Le week-end dernier je suis retourné à Disneyland Resort Paris pour un meeting du forum Disney Central Plaza et j'en ai profité pour prendre en photo la suite et fin de la très jolie galerie de dessins originaux de l'attraction Art of Disney Animation! Pour ceux qui auraient loupé la première partie c'est par ici. Retrouvez donc ci-dessous des dessins tirés de la production de Peter Pan, La Petite Sirène et La Belle et la bête!

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La capacité extraordinaire du dessin de Milt Kahl a été reconnue très tôt dans sa carrière à Disney. Son ami animateur et Disney Legend, Monsieur Ollie Johnston se souvient durant la production de Pinocchio, comment un animateur ancien répondit aux dessins de Milt : "Un jour, Freddie Moore, déboule dans mon bureau en disant "Eh, tu devrais voir les dessins (de Pinocchio) que ce type, Milt Kahl a fait : " Walt a  très vite reconnu le talent de Milt et l'a nommé superviseur des animateurs, qui ont donné la vie à Pinocchio.
Des années plus tard, quand Woolie Reitherman directeur du film Merlin l'Enchanteur vit les premiers dessins de Merlin le magicien et de Madame Mim, il se retourna vers Milt et lui dit "Ces dessins sont si beaux, ils pourraient être affichés dans un musée".

Parce que Milt était si bon dans son dessin, il était souvent désigné pour faire les tâches les plus complexes: animer un personnage humain comme Peter Pan, ou Alice dans Alice au Pays des Merveilles ou encore le Prince de La Belle au Bois Dormant. Mais il pouvait aussi animer des personnages animaux comme Bambi ou le Lama de Saludos Amigos ou le lapin, le renard et l'ours de Mélodie du sud.

Milt est né le 22 mars 1909 à San Francisco, où il arrêta très tôt ses études. Pourtant il poursuivit son rêve de devenir un illustrateur de magazine et de bandes dessinées. Pendant qu'il étudiait l'art avec des artistes locaux, il en profitait pour retoucher des photos et dessiner des scénarios pour le "Oakland Post-Enquirer," puis pour le "San Francisco Bulletin." Il commença alors son propre commerce ce qui était très difficile après la grande dépression. Il vit à cette époque le dessin animé Les Trois Petits Cochons de Disney, et fut ébloui par les possibilités de ce jeune art naissant appelé animation.

En juin 1934, Milt postula au Walt Disney Studios, et fut embauché comme assistant animateur sur les courts métrages tels que Mickey's Circus, Lonesome ghosts ou The Ugly Duckling qui gagna un oscar pour le meilleur court métrage animé. Les années suivantes, Milt contribua aux succès de Melody Cocktail ou Le Crapaud et le Maître d'Ecole, Cendrillon, La Belle et le Clcochard, Les 101 Dalmatiens, Le Livre de la Jungle et Les Aventures de Bernard et Bianca entres autres.
Après environ 40 années de travail chez Disney, Milt pris sa retraite en 1976 pour retourner dans sa contrée natale et profiter de son temps libre pour développer d'autres intérêts dans l'art. Il décéda le 19 avril 1987.

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Filmographie :

