Après un premier opus sorti en 2005, Le Monde de Narnia nous revient le 25 juin 2008 pour un second film intitulé Le Monde de Narnia - Chapitre 2 : Le Prince Caspian. Mais avant d'être une saga cinématographique, Le Monde de Narnia est avant-tout un livre en sept tomes écrit par Clive Staple Lewis (C. S. Lewis) et publié entre 1950 et 1956.
C. S. Lewis est né à Belfast le 29 novembre 1898. C'était un écrivain et universitaire irlandais connu pour ses travaux sur la littérature médiévale, ses ouvrages de critique littéraire et d'apologétique du christianisme, et bien sur pour la série des Chroniques de Narnia. Il était un ami très proche de J. R. R. Tolkien, l'auteur du Seigneur des anneaux, aux côtés duquel il enseigna à la faculté de littérature anglaise de l'université d'Oxford ; il faisaient tous deux partie du cercle littéraire des Inklings. En partie grâce à l'influence de Tolkien, Lewis se convertit au christianisme, devenant, selon ses propres termes, « un très ordinaire laïc de l'Église d'Angleterre» ; cette conversion eut de profondes conséquences sur son œuvre. Les chroniques radiophoniques sur le christianisme qu'il donna au cours de la Seconde Guerre mondiale lui assurèrent une grande popularité, confirmée par le succès de ses ouvrages d'apologétique. C. S. Lewis est mort le 22 novembre 1963 à Oxford.
Presque inconnu en France avant la sortie du premier film, Le Monde de Narnia est pourtant un livre à succès depuis bien longtemps dans le reste du monde. Le recueil du livre s'est vendu à plus de 100 millions d'exemplaires dans le monde et traduit en 35 langues.
La réalisation de ce second film s'est faite, contrairement au premier opus en grande partie en décors naturels. Le premier volet des aventures de Narnia comptait 60 à 70% d'images réalisées en studio. Pour ce second volume, les proportions sont inversées, puisque il y a beaucoup plus de prises de vues réelles. Le tournage s'est donc étendu sur sept mois, de la Nouvelle-Zélande à la Slovénie, en passant par la Pologne et la République Tchèque.
Trouver l'interprète pour le Prince Caspian ne fut pas une mince affaire. Andrew Adamson, le réalisateur du film nous en dit plus : "Le casting a été très long. Nous avons cherché en Argentine, en Italie, en France, en Espagne et en Angleterre. C'était un rôle difficile à distribuer parce que je voulais une personne capable de s'intégrer facilement à notre petite famille d'acteurs". Et Ben Barnes (découvert dans Stardust) s'est imposé de lui même lors des entretiens."
De l'aveu de la production et du réalisateur Andrew Adamson, Le Monde de Narnia - Chapitre 2 : Le Prince Caspian a été voulu comme un film sensiblement plus sombre que le premier volet. Une dominance que l'on retrouvera dans le troisième volet des aventures de la famille Pevensie, Le Monde de Narnia - Chapitre 3 : L'Odyssée du Passeur d'Aurore, produit par la 20th Century Fox et sorti en 2010. Toutefois, ce n'est pas Andrew Adamson qui réalisera le film, se contentant d'être à la production, mais Michael Apted.
Retrouvez ci-dessous le design de certaines armes, et quelques illustrations, dans la ligne droite de celle du premier film, et pourtant, avec une petite touche plus sombre, conformément aux nombreuses déclarations des producteurs et autres artisans impliqués dans la conception de ce second volet.

Glen Keane est né en 1954, c'est le fils du célèbre dessinateur de The Family Circus, Bill Keane, (le personnage de Billy représente Glen, enfant) et de Thelma « Thel » Carne Keane. L'intérêt de Glen Keane pour l'art a commencé lorsqu'il était enfant alors qu'il observait le travail de son père. Alors qu'il s'essayait à ses premières esquisses, son père lui donna un exemplaire de Dynamic Anatomy de Burne Hogarth et lui apprit à analyser la forme des corps, et l'approche créative du portrait. Après le lycée, Glen postula à l'Institut des Arts de Californie, mais il garda tout de même l'option d'accepter une bourse sportive (football américain) d'une autre université. Par un coup chanceux du destin, sa candidature fut accidentellement envoyée au Programme d'Animation Expérimentale (appelée ensuite Film Graphics), où le renommé professeur d'animation, Jules Engel, fut son mentor.

