1939)

L'Entreprenant Mr Duck (1940)

Donald fait du Camping (1940)

Donald Capitaine de Pompier (1940)

Donald Bûcheron (1941)

Donald Fermier (1941)

Donald Forgeron (1942)

Der Fuehrer's Face (1943)

Gauche... Droite (1943)

Saludos Amigos (1943)

Inventions Nouvelles (1944)

Les Trois Caballeros (1945)

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Donald dans le Grand Nord (1946)

Coquin de Printemps (1947)

Straight Shooters (1947)

Dodo Donald (1947)

Le Dilemme de Donald (1947)

Déboire sans boire (1947)

Pépé le Grillon (1947)

Donald et les Grands Espaces (1947)

Donald chez les Ecureuils (1947)

Donald Inventeur (1948)

Papa Canard (1948)

Voix de Rêve (1948)

Le Procès de Donald (1948)

Donald Décorateur (1948)

A la Soupe (1948)

Le Petit Déjeuner est Servi (1948)

Donald et les Fourmis (1948)

Pile ou Farces (1949)

Sea Salts (1949)

Donald Forestier (1949)

Le Miel de Donald (1949)

Donald fait son Beurre (1949)

Jardin Paradisiaque (1949)

Slide, Donald, Slide (1949)

Donald et son Arbre de Noël (1949)

Attention au Lion (1950)

Donald Amoureux (1950)

La Roulotte de Donald (1950)

Donald Pêcheur (1950)

Donald à la Plage (1950)

Donald Blagueur (1950)

30ème long métrage des Walt Disney Animation Studios, Beauty and the Beast (La Belle et la Bête) reste encore à ce jour un des plus grands chef-d'oeuvre des studios. C'est le second film du deuxième âge d'or débuté avec La Petite Sirène en 1989. Cette période phare sonnait alors comme une renaissance, la nouvelle génération d'artistes des studios étant arrivée à maturation alors que les anciens partaient à la retraite. Le maître mot à l'époque était alors de rester dans la tradition des grands films d'entan tout en ajoutant une touche de modernité qui manquait cruellement aux dernières productions.

Le conte de La Belle et la Bête qui inspira le film fut publié en 1756 par Jeanne Marie Le Prince de Beaumont. Son histoire est inspiré par bon nombre de récits similaires (Cupidon et Psyché, Notre-Dame de Paris, Le Fantôme de l'Opéra), on peut donc la qualifier de très ancienne, Le Prince de Beaumont l'ayant juste remis au goût du jour. Le principal intérêt de l'histoire était de nous faire comprendre que la beauté ne venait pas du corps mais du coeur.
Tout comme La Petite Sirène, La Belle et la Bête est un projet de longue date. Durant les années 30 et 50 des artistes des studios avaient déjà développé un projet qui n'arriva jamais à maturité. Avec la guerre puis des difficultés à développer le second acte de l'histoire, le projet ne put voir le jour, au grand dam de Walt Disney en personne. Il faudra donc attendre 1987 pour que le projet refasse surface sous l'impulsion de Roy E. Disney, alors vice président exécutif, qui comptait bien redorer le blason de l'entreprise familiale. Le retour au conte de fée avait fait le succès de la dernière production, La Petie Sirène, La Belle et la Bête devait enfoncer le clou.

La Belle et la Bête est la première production d'un duo de jeunes réalisateurs : Gary Trousdale et Kirk Wise. Ces deux artistes étaient arrivés chez Disney durant la période sombre des années 70 et 80. Passionné d'animation depuis son plus jeune âge, Gary Trousdale a gravi petit à petit tous les échelons menant aux studios Disney. Après s'être destiné aux études d'architecture, il rencontre un représentant de l'école d'animation CalArts qui le convaint de s'y inscrire. Après trois ans d'étude le futur réalisateur entre dans la société de production Carter/Mendez Productions. Il y sera animateur, dessinateur et créateur de storyboards pour la télévision. Il débutra sa carrière chez Disney en tant qu'assistant sur les effets spéciaux de Taram et le Chaudron Magique. Il passa ensuite au département scénario où il développa l'histoire d'Oliver & Compagnie. Kirke Wise quant à lui, lauréat de concours de dessin dès l'âge de sept ans entre à l'école d'animation CalArts dès la fin de ses études secondaires. Durant sa dernière année à CalArts, il est engagé par Disney comme animateur indépendant. En 1986, il entre définitivement chez Disney, en tant qu'animateur sur Basil, Détective Privé puis comme scénariste sur Oliver & Compagnie. Après la fin de la production de La Belle et la Bête, les deux compères ne se quittèrent plus et réalisèrent encore deux films ensemble : Le Bossu de Notre-Dame et Atlantide, l'Empire Perdu.