- Les Joyeux Mécaniciens (1935) (intervalliste)
- Mickey Pompier (1935) (intervalliste)
- Elmer l'Eléphant (1936) (animateur)
- Le Cirque de Mickey (1936) (animateur)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (animateur des animaux de la forêt et du prince)
- Les Revenants Solitaires (1937) (animateur)
- Symphonie de Coure de Ferme (1938) (animateur)
- Ferdinand le Taureau (1938) (animateur)
- Le Vilain Petit Canard (1939) (animateur)
- Pinocchio (1940) (directeur de l'animation de Pinocchio et animateur de Jiminy Cricket)
- Bambi (1942) (animateur de Bambi et Pan-Pan)
- Saludos Amigos (1942) (animateur du Lama)
- The Grain that Built a Hemisphere (animateur)
- Education for Death (1943) (animateur)
- The Winged Scourge (1943) (animateur)
- Chicken Little (1943) (animateur)
- Les Trois Caballeros (1944) (animateur)
- The Cold-Blooded Penguin (1945) (animateur)
- La Chasse au Tigre (1945) (animateur)
- Imagination Débordante (1945) (animateur)
- La Castagne (1945) (animateur)
- La Boîte à Musique (1946) (animateur séquence Les Martin et les Blaise)
- Mélodie du Sud (1946) (directeur de l'animation Frère Lapin)
- Mélodie Cocktail (1948) (directeur de l'animation séquences Johnny Pépin de Pomme et Slue Foot Sue)
- Danny le Petit Mouton Noir (1948) (animateur)
- Le Crapaud et le Maître d'Ecole (1949) (directeur de l'animation)
- Cendrillon (1950) (directeur de l'animation Cendrillon, le Prince, le Grand Duc et la Bonne Fée)
- The Brave Engineer (1950) (animateur)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (directeur de l'animation Alice)
- Peter Pan (1953) (directeur de l'animation Peter Pan, Wendy et les Garçons Perdus)
- Le Lac Titicaca (1955) (animateur)
- La Belle et le Clochard (1955) (directeur de l'animation Lady et le Clochard)
- La Légende de Sleepy Hollow (1958) (animateur)
- La Belle au Bois Dormant  (1959) (animateur Aurore, Prince Philippe et Roi Hubert)
- Les 101 Dalmatiens (1961) (directeur de l'animation Pongo et Roger)
- "Disneyland" (6 épisodes, 1956-1961)
   - Our Unsung Villains (1956) (animateur)
   - All About Magic (1957) (animateur)
   - Disneyland, the Park/Pecos Bill (1957) (animateur)
   - Four Fabulous Characters (1957) (animateur)
   - Inside Donald Duck (1961) (animateur)
   - Kids Is Kids (1961) (animateur)
- Merlin l'Enchanteur (1963) (character designer et animateur de Merlin, Sir Hector et Kay)
- Mary Poppins (1964) (animateur)
- Le Livre de la Jungle (1967) (directeur de l'animation Shere Khan)
- Winnie l'Ourson et l'Arbre à Miel (1968) (directeur de l'animation Tigrou)
- Les Aristochats (1970) (directeur de l'animation Monsieur Hautecourt)
- L'Apprentie Sorcière (1971) (animateur)
- Robin des Bois (1973) (directeur de l'animation Robin, Petit Jean et le Shérif de Nottingham)
- Les Aventures de Bernard et Bianca (1976) (directeur de l'animation Madame Médusa)
- Les Aventures de Winnie l'Ourson (1977) (directeur de l'animation Tigrou)
- Taram et le Chaudron Magique (1985) (character designer)

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Disney Family Album : partie 01 - partie 02 - partie 03

Pencil test Pinocchio

Pencil test Les Aventures de Bernard et Bianca

Andreas Deja fait parti des grands artistes actuels des studios d'animation Disney. Comme son collègue Glen Keane, il a sut au fil des années imposer son style et devenir un des animateurs les plus respectés de sa génération.
Andreas Deja est né en 1957 à Gdańsk en Pologne. Dès 1958 il part vivre avec sa famille a Dinslaken en Allemagne. Le jeune garçon est très vite attiré par l'univers de Walt Disney. Tout d'abord avec les comics vers l'âge de cinq ans puis c'est en allant voir Le Livre de la Jungle au cinéma à l'âge de dix ans que le jeune Andreas tomba amoureux des films d'animation de la firme. Quelques années plus tard il écrit aux studios Disney afin de leur proposer ses services en tant qu'animateur. N'ayant pas encore terminé ses études secondaires la réponse fut bien évidemment négative mais ce refus eu le mérite de le motiver encore plus. Il continue ainsi ses études à la  Folkwang-Schule, une école d'arts graphiques à Essen en Allemagne. A l'âge de 23 ans il propose à nouveau ses services aux studios Disney qui cette fois acceptent! C'est donc en 1980 que le déjà talentueux jeune homme fait son entrée dans le studio où il rêvait tant de travailler depuis toujours.