Glen Keane quitta l'Institut des Arts de Californie en 1974 et rejoignit Disney la même année. Son premier travail fut l'animation de Penny, personnage de (Les) Aventures de Bernard et Bianca, aux côtés du célèbre Ollie Johnston qui animait Bernard. Ensuite il anima Elliott de Peter et Elliott le Dragon ainsi que Rox et l'ours de Rox et Rouky. En 1982, après avoir été inspiré par le film révolutionnaire, Tron, il travailla avec le réalisateur John Lasseter (Toy Story, 1001 Pattes (a bug's life), Toy Story 2, Cars - Quatre Roues) sur Max et les Maximonstres, un test de 30 secondes financé par Tom Willhite qui inclu des personnages d'animation traditionnels dans des décors générés par ordinateur. Mais le projet se révéla trop cher et le studio n'était pas disposé à investir plus dans un court métrage. Max et les Maximonstres était révolutionnaire pour l'époque et fut le prédécesseur de la fameuse scène de la salle de bal de La Belle et la Bête.

Glene Keane quitta officiellement Disney quelques temps, il travailla en tant qu'artiste indépendant sur Ratigan pour Basil Détective Privé. Durant l'accalmie des productions Disney, il travailla sur Alvin et les Chipmunks. Il revint à Disney pour travailler sur les personnages de Fagin, Sykes et Georgette, d'Oliver & Compagnie. Il fut ensuite promut directeur de l'animation des personnages, devenant ainsi comme l'un des « Neuf Nouveaux Messieurs » qu'il admirait. Son premier personnage animé à ce poste fut Marahute, l'aigle majestueux dans Bernard et Bianca au Pays des Kangourous. Par la suite, il fut responsable de l'animation de quelques personnages Disney des plus mémorables (Ariel, la Bête, Pocahontas, Tarzan), cette période est connue comme « le nouvel age d'or » de l'animation Disney. En 2002, Glen Keane fut le responsable de l'animation de Long John Silver dans La Planète au Trésor. Il créa également le design de Jim. Il anima le personnage dans la scène au début du film, lorqu'on le voit enfant.

Par la suite, Glen Keane retourne à ses essais de monde généré par ordinateur en travaillant de longues années en tant que responsable de l'animation sur Raiponce. Initialement réalisateur du film, il fut remplacé par Byron Howard et Nathan Greno en 2008, officiellement en raison de problèmes de santé. On le retrouve ensuite sur Les Mondes de Ralph, projet pour lequel il réalise quelques recherches pour le personnage du Sergent Calhoun. Pour finir, Glen Keane travailla sur le design des personnages et l'animation du court métrage Paperman. Ce sera sa dernière réalisation pour les Walt Disney Animation Studios qu'il quitte définitivement en mars 2012.
En plus de son travail en tant qu'animateur, Glen Keane est l'auteur et l'illustrateur d'une série de paraboles bibliques pour enfants qui mettent en scène Adam Raccoon, le Roi Aren et le Lion. Il reçut le titre de Disney Legend en 2013, le récompensant de ses trente années passées à animer d'une main de maître les plus beaux personnages des Walt Disney Animation Studios.

- Les Aventures de Bernard et Bianca (1976) (animateur Penny)
- Rox et Rouky (1981) (animateur Rox et Ours)
- Le Noël de Mickey (animateur Willie le Géant)
- Taram et le Chaudron Magique (1985) (design personnages)
- Basil, Détective Privé (1986) (animateur Ratigan)
- Oliver & Compagnie (1988) (animateur Sykes et Fagin)
- La Petite Sirène (1989) (animateur Ariel)
- Bernard et Bianca au Pays des Kangourous (1990) (animateur Marahute)
- La Belle et la Bête (1991) (animateur la Bête)
- Aladdin (1992) (animateur Aladdin)
- Pocahontas (1995) (développement visuel, scénario et animateur Pocahontas)
- Tarzan (animateur Tarzan)
- La Planète au Trésor (2002) (animateur John Silver)
- Raiponce (2010) (responsable de l'animation et design personnages)
- Les Mondes de Ralph (2012) (design personnages)
- Paperman (2012) (design personnages)

Rox et Rouky (1981) : 

Basil, Détective Privé (1986) :

Oliver & Compagnie (1988) :

La Petite Sirène (1989) :

Bernard et Bianca au Pays des Kangourous (1990) :

La Planèt au Trésor (2002) :

Les Mondes de Ralph (2012) : 

Glen Keane dessine :

Pencil test Oliver & Compagnie :

30ème long métrage des Walt Disney Animation Studios, Beauty and the Beast (La Belle et la Bête) reste encore à ce jour un des plus grands chef-d'oeuvre des studios. C'est le second film du deuxième âge d'or débuté avec La Petite Sirène en 1989. Cette période phare sonnait alors comme une renaissance, la nouvelle génération d'artistes des studios étant arrivée à maturation alors que les anciens partaient à la retraite. Le maître mot à l'époque était alors de rester dans la tradition des grands films d'entan tout en ajoutant une touche de modernité qui manquait cruellement aux dernières productions.