Les musiques et les chansons sont composées par Alan Menken pour la musique et le grand et regretté Howard Hasman pour les textes qui produisit également le film. Tout deux avaient été récompensé par deux oscars, celui de la meilleure chanson pour Under the Sea et celui de la meilleure musiques, tout deux récompensant leur travail sur La Petite Sirène. Malheureusement Howard Hashman disparut en mars 1991, six mois seulement avant la sortie de La Belle et la Bête et ne put donc voir son travail mis à l'honneur. Un hommage lui est d'ailleurs rendu au générique : "A notre amis Howard qui donna sa voix à une sirène et son âme à une Bête..."

Après moult difficultés et remaniements (le second acte posant toujours autant problème), La Belle et la Bête fut terminé à la fin de l'année  1991. Une première projection eut lieu quelques mois plus tôt à un festival de films à New York. Le film n'était pas totalement fini, de nombreux plans n'étaient soit pas encore animés soit pas mis en couleurs. Le public new yorkais était connu pour être un public difficile, cassant constamment du sucre sur le dos de Disney qu'il trouvait trop populaire. Quelle surprise alors des les voir sortir de la projection complètement emballés, les yeux pétillants, un vrai grand succès pour la production ! La sortie officielle du film (le 13 novembre 1991) confirma la tendance, La Belle et la Bête est un énorme triomphe! Il rapporta plus de 403 millions de dollars à Disney, ce qui fut à l'époque le film d'animation le plus rentable de toute l'histoire du cinéma. Mais ce n'est pas tout, La Belle et la Bête fut également le premier film d'animation à être nominé pour l'Oscars® du meilleur film, une véritable consécration pour toute l'équipe du film et pour le studio !

Le film ressorti au format IMAX le 1er janvier 2002 avec un succès non négligeable, avant de sortir pour la première fois en dvd en octobre de la même année. Cette édition reste à ce jour l'une des plus belles et des plus complètes jamais sortie, La Belle et la Bête méritait bien cela !

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Pour terminer voici un test d'animation du personnage de la Bête réalisé par Glen Keane :

Sixième long métrage des Walt Disney Animation Studios, Saludos Amigos est sorti le 6 février 1943. Sa production débuta en 1941, après le retour d'un groupe d'artistes des studios d'un grand voyage en Amérique du Sud. Ce voyage avait pour but de promouvoir les valeurs américaines et parer ainsi la montée de l'influence de l'Allemagne nazie dans les différents pays du sud du continent.
Les temps sont durs aux studios Disney, après la fermeture du marché européen en 1939, une grève générale éclate en 1941, la plupart des employés réclamant les primes qui leur avaient été promises durant la production de Blanche Neige et les Sept Nains. Au lieu de satisfaire ses employés, Disney avait alors décidé de mettre en chantier de nouveaux studios à Burbank, jugeant ceux d'Hyperion Avenue trop petits. La proposition du gouvernement américain d'envoyer Walt Disney et son équipe d'artistes en Amérique du Sud arriva donc à point nommé et lui permis ainsi de s'éloigner du conflit. Parmi les membres qui l'accompagnèrent on trouvait Lee et Mary Blair, Frank Thomas ou bien encore Norm Ferguson. De ce voyage naîtra donc Saludos Amigos mais aussi Les Trois Caballeros sorti en 1945.