Andreas Deja fait ses classes avec le vétéran Eric Larson, un des “neuf sages” et commence à travailler  sur la création de personnages, la recherche de costumes et l’animation pour Taram et le Chaudron Magique aux côtés de Tim Burton. Il travaille ensuite sur Basil Détective Privé puis à la création et à l’animation de plusieurs des personnages de Oliver et Compagnie avant de passer un an à Londres comme responsable de l’animation sur Qui veut la peau de Roger Rabbit ? sous la direction de Richard Williams.
En tant que directeur de l’animation sur La Petite Sirène, Andreas Deja a supervisé l’animation du Roi Triton. Il a ensuite été superviseur de l’animation sur La Belle et la Bête en 1991 pour le personnage du vaniteux Gaston. Il a occupé ce même poste sur les films d'animation suivants, Aladdin et Le Roi lion, et créé les personnages et l’animation pour Jafar, le sournois grand vizir, et Scar. Mickey Perd la Tête terminé (le dernier court métrage en date de Mickey), Andreas Deja rejoint l'équipe travaillant sur Hercule, puis Fantasia 2000, Lilo & Stitch, La Ferme se Rebelle et Bambi 2.

En 2007 il participe à la partie animée du film Il Etait une Fois où il s'occupe du personnage de la Reine Narissa avant d'animer Dingo dans son tout dernier court métrage, Comment Brancher son Home Cinema. En 2008 Andreas Deja travaille sur l'animation de La Princesse et la Grenouille. Le retour de la 2D dans les Grands Classiques Disney permettra donc à ce grand artiste de revenir sur le devant de la scène, à notre plus grande joie! On le retrouve ensuite sur l'animation de Tigrou sur Winnie l'Ourson, ce sera son dernier projet pour Disney qu'il quittera en 2012 pour se consacrer à des projets plus personnels. Entre ces différentes productions il participe également activement à de nombreux making-of de Grands Classique tels que celui de La Belle et la Bête en 2002, Le Roi lion en 2003, Aladdin en 2004, La Petite Sirène en 2006, etc. Car en plus d'être un très grand animateur, Andreas Deja est également un des plus grands fans des films d'animation Disney! Si vous désirez en savoir un peu plus sur ce grand artiste, je vous invite à lire cette inteview en anglais datant de son séjour à Paris en 1995 (merci à Professor Ratigan du forum Disney Central Plaza pour le lien ;)

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Filmographie :

- Taram et le Chaudron Magique (1985) : animateur Taram et Eilowny
- Basil Détective Privé (1986) : animateur de la Reine des souris
- Qui veut la Peau de Roger Rabbit? (1988) : supervision animation Roger Rabbit
- Oliver et Compagnie (1988) : character designer
- La Petite Sirène (1989) : supervision animation Roi Triton
- Le Prince et le Pauvre (1990) : supervision animation Mickey
- La Belle et la Bête (1991) : supervision animation Gaston
- Aladdin (1992) : supervision animation Jafar
- Le Roi Lion (1994) : supervision animation Scar
- Mickey Perd la Tête (1995) : supervision animation Mickey
- Hercule (1997) : supervision animation Hercule adulte
- Fantasia 2000 (2000) : animateur segment Rhapsody in Blue + animateur Mickey
- Lilo & Stitch (2002) : superviseur animation Lilo
- My Peoples (2003) : character designer
- La Ferme se Rebelle (2004) : animateur Slim et Junior
- Mickey, Il Etait Deux Fois Noël (2004) : consultant animateur
- Bambi 2 : (2006) consultant animateur Bambi
- Comment brancher son Home Cinema (2007) : animateur Dingo
- Il Etait une Fois (2007) : animateur Reine Narissa
- La Princesse et la Grenouille (2009) : superviseur animation Mama Odie
- Winnie l'Ourson (2011) : suprviseur animation Tigrou

Voici quelques extraits de Grands Classiques où l'animation du maître fait des merveilles :

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Frank Thomas est l'animateur qui a instillé une véritable personnalité dans ses personnages animés Disney. Les plus mémorables ainsi que les moments les plus touchants à l'écran, ont été animés par Frank. Pour citer les exemples les plus marquant, on peut parler des nains, pleurant devant le cercueil de Blanche Neige dans Blanche Neige et les Sept Nains, ou alors Bambi et PanPan apprenant à patiner dans Bambi, mais aussi la fameuse séquence des spaghettis dans La Belle et le Clochard.