Le conte de La Belle et la Bête qui inspira le film fut publié en 1756 par Jeanne Marie Le Prince de Beaumont. Son histoire est inspiré par bon nombre de récits similaires (Cupidon et Psyché, Notre-Dame de Paris, Le Fantôme de l'Opéra), on peut donc la qualifier de très ancienne, Le Prince de Beaumont l'ayant juste remis au goût du jour. Le principal intérêt de l'histoire était de nous faire comprendre que la beauté ne venait pas du corps mais du coeur.
Tout comme La Petite Sirène, La Belle et la Bête est un projet de longue date. Durant les années 30 et 50 des artistes des studios avaient déjà développé un projet qui n'arriva jamais à maturité. Avec la guerre puis des difficultés à développer le second acte de l'histoire, le projet ne put voir le jour, au grand dam de Walt Disney en personne. Il faudra donc attendre 1987 pour que le projet refasse surface sous l'impulsion de Roy E. Disney, alors vice président exécutif, qui comptait bien redorer le blason de l'entreprise familiale. Le retour au conte de fée avait fait le succès de la dernière production, La Petie Sirène, La Belle et la Bête devait enfoncer le clou.

La Belle et la Bête est la première production d'un duo de jeunes réalisateurs : Gary Trousdale et Kirk Wise. Ces deux artistes étaient arrivés chez Disney durant la période sombre des années 70 et 80. Passionné d'animation depuis son plus jeune âge, Gary Trousdale a gravi petit à petit tous les échelons menant aux studios Disney. Après s'être destiné aux études d'architecture, il rencontre un représentant de l'école d'animation CalArts qui le convaint de s'y inscrire. Après trois ans d'étude le futur réalisateur entre dans la société de production Carter/Mendez Productions. Il y sera animateur, dessinateur et créateur de storyboards pour la télévision. Il débutra sa carrière chez Disney en tant qu'assistant sur les effets spéciaux de Taram et le Chaudron Magique. Il passa ensuite au département scénario où il développa l'histoire d'Oliver & Compagnie. Kirke Wise quant à lui, lauréat de concours de dessin dès l'âge de sept ans entre à l'école d'animation CalArts dès la fin de ses études secondaires. Durant sa dernière année à CalArts, il est engagé par Disney comme animateur indépendant. En 1986, il entre définitivement chez Disney, en tant qu'animateur sur Basil, Détective Privé puis comme scénariste sur Oliver & Compagnie. Après la fin de la production de La Belle et la Bête, les deux compères ne se quittèrent plus et réalisèrent encore deux films ensemble : Le Bossu de Notre-Dame et Atlantide, l'Empire Perdu.

Les musiques et les chansons sont composées par Alan Menken pour la musique et le grand et regretté Howard Hasman pour les textes qui produisit également le film. Tout deux avaient été récompensé par deux oscars, celui de la meilleure chanson pour Under the Sea et celui de la meilleure musiques, tout deux récompensant leur travail sur La Petite Sirène. Malheureusement Howard Hashman disparut en mars 1991, six mois seulement avant la sortie de La Belle et la Bête et ne put donc voir son travail mis à l'honneur. Un hommage lui est d'ailleurs rendu au générique : "A notre amis Howard qui donna sa voix à une sirène et son âme à une Bête..."

Après moult difficultés et remaniements (le second acte posant toujours autant problème), La Belle et la Bête fut terminé à la fin de l'année  1991. Une première projection eut lieu quelques mois plus tôt à un festival de films à New York. Le film n'était pas totalement fini, de nombreux plans n'étaient soit pas encore animés soit pas mis en couleurs. Le public new yorkais était connu pour être un public difficile, cassant constamment du sucre sur le dos de Disney qu'il trouvait trop populaire. Quelle surprise alors des les voir sortir de la projection complètement emballés, les yeux pétillants, un vrai grand succès pour la production ! La sortie officielle du film (le 13 novembre 1991) confirma la tendance, La Belle et la Bête est un énorme triomphe! Il rapporta plus de 403 millions de dollars à Disney, ce qui fut à l'époque le film d'animation le plus rentable de toute l'histoire du cinéma. Mais ce n'est pas tout, La Belle et la Bête fut également le premier film d'animation à être nominé pour l'Oscars® du meilleur film, une véritable consécration pour toute l'équipe du film et pour le studio !