Saludos Amigos est particulier en bien des points. Premièrement c'est le plus court Grand Classique jamais produit, 46 petites minutes! Ensuite c'est le seul Grand Classique où apparaît Walt Disney en personne, jouant dans les différentes scènes lives incorporées entre chaque courts métrages animés. Le temps étant à l'économie, relier plusieurs courts métrages entre eux était la meilleure solution afin de ne pas trop dépenser d'argent. On appellera très vite ce genre de long métrages des films packages. Saludos Amigos est composé de quatre courts métrages:
- Lake Titicaca : Donald joue le rôle d'un touriste lambda qui visite les abords du célèbre lac
- Pedro : nous suivons les aventures d'un petit avion traversant les Andes pour livrer le courrier
- El Gaucho Goofy : Dingo se met dans la peau d'un Cow Boy américain se retrouvant dans la pampa
- Aquarela Do Brasil : Donald rencontre Jose Carioca, un perroquet possédé par la samba qui lui fait goûter les plaisirs de son pays

Saludos Amigos sera très bien accueillie à sa sortie en février 1943, même si certain lui reprochèrent d'être beaucoup moins abouti que les anciens Grands Classiques. Le film sera même un véritable triomphe en Amérique du Sud. Il fut nommé trois fois aux Oscars® pour la meilleure musique, le meilleur son et la meilleure chanson (catégories dans lesquelles les films d'animation du studio vont souvent se retrouver).

Sleeping Beauty (La Belle au Bois Dormant), sorti en 1959, est considéré comme le dernier Grand Classique du second âge d'or des studios Disney qui avait débuté avec Cendrillon en 1950 (bien que ceux venant après sont tout aussi bons mais très différents). D'un budget de six millions de dollars, c'était à l'époque le film d'animation le plus cher jamais réalisé. Le film est encore plus ambitieux que n'importe quel autre film d'animation du studio, il permettra à l'animation d'atteindre des sommets, de devenir un art à part entière.
Inspiré d'un conte de Perrault publié en 1697 (réécrit par les frère Grimm en 1812), le scénario de La Belle au Bois Dormant fut adapté par Ed Penner et Joe Rinladi qui s'inspirèrent des deux versions précédentes pour écrire leur propre version. Une première mouture du story board fut soumise à Walt Disney en juin 1952. Il la refusa. Elle présentait trop de similitudes avec Blanche Neige et les Sept Nains et Cendrillon. Accaparé par l'ouverture de Disneyland, la production de documentaires, de films de fiction et d'émissions de télévision, il délégua Ken Peterson, Don Da Gradi et Ken Anderson pour produire La Belle au Bois Dormant. Cependant il assistait souvent aux réunions de scénarios.
Le dessin animé se voulant réaliste, un film live fut tourné sous la direction de Clyde Geronimi et d'Eric Larson afin d'aider les animateurs dans leur travail. Jamais un dessin animé de Walt Disney n'avait bénéficié d'un travail préparatoire aussi poussé. La production du fil dura cinq ans au lieu de trois habituellement en raison de l'utilisation du format Technirama 70 mm (les décors étant bien plus larges, il fallut plus de temps pour les réaliser). Deux caméras multiplanes furent employées : l'une verticale pour les scènes de forêt et l'autre horizontale lorsque l'on pénètre à l'intérieur du château.
Les artistes comme Albert Hurter, Gustaf Tenggren et Mary Blair avaient influencé les dessins animés précédents, mais jamais l'un d'eux n'avait été à la fois le créateur du style graphique du film et le superviseur des décors. Disney choisit Eyvind Earle comme directeur artistique de La Belle au Bois Dormant. Il réalisa entre 1954 et 1959 des centaines d'études péliminaires et décors panoramiques à la gouache, sa technique de prédilection.
Pour la bande originale du film, le choix fut fait d'adapter la musique composée par Tchaïkovsky pour le Ballet du même nom en 1890. Walt Disney demanda à un jeune musicien, George Bruns, de s'occuper de l'adaptation. Bruns composa de nouvelles mélodies dans l'esprit du grand compositeur pour répondre aux exigences narratives du dessin animé.
Le première du film eut lieu le 29 janvier 1959. Malgré un véritable succès d'estime, le budget pharamineux ne fut remboursé que plusieurs décennies plus tard. La Belle au Bois Dormant demeure aujourd'hui l'un des dessins animés préférés des artistes du studio Disney.

Recherches d'Eyvind Earle :

Autres recherches graphiques :

Recherche graphiques de Flora, Pâquerette et Pimprenelle :

Dessins de Kay Nielsen :

Décors HD :

Quatrième long métrage des Walt Disney Animation Studios, Dumbo est sorti le 23 octobre 1941 aux États-Unis et seulement en 1947 en France à cause de la guerre. Le film fit l'ouverture de la seconde édition du festival de Cannes puis sorti dans les salles de cinéma le 25 octobre 1947. Dumbo se détache fortement des autres longs métrages d'animation de l'époque, misant sur la simplicité et l'émotion. Malgré la qualité indéniable de ses films, Walt Disney se rendit compte qu'il devait restreindre ses ambitions. Fantasia sorti une année plus tôt fut un échec, le public n'en attendait peut-être pas autant d'un producteur de cartoons !