The Brave Little Tailor (1938)

Frank Thomas est né le 5 septembre 1912 à Fresno en Californie, après avoir terminé ses études à l'université de Stanford, il alla étudier au Chouinard Art Institute à Los Angeles. Tandis qu'il habitait dans une chambre chez l'habitant à Hollywood, il rencontra un compatriote de l'université de Stanford qui travaillait comme artiste aux Walt Disney studios. C'est ainsi qu'il appris qu'un recrutement allait avoir lieu, et qu'il rejoignit l'équipe le 24 septembre 1934, en tant qu'employé n°224 pour travailler sur le court métrage Mickey's Elephant.

Bambi (1942)

Parmi ses contributions aux autres courts métrages des studios, on peut citer les scènes avec Mickey Mouse et le roi dans The Brave Little Tailor (1938), celles avec Mickey et l'ours dans Chien d'arrêt (1939) ainsi que les scènes en allemand dans Education for Death (1942), un film de propagande de la Seconde Guerre mondiale qu'il anima juste avant son incorporation dans la Air Force.
Au fil des années, Franck travailla sur presque 20 longs métrages animés dont Pinocchio, Peter Pan, La Belle au Bois Dormant, Cendrillon, Le Livre de la Jungle et Les 101 Dalmatiens. Il accompagna Walt Disney avec d'autres artistes sélectionnés pour un tour de l'Amérique du Sud en 1941, ce qui donna à la firme les longs métrages Saludos Amigos et Les Trois Caballeros.
Pendant son temps libre, Frank jouait du piano pour les fameux et internationaux "Firehouse Five Plus Two", un orchestre de jazz et de ragtime, avec d'autres artistes Disney dont Ward Kimball.

Après 45 ans de services auprès des studios, Frank parti à la retraite en 1978. Il écrivit alors plusieurs livres avec son collègue et ami Ollie Johnston, "Disney Animation: The Illusion of Life", publié pour la première fois chez Abbeville Press en 1981. Ce livre est considéré comme la bible des animateurs pour l'animation traditionnelle à la main et principalement pour l'animation des personnages de style Disney, il a été réédité à de nombreuses reprises. Ils écrivèrent également "Too Funny For Words: Disney's Greatest Sight Gags" (Abbeville Press, 1990), "Walt Disney's Bambi: The Story and the Film" (Disney Editions, 1990), et "The Disney Villain" (Disney Editions, 1993).

Il lui fut rendu hommage en 1995 dans le court métrage de Mickey Runaway Brain dans lequel un méchant fut appelé "Dr. Frankenollie". Tout comme son compère Ollie Johnston, Frank Thomas sorti de sa retraite à deux reprises pour des longs métrages co-produits par Disney, ils donnèrent tout les deux leurs voix (version anglaise uniquement) à leurs caricatures dans Le Géant de fer (1999) sous la forme de deux mécaniciens ferroviaires et dans Les Indestructibles (2004) deux vieux messieurs déclarant "That's old school..." "Yeah, no school like the old school."

Les deux amis furent mis à l'honneur dans un documentaire biographique de 1995, Frank and Ollie, dirigé par Theodore Thomas, fils de Frank, présenté au Festival international du film de Toronto. Ce documentaire mets en avant leurs carrières professionnelles, la vie privée et leur amitié. Vous pouvez retrouver ce documentaire en vidéo et DVD zone 1. A ce jour l'une des biographies les plus complètes reste le livre de John Canemaker Walt Disney's Nine Old Men & The Art of Animation (2001). Frank Thomas est décédé le 8 septembre 2004 à Flintridge en Californie.

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Filmographie :