Le film ressorti au format IMAX le 1er janvier 2002 avec un succès non négligeable, avant de sortir pour la première fois en dvd en octobre de la même année. Cette édition reste à ce jour l'une des plus belles et des plus complètes jamais sortie, La Belle et la Bête méritait bien cela !

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Pour terminer voici un test d'animation du personnage de la Bête réalisé par Glen Keane :

Si l'on en croit Frank Thomas et Ollie Johnston, John Lounsbery a sa propre perception des choses. Dans le livre Disney Animation: The Illusion of Life, on apprend que quelque soit la situation, et même quand elle ne peut pas être pire, John pouvait toujours faire "Quelques observations amusantes pour éclairer la situation". Bien que timide par nature, les personnages de John étaient quant à eux bien loin de ressembler à leur créateur. Pour ses pairs, les personnages créés étaient toujours amusant à regarder.
En fait, John Lounsbery a dit un jour que son personnage favori de tout ceux qu'il avait eu l'opportunité d'animer était le séducteur Ben Ali, l'alligator danseur que l'on peut voir dans la séquence La Danse des Heures de Fantasia. John Lonusbery s'est également occupé de l'animation d'autres personnages mémorables tel que Grand Coquin dans Pinocchio , Timothée la souris dans Dumbo, et le joyeux Tony dans La Belle et le Clochard.

   
John Lousnbery durant la production de Coquin de Printemps (1947) - Society Dog Show (1939)  - The Practical Pig (1939)

John est né le 9 mars 1911 à Cincinnati dans l'Ohio. Il était le plus jeune des trois fils de la famille. Il a grandit dans le Colorado où il appréciait les joies du sport, le dessin mais aussi les randonnées d'été dans les montagnes. Il poursuivit des études à l'Art Institute de Denver, d'où il sorti diplômé en 1932. Il déménagea la même année à Los Angeles, pour travailler comme artiste publicitaire en freelance. Il continuait de suivre des cours à l'Art Center School of Design, où un de ses professeur découvrant son talent l'envoya vers les Walt Disney Studios qui étaient en train de recruter.

   
Mickey et le Haricot Magique (1947)                           Peter Pan (1953)                          La Belle au Bois Dormant (1959)

Le 2 juillet 1935, John rejoint l'équipe d'animateur des studios Disney comme assistant animateur de Norm 'Fergy' Ferguson sur le film Blanche Neige et les Sept Nains. Il se spécialisa ensuite pendant plusieurs années dans les courts métrages de Pluto, il travailla ainsi sur Pluto's Playmate, Pluto at the Zoo ou Private Pluto. Il fut par la suite promut directeur de l'animation sur les films classiques tels que Dumbo, Mélodie du Sud  , Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan, La Belle et le Clochard, La Belle au Bois Dormant, Le Livre de la Jungle, Les Aristochats et Robin des Bois.

Il travailla aussi comme directeur de l'animation sur les différent moyens métrages de Winnie l'ourson comme Winnie the Pooh and the Honey Tree et Winnie the Pooh and the Blustery Day, qui gagnèrent un Academy Award dans la catégorie meilleur sujet de court métrage animé. Il dirigea aussi Winnie the Pooh and Tigger Too, qui fut nominé aux Oscars.
Lounsbery était surnommé affectueusement par ses collègues 'Louns' et était un incroyable esquisseur qui insipra de nombreux animateurs. Son dessin possédait un sentiment de tension rapide qui était unique.
John Lounsbery est mort le 13 février 1976. Il travaillait encore pour Disney comme directeur sur Les Aventures de Bernard et Bianca. En 1989, il est nommé Disney Legend aux côtés des autres "Nine Old Men".