La réalisation de Dumbo débuta donc en 1939, peu après le début de la Seconde Guerre Mondiale en Europe. Plus préoccupé par la production de Bambi qui était en chantier depuis la sortie de Blanche Neige et les Sept Nains, Walt Disney ne s'investit guère dans la production de Dumbo, croyant plus au succès de Bambi. De plus, les studios étaient en pleine production de cartoons de propagande et une partie de l'équipe s'apprêtait à partir en Amérique du Sud pour le compte du gouvernement américain afin de renforcer les liens avec ces pays (voyage qui donnera naissance à deux films, Saludos Amigos en 1943 et Les Trois Caballeros en 1945). Un voyage qui arriva à point nommé le studios traversant une grave crise en raison de la grève de la plupart des employés.
Dumbo est tiré du livre du même nom écrit par de Helen Aberson et Harold Pearl, son adaptation fut confié à Joe Grant et Dick Huemer. Le but était alors de rester dans la simplicité, le film ne dépassant guère 65 minutes. Et c'est d'ailleurs ça qui fera sa force, son récit simple et émouvant fut adopté immédiatement par le public et la critique !

Le budget du film étant trois fois moins important que pour un long métrage d'animation habituel, les décors sont également d'une simplicité tout à fait charmante. L'animation quant à elle reste de grande qualité, Dumbo étant un personnage muet il fallait que toutes ses émotions passent par sa gestuelle et ses expressions, ce qui, on peut le dire est plutôt réussi ! Son style graphique se rapproche alors plus des cartoons du studio que de ses précédents films. On doit l'animation du personnage de Dumbo à Bill Tytla qui anima également le démon dans la séquence de Fantasia "Une Nuit sur le Mont Chauve". Timothée la souris fut confié à Woolie Reitherman, encore alors jeune animateur plein d'ambitions (il finira réalisateur des films d'animation Disney des années 60 et 70). Enfin les corbeaux furent magnifiquement animé par Ward Kimball, le spécialiste des personnages loufoques.

Malgré sa sortie en salle deux semaines avant l'attaque de Pearl Harbor, Dumbo fut un succès et permis de remplir de nouveaux les caisses du studio. On a donc bien  affaire à un chef-d'oeuvre, sous ses allures très simples, l'histoire de Dumbo fait avant tout passer de l'émotion et c'est bien tout ce qui compte pour passer un agréable moment ! Retrouvez ci-dessous de magnifiques dessins de storyboards, quelques concept arts et les dessins préparatoires de la fameuse scène des éléphants roses !

Recherches personnage Dumbo :

Mary Poppins était un projet de longue date cher à Walt Disney en personne. En 1938, les studios approchent pour la première fois l'auteur du livre Mary Poppins, Pamela Lyndon Travers, qui refuse alors catégoriquement de voir son histoire transposée à l'écran. Il faudra par la suite plus de 20 ans pour que l'écrivain accepte enfin de donner son accord pour cette adaptation. Et elle ne le regrettera pas ! Mary Poppins est encore considéré aujourd'hui comme une des plus grandes réussites des studios du vivant de Walt. De nombreux et talentueux artistes ont travaillé sur ce long métrage de plus de deux heures (du jamais vu pour un film Disney mêlant animation et prises de vue réelles) dont le grand Peter Ellenshaw qui créa des dizaines de peintures sur verre qui servirent de décors dans de nombreux plans. Ub Iwerks fait également un retour remarqué en faisant évoluer une technique qu'il avait lui-même mis en au point des années plus tôt sur Les Trois Cabellros et Mélodie du Sud qui consistait à intégrer des personnages réels dans un monde animation, le tout avec un grand réalisme. Bref, Mary Poppins est un chef-d'oeuvre qui restera gravé à tout jamais dans le coeur de générations d'enfants. Découvrez ci-dessous certaines recherches graphiques ainsi que quelques décors réalisés par Peter Elleshaw.

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