- Mickey's Circus (1936) (animator)
- Mickey's Elephant (1936) (animator)
- More Kittens (1936) (animator)
- Little Hiawatha (1937) (animator)
- Snow White and the Seven Dwarfs (1937) (animator : the seven dwarfs)
- Brave Little Tailor (1938) (animator)
- The Practical Pig (1939) (animator)
- The Pointer (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (animation director : Pinocchio on strings & puppet show)
- Fantasia (1940) (animator)
- Dumbo (1941) (supervising animator)
- Bambi (1942) (supervising animator: Thumper)
- Education for Death (1943) (animator)
- Victory Vehicles (1943) (animator)
- The Winged Scourge (1943) (animator)
- The Three Caballeros (1944) (animator : The Flying Gaucho)
- Melody Time (1948) (animator: "Johnny Appleseed")
- The Wind in the Willows (1949) (character animator)
- The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949) (directing animator)
- Cinderella (1950) (directing animator : Stepmother, Duke)
- Alice in Wonderland (1951) (directing animator: Doorknob and Queen of Hearts)
- Peter Pan (1953) (directing animator : Captain Hook)
- Lady and the Tramp (1955) (directing animator : Jock and the Spaghettis sequence)
- The Legend of Sleepy Hollow (1958) (animator)
- Sleeping Beauty (1959) (directing animator : Flora, Fauna & Merryweather)
- Donald in Mathmagic Land (1959) (animator)
- One Hundred and One Dalmatians (1961) (directing animator : Pongo, Perdita, Puppies)
- "Disneyland" (animator) (1 episode, 1961)
   - The Hunting Instinct (1961) TV episode (animator)
- The Sword in the Stone (1963) (directing animator : Squirrels, Madam Mim)
- Mary Poppins (1964) (animator : Penguins as dancers)
- The Jungle Book (1967/I) (directing animator : Mowgli, Kaa, Baloo and King Louie)
- Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968) (animator : Pooh, Piglet)
- The AristoCats (1970) (animation director : O'Malley, Duchess, Geese, Napoleon, Lafayette, Butler)
- Robin Hood (1973) (directing animator : Robin Hood as Stork, Maid Marian, Bunnies, Toby, Sheriff)
- Winnie the Pooh and Tigger Too! (1974) (supervising animator)
- The Madcap Adventures of Mr. Toad (1975) (animator)
- The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977) (animator)
- The Rescuers (1977) (directing animator : Bernard, Bianca, Crocodiles, Chairman, Ellie Mae, Luke, Orville)
- The Fox and the Hound (1981) (directing animator : young Tod, young Copper)

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Disney Family Album : partie 01 - partie 02 - partie 03

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Alors que d'autres animateurs ont pour objectif de toucher le cœur du public, Ward Kimball cherche lui à étonner. Comme il l'a répété une fois à un reporter: "Le vieux Wardy touche le cœur de l'audience à sa façon: il les fait rire".
Eric Larson a écrit sur le style d'animation de Ward: "c'est un caricaturiste avec beaucoup de pouvoir, toujours dans l'ambiance et l'action. Ward a souvent utilisé la même approche dans ses découpages et ses planifications de scènes, que lors de la première rencontre entre Donald Jose carioca et Panchito dans Les Trois Cabelleros. L'action et le découpage développés par Ward sont sauvages, humoristiques et étourdissants. Ward n'est pas seulement cantonné à l'animation, il fut aussi un des imaginieurs Disney.

Née à Minneapolis dans le Minnesota le 4 mars 1914, le premier dessin qui lui est attribué en tant qu'enfant et qu'on puisse reconnaître, est une locomotive à vapeur. Il disait que sa maman l'appelait un bébé "marqué" à cause de ses obsessions de jeunesse sur les chemins de fer, thème qui l'accompagna tout au long de sa vie. Après le lycée, Ward se mit en tête de devenir illustrateur de magazine et entra dans l'école des arts de Santa Barbara en Californie. Pendant qu'il était là, il vit Les Trois Petits Cochons de Walt Disney et s'en alla portefolio sous le bras à Hollywood.

Il rejoignit les Walt Disney Studios en 1934 et travaillât dans la plupart des dessins animés jusqu'à sa retraite en 1972. Les personnages les plus mémorables à qui il a donné la vie sont Jiminy Cricket dans Pinocchio, Tweedledee et Tweedledum dans Alice au pays des merveilles et Lucifer le chat dans Cendrillon. Ward a aussi dirigé deux courts métrages gagnants d'un Academy Award® dont le premier dessin en cinémascope: Toot, Whistle, Plunk and Boom, et It's Tough to Be a Bird, qui combinait animation et personnages réels.
Dans les années 50 ils produisit 3 films d'une heure pour l'émission télé "Disneyland" sur le sujet de l'espace. Dans les années 60, Ward a aussi aidé à écrire l'histoire et a traité le script du premier film entièrement en personnage réel de fantaisie musicale "Babes in Toyland," dans lequel il dirigea les séquences des jouets en stop motion. Plus tard il fut consulté avec la WDI sur le projet d'attraction World of Motion pour EPCOT Center.

Du temps où il travaillait aux studios, Ward, joueur de trombone, occupait son temps libre avec des amis employés chez Disney et jouait dans un groupe mondialement connu: les "Firehouse Five Plus Two" spécialisés dans le Dixieland Jazz. Il restaura aussi et fit fonctionner une locomotive en grandeur réelle, dans son verger d'orange et fut une des personnes qui provoqua l'engouement de Walt Disney pour les chemins de fer.
Ward prit sa retraite après environ 40 ans de services auprès de la compagnie, et en profita pour voyager avec sa femme et pour travailler sur le fameux Grizzly Flats Railroad. Il est décédé le 8 juillet 2002

Filmographie complète (en tant qu'animateur) :

- The Wise Little Hen (1934)
- Orphan's Benefit (1934)
- The Goddess of Spring (1934)
- The Tortoise and the Hare (1935)
- Elmer Elephant (1936)
- Toby Tortoise Returns (1936)
- More Kittens (1936)
- Woodland Café (1937)
- Snow White and the Seven Dwarfs (1937)
- Ferdinand the Bull (1938)
- Mother Goose Goes Hollywood (1938)
- The Autograph Hound (1939)
- Pinocchio (1940)
- Fantasia (1940) (segment "The Pastoral Symphony")
- The Little Whirlwind (1941)
- The Nifty Nineties (1941)
- The Reluctant Dragon (1941)
- Dumbo (1941)
- Saludos Amigos (1942)
- The Spirit of '43 (1943)
- Education for Death (1943)
- Victory Through Air Power (1943)
- Reason and Emotion (1943)
- Chicken Little (1943)
- The Three Caballeros (1944)
- Make Mine Music (1946)
- Willie the Operatic Whale (1946)
- Peter and the Wolf (1946)
- Fun & Fancy Free (1947)
- Pecos Bill (1948)
- Melody Time (1948)
- The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949)
- Cinderella (1950)
- Alice in Wonderland (1951)
- Peter Pan (1953)
- Melody (1953)
- Toot Whistle Plunk and Boom (1953)
- Mary Poppins (1964)
- "Disneyland"(6 episodes, 1956-1966)
  - Music for Everybody (1966) TV episode
  - The Truth About Mother Goose (1963) TV episode
  - Man Is His Own Worst Enemy (1962) TV episode
  - Magic and Music (1958) TV episode
- Scrooge McDuck and Money (1967)
- It's Thought to Be a Bird (1969)
- Bedknobs and Broomsticks (1971)
- Mickey Mouse Disco (1980) 
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Disney Family Album :

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Pirates des Caraïbes : Jusqu'au Bout du Monde est le troisième film tiré de la célèbre attraction du même nom à Disneyland. C'est la suite direct du second volet sorti en 2006 qui avait engrangé plus d'un milliard de dollars de recette à travers le monde. On retrouve y Gore Verbinski aux commandes du film en tant que réalisateur, place qu'il tenait déjà dans les deux premiers volets de la saga.
Afin de profiter des décors, des lieux de tournage et de la disponibilité des stars, plusieurs scènes de Pirates des Caraïbes : Jusqu'au Bout du Monde ont été réalisées pendant le tournage de Pirates des Caraïbes : Le Secret du Coffre Maudit, permettant ainsi à la production de faire de larges économies. Le tournage des premières scènes spécifiques à Pirates des Caraïbes : Jusqu'au Bout du Monde a débuté le 31 août 2005 avec l'arrivée de Chow Yun-Fat dans le rôle du capitaine Sao Feng. Les scènes ont été tournées sur le plateau 2 des studios Disney, dans les décors créés par Rick Heinrichs représentant la cabine du pirate asiatique à l'intérieur de son navire, "l'Impératrice". Deux jours plus tard se tournait une des plus belles scènes du filù, dans une gigantesque et originale recréation de Singapour au XVIIIe siècle. Après trois semaines de tournage sur le décor de Singapour, l'équipe a mis le cap aux Bahamas à la fin du mois de septembre 2005 pour continuer le tournage du second volet. Le tournage du troisième volet des aventures de Jack Sparrow a repris à la fin de celui du second opus.
Comme sur les deux premiers films, les scénaristes Ted Eliott et Terry Rossio étaient constamment présents sur le tournage de Pirates des Caraïbes : Jusqu'au Bout du Monde. Jerry Bruckheimer explique que la présence des deux hommes sur le plateau pour travailler avec le réalisateur et les acteurs a été déterminante. " Ecrire un scénario est un processus vivant qui ne s'arrête pas au tournage, et un vrai travail d'artisan. Dans les années 30 et 40, Hollywood a essayé d'engager des journalistes, des romanciers, mais la plupart ont échoué parce qu'un scénario est une forme d'écriture vraiment particulière. Ted Eliott et Terry Rossio ont un véritable amour pour les films, ils connaissent toutes les ficelles du métier. Ils savent ce qui fait un bon personnage, car c'est une chose qu'ils ont étudiée et qu'ils pratiquent depuis des années. Et surtout, ils insufflent une grande fraîcheur à tout ce qu'ils font. Avec Pirates des Caraïbes, ils ont réussi à remettre au goût du jour les conventions du film de pirates, jugées vieillottes. Avec Gore Verbinski, ils ont tout simplement réinventé le genre. "

Les cinéastes avaient conscience qu'après avoir passionnés le public avec les deux premiers opus, les spectateurs attendaient encore plus du troisième. Le producteur exécutif, Mike Stenton explique : "Nous voulions remercier les fans en leur offrant une histoire qui soit un combat épique entre la liberté et le conformisme. La question fondamentale du film est : Pourquoi aimons-nous tant les pirates ? Beaucoup d'entre nous voulaient devenir des pirates quand ils étaient jeunes. Nos aventures imaginaires s'accompagnaient de rêves de liberté. En grandissant, nous avons dû faire des compromis et accepter de vivre en conformité avec le monde. Mais une part de pirate est restée vivante en chacun de nous, c'est pour cela qu'autant de gens se précipitent au cinéma pour explorer cette part cachée et plus flamboyante d'eux-mêmes pendant deux bonnes heures. C'est ce que les gens adorent dans ces films. "
Ce qui plaît dans les films de pirates est donc le fait que ces films nous rapprochent de nos rêves d'enfants, aller au cinéma voir Pirates des Caraïbes est une manière de retourner en enfance le temps d'un film, retrouver ses envies de liberté, de batailles épiques, d'aventures,... C'est en quelque sorte une façon de redevenir enfant et de jouer aux pirates. Retrouvez ci-dessous une galerie de recherches graphiques des nouveaux personnages de ce troisième film des artistes Aaron McBride et Crash McCreery.

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sources : www.allocine.fr

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Mercredi dernier je fis ma première visite des Walt Disney Studios de Paris (oui je sais il était temps)! Depuis l'arrivée de nouvelles attractions (La Tour de la Terreur, Crush Coaster, Cars Race Rally et Stitch Live) le parc peut enfin rivaliser avec son grand frère, Disneyland Park. Mais une attraction en particulier a attiré mon attention, Art of Disney Animation. Eh oui, vous l'aurez certainement compris, c'est le nom de cette attraction qui inspira celui de ce blog! L'attraction en elle-même est sympathique, une animatrice vous explique comment se passe la création d'un personnage Disney (ici Mushu), le tout accompagné du petit dragon de Mulan présent sur un écran qui intéragit avec elle. On passe ensuite dans une autre salle où on nous présente un film regroupant tout les Grands Classiques Disney en passant d'un thème à un autre (l'aventure, l'amour, les méchants, etc.). Mais le plus intéressant pour moi et certainement pour vous également, c'est la présence dans la salle d'attente et la salle qui suit l'attraction de dizaines de dessins d'études originaux de Grands Classiques et cartoon Disney! Je vous laisse admirer ces dessins, dont certains que je n'avais encore jamais vu!

Les murs extérieurs sont décorés de superbes fresques

Blanche Neige et les Sept Nains

Fantasia 2000

La Belle et la Bête

Hercule

Alice au Pays des Merveilles

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Voici deux vidéos de l'attraction :

Art of Disney Animation : intro de Roy Disney
envoyé par Cobain59

Art of Disney Animation : Création d'un personnage Disney
envoyé par Cobain59

Merlin l'Enchanteur fait son retour en DVD (pas d'édition Blu