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Filmographie :

- Snow White and the Seven Dwarfs (1937) (assistant animator)
- Society Dog Show (1939) (animator)
- The Practical Pig (1939) (animator)
- The Pointer (1939) (animator)
- Officer Duck (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (animator)
- Donald's Dog Laundry (1940) (animator)
- Bone Trouble (1940) (animator)
- Fantasia (1940) (animator) (segment "Dance of the Hours" : Ben Ali Gator)
- Pluto's Playmate (1941) (animator)
- Dumbo (1941) (animation director)
- Out of the Frying Pan Into the Firing Line (1942) (animator)
- Pluto at the Zoo (1942) (animator)
- Pluto and the Armadillo (1943) (animator)
- Private Pluto (1943) (animator)
- Victory Through Air Power (1943) (animator)
- Chicken Little (1943) (animator)
- Springtime for Pluto (1944) (animator)
- The Three Caballeros (1944) (animator)
- The Legend of Coyote Rock (1945) (animator)
- Canine Patrol (1945) (animator)
- Make Mine Music (1946) (animator) (segment Peter and the Wolf)
- Song of the South (1946) (directing animator)
- Fun & Fancy Free (1947) (directing animator)
- Melody Time (1948) (directing animator)
- So Dear to My Heart (1948) (animator)
- The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949) (directing animator)
- Cinderella (1950) (directing animator)
- Alice in Wonderland (1951) (directing animator)
- Lambert the Sheepish Lion (1952) (animator)
- Peter Pan (1953) (directing animator : the father)
- Lady and the Tramp (1955) (directing animator : Tony, Joe and other dogs)
- The Legend of Sleepy Hollow (1958) (animator)
- Sleeping Beauty (1959) (directing animator : the kings)
- Goliath II (1960) (directing animator)
- One Hundred and One Dalmatians (1961) (directing animator)
- Aquamania (1961) (animator)
- "Disneyland" (animator) (7 episodes, 1955-1963)
    - The Truth About Mother Goose (1963) TV episode (animator)
    - The Coyote's Lament (1961) TV episode (animator)
    - The Fourth Anniversary Show (1957) TV episode (animator) (segment "Peter and the Wolf")
    - Tricks of Our Trade (1957) TV episode (animator)
    - Our Friend the Atom (1957) TV episode (animator)
      (2 more)
- The Sword in the Stone (1963) (directing animator)
- Mary Poppins (1964) (animator)
- The Jungle Book (1967/I) (directing animator :  elephants)
- Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968) (animator)
- The AristoCats (1970) (animation director)
- Bedknobs and Broomsticks (1971) (animator)
- Robin Hood (1973) (directing animator)
- The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977) (animator)

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Pencil test Le Livre de la Jungle

Cars - Quatre Roues est le septième film d'animation des studios Pixar et la quatrième réalisation d'un de ses employés les plus prestigieux, Monsieur John Lasseter. Après avoir terminé ses études à Cal Arts, John débuta sa brillante carrière chez Disney au début des années 80 en tant qu'animateur sur Rox et Rouky et Le Noël de Mickey. En 1982 il fut subjugué par la réalisation de Tron où l'on pouvait voir pour la première fois des effets spéciaux en 3D. Après avoir été licensié de Disney suite à des soucis de compréhension avec la direction (les dirigeants du studio ne savait que faire de ce jeuen homme à l'imagination débordante), John rejoignit en 1984 Lucasfilm qui venait de créer un tout nouveau département entièrement consacré à l'animation 3D et qui se nommera bientôt Pixar. Disney, toujours à la pointe en terme d'innovation et qui était déjà à l'origine du premier film à effets spéciaux 3D sentit le filon venir et décida donc au début des années 90 de signer un partenariat avec Pixar. Et pas n'importe quel partenariat puisque Pixar allait bientôt sortir le tout premier long métrage d'animation entièrement réalisé en 3D, Toy Story.

Mais revenons en à Cars - Quatre Roues. Onze années ont passés depuis Toy Story et Pixar, malgré une concurrence accrue est encore et toujours le roi de l'animation 3D. Après 1001 Pattes (a bug's life) et Toy Story 2, John Lasseter décide en 2000 de prendre de longues vacances. En effet après des années à travailler d'arrache-pied aux studios, sa femme lui fit remarquer que s'il continuait comme ça il ne verrait même pas ses enfants grandir. Conscient que la temps passe à une vitesse folle John décide de tout plaquer et de partir faire le tour des États-Unis par les petites routes avec tout sa petite famille en camping car. C'est pendant ce voyage que germa l'idée de Cars - Quatre Roues, et tout particulièrement en passant sur la route 66, la route la plus mythique des États-Unis. Il faut savoir que, en plus d'être un passionné d'animation, John Lasseter est également un férus d'automobile depuis sa plus tendre enfance. Son père était d'ailleurs employé dans un garage Chevrolet. Il lui parut donc évident qu'il fallait consacrer un long métrage à ses véhicules favoris!
Cars - Quatre Roues, en plus d'être un hommage au monde de l'automobile est également un véritable voyage sur les routes américaines à la découverte des villes laissées à l'abandon sur les bords de la route 66 après l'arrivée des autoroutes. Juste avant le début de la production une partie de l'équipe partie en "road trip" le long de cet axe mythique (dont le regretté Joe Ranft à qui le film sera dédié) afin d'en capter l'ambiance si particulière qui y règne mais aussi et surtout pour y rencontrer ses habitants dont bon nombre de personnages du film seront inspirés. Ce n'est pas la première fois que des automobiles tiennent le rôle principal dans une production animée Disney, en 1952 déjà, Susie, the Little Blue Coupé racontait les péripéties d'une voiture, John Lasseter n'a d'ailleurs jamais caché que son film s'en était largement inspiré.

Cars - Quatre Roues reste donc un film d'animation très américain de par son sujet, ce qui pourrait expliquer en partie son succès modéré de par le monde (excepté aux Etats-Unis). Le film mérite tout de même une attention particulière ne serait-ce que pour sa beauté graphique et technique prouvant encore une fois que Pixar reste les numéro un de l'animation 3D.

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Depuis hier vous pouvez retrouver dans les rayons le dvd d'Il Etait une Fois en édition simple et collector mais également en dvd Blu-ray. A cette occasion je vous invite à découvrir le travail de Christophe Vacher, un français ayant travaillé sur le film. Cet artiste n'en est pas à ses débuts aux seins des studios Disney puisqu'il a déjà travaillé sur Le Bossu de Notre Dame, Tarzan, Fantasia 2000, Dinosaure ou bien encore La Planète au Trésor. Son travail est centré principalement sur les décors de la partie animée du film, mais également sur les ambiances colorimétriques (color keys).

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Sixième long métrage des Walt Disney Animation Studios, Saludos Amigos est sorti le 6 février 1943. Sa production débuta en 1941, après le retour d'un groupe d'artistes des studios d'un grand voyage en Amérique du Sud. Ce voyage avait pour but de promouvoir les valeurs américaines et parer ainsi la montée de l'influence de l'Allemagne nazie dans les différents pays du sud du continent.
Les temps sont durs aux studios Disney, après la fermeture du marché européen en 1939, une grève générale éclate en 1941, la plupart des employés réclamant les primes qui leur avaient été promises durant la production de Blanche Neige et les Sept Nains. Au lieu de satisfaire ses employés, Disney avait alors décidé de mettre en chantier de nouveaux studios à Burbank, jugeant ceux d'Hyperion Avenue trop petits. La proposition du gouvernement américain d'envoyer Walt Disney et son équipe d'artistes en Amérique du Sud arriva donc à point nommé et lui permis ainsi de s'éloigner du conflit. Parmi les membres qui l'accompagnèrent on trouvait Lee et Mary Blair, Frank Thomas ou bien encore Norm Ferguson. De ce voyage naîtra donc Saludos Amigos mais aussi Les Trois Caballeros sorti en 1945.

Saludos Amigos est particulier en bien des points. Premièrement c'est le plus court Grand Classique jamais produit, 46 petites minutes! Ensuite c'est le seul Grand Classique où apparaît Walt Disney en personne, jouant dans les différentes scènes lives incorporées entre chaque courts métrages animés. Le temps étant à l'économie, relier plusieurs courts métrages entre eux était la meilleure solution afin de ne pas trop dépenser d'argent. On appellera très vite ce genre de long métrages des films packages. Saludos Amigos est composé de quatre courts métrages:
- Lake Titicaca : Donald joue le rôle d'un touriste lambda qui visite les abords du célèbre lac
- Pedro : nous suivons les aventures d'un petit avion traversant les Andes pour livrer le courrier
- El Gaucho Goofy : Dingo se met dans la peau d'un Cow Boy américain se retrouvant dans la pampa
- Aquarela Do Brasil : Donald rencontre Jose Carioca, un perroquet possédé par la samba qui lui fait goûter les plaisirs de son pays

Saludos Amigos sera très bien accueillie à sa sortie en février 1943, même si certain lui reprochèrent d'être beaucoup moins abouti que les anciens Grands Classiques. Le film sera même un véritable triomphe en Amérique du Sud. Il fut nommé trois fois aux Oscars® pour la meilleure musique, le meilleur son et la meilleure chanson (catégories dans lesquelles les films d'animation du studio vont souvent se retrouver).

Sleeping Beauty (La Belle au Bois Dormant), sorti en 1959, est considéré comme le dernier Grand Classique du second âge d'or des studios Disney qui avait débuté avec Cendrillon en 1950 (bien que ceux venant après sont tout aussi bons mais très différents). D'un budget de six millions de dollars, c'était à l'époque le film d'animation le plus cher jamais réalisé. Le film est encore plus ambitieux que n'importe quel autre film d'animation du studio, il permettra à l'animation d'atteindre des sommets, de devenir un art à part entière.
Inspiré d'un conte de Perrault publié en 1697 (réécrit par les frère Grimm en 1812), le scénario de La Belle au Bois Dormant fut adapté par Ed Penner et Joe Rinladi qui s'inspirèrent des deux versions précédentes pour écrire leur propre version. Une première mouture du story board fut soumise à Walt Disney en juin 1952. Il la refusa. Elle présentait trop de similitudes avec Blanche Neige et les Sept Nains et Cendrillon. Accaparé par l'ouverture de Disneyland, la production de documentaires, de films de fiction et d'émissions de télévision, il délégua Ken Peterson, Don Da Gradi et Ken Anderson pour produire La Belle au Bois Dormant. Cependant il assistait souvent aux réunions de scénarios.
Le dessin animé se voulant réaliste, un film live fut tourné sous la direction de Clyde Geronimi et d'Eric Larson afin d'aider les animateurs dans leur travail. Jamais un dessin animé de Walt Disney n'avait bénéficié d'un travail préparatoire aussi poussé. La production du fil dura cinq ans au lieu de trois habituellement en raison de l'utilisation du format Technirama 70 mm (les décors étant bien plus larges, il fallut plus de temps pour les réaliser). Deux caméras multiplanes furent employées : l'une verticale pour les scènes de forêt et l'autre horizontale lorsque l'on pénètre à l'intérieur du château.
Les artistes comme Albert Hurter, Gustaf Tenggren et Mary Blair avaient influencé les dessins animés précédents, mais jamais l'un d'eux n'avait été à la fois le créateur du style graphique du film et le superviseur des décors. Disney choisit Eyvind Earle comme directeur artistique de La Belle au Bois Dormant. Il réalisa entre 1954 et 1959 des centaines d'études péliminaires et décors panoramiques à la gouache, sa technique de prédilection.
Pour la bande originale du film, le choix fut fait d'adapter la musique composée par Tchaïkovsky pour le Ballet du même nom en 1890. Walt Disney demanda à un jeune musicien, George Bruns, de s'occuper de l'adaptation. Bruns composa de nouvelles mélodies dans l'esprit du grand compositeur pour répondre aux exigences narratives du dessin animé.
Le première du film eut lieu le 29 janvier 1959. Malgré un véritable succès d'estime, le budget pharamineux ne fut remboursé que plusieurs décennies plus tard. La Belle au Bois Dormant demeure aujourd'hui l'un des dessins animés préférés des artistes du studio Disney.

Recherches d'Eyvind Earle :

Autres recherches graphiques :

Recherche graphiques de Flora, Pâquerette et Pimprenelle :

Dessins de Kay Nielsen :

Décors HD :

Quatrième long métrage des Walt Disney Animation Studios, Dumbo est sorti le 23 octobre 1941 aux États-Unis et seulement en 1947 en France à cause de la guerre. Le film fit l'ouverture de la seconde édition du festival de Cannes puis sorti dans les salles de cinéma le 25 octobre 1947. Dumbo se détache fortement des autres longs métrages d'animation de l'époque, misant sur la simplicité et l'émotion. Malgré la qualité indéniable de ses films, Walt Disney se rendit compte qu'il devait restreindre ses ambitions. Fantasia sorti une année plus tôt fut un échec, le public n'en attendait peut-être pas autant d'un producteur de cartoons !

La réalisation de Dumbo débuta donc en 1939, peu après le début de la Seconde Guerre Mondiale en Europe. Plus préoccupé par la production de Bambi qui était en chantier depuis la sortie de Blanche Neige et les Sept Nains, Walt Disney ne s'investit guère dans la production de Dumbo, croyant plus au succès de Bambi. De plus, les studios étaient en pleine production de cartoons de propagande et une partie de l'équipe s'apprêtait à partir en Amérique du Sud pour le compte du gouvernement américain afin de renforcer les liens avec ces pays (voyage qui donnera naissance à deux films, Saludos Amigos en 1943 et Les Trois Caballeros en 1945). Un voyage qui arriva à point nommé le studios traversant une grave crise en raison de la grève de la plupart des employés.
Dumbo est tiré du livre du même nom écrit par de Helen Aberson et Harold Pearl, son adaptation fut confié à Joe Grant et Dick Huemer. Le but était alors de rester dans la simplicité, le film ne dépassant guère 65 minutes. Et c'est d'ailleurs ça qui fera sa force, son récit simple et émouvant fut adopté immédiatement par le public et la critique !

Le budget du film étant trois fois moins important que pour un long métrage d'animation habituel, les décors sont également d'une simplicité tout à fait charmante. L'animation quant à elle reste de grande qualité, Dumbo étant un personnage muet il fallait que toutes ses émotions passent par sa gestuelle et ses expressions, ce qui, on peut le dire est plutôt réussi ! Son style graphique se rapproche alors plus des cartoons du studio que de ses précédents films. On doit l'animation du personnage de Dumbo à Bill Tytla qui anima également le démon dans la séquence de Fantasia "Une Nuit sur le Mont Chauve". Timothée la souris fut confié à Woolie Reitherman, encore alors jeune animateur plein d'ambitions (il finira réalisateur des films d'animation Disney des années 60 et 70). Enfin les corbeaux furent magnifiquement animé par Ward Kimball, le spécialiste des personnages loufoques.

Malgré sa sortie en salle deux semaines avant l'attaque de Pearl Harbor, Dumbo fut un succès et permis de remplir de nouveaux les caisses du studio. On a donc bien  affaire à un chef-d'oeuvre, sous ses allures très simples, l'histoire de Dumbo fait avant tout passer de l'émotion et c'est bien tout ce qui compte pour passer un agréable moment ! Retrouvez ci-dessous de magnifiques dessins de storyboards, quelques concept arts et les dessins préparatoires de la fameuse scène des éléphants roses !

Recherches personnage Dumbo :

44ème long métrage des Walt Disney Animation Studios, Home on the Range (La Ferme se Rebelle), sorti en 2004 est également le dernier Disney réalisé en 2D. Au vu du très grand succès des films d'animation en 3D (et particulièrement ceux de Pixar), Disney pris une décision aux conséquences bien malheureuses : fermer son département 2D. L'annonce de cette fermeture souleva un tolet de grogne dans la communauté de fans qui ne comprenaient pas pourquoi la firme désirait tant faire uniquement de la 3D alors que son support de prédilection a toujours été la 2D. Mais ce que Disney (et aussi certain fans) n'a pas compris en faisant cela c'est que ce n'est pas le support qui fait qu'un film est bon, c'est avant tout son histoire! Passer à la 3D n'y changea donc rien, ce fut même encore pire (Chicken Little et Bienvenue chez les Robinson font partie des plus grands flops du studio).
C'est donc avec La Ferme se rebelle que se tourne une page historique du studio, un film modeste certes mais non dénué de qualité. Il fait partie avec Kuzco l'Empereur Mégalo et Lilo & Stitch (deux très belles surprises) de ces films au budget réduit mais où les histoires et les personnages paraissent bizarrement bien mieux travaillées!
L'histoire de ces trois vaches du far west est vraiment agréable à suivre, et leur caractère bien trempé les rend hilarantes, en particulier Maggy la chef du trio, une vrai vache rebelle ! Le style graphique du film rappel fortement celui des cartoons des années 40 et 50, avec ses décors aux plaques de couleurs vives et ses personnages très anguleux, quel bonheur de retrouver un style si accrocheur! Mais vous vous en rendrez mieux compte avec les dessins postés en bas de cette article.
J'ai dit que c'était le dernier Disney en 2D... Eh bien non ! Depuis l'arrivée de John Lasseter à la tête du département animation de Disney les choses ont beaucoup bougé et une de ses premières décisions fut de rouvrir le département 2D ! De nouveaux projets 2D sont alors mis en chantier. Tout d'abord deux courts métrages : Comment Brancher son Home Cinema (qui fait revivre le mythique Dingo) et La Ballade de Nessie. Mais aussi deux longs métrages : La Princesse et la Grenouille sorti en 2009 et Winnie l'Ourson sorti en 2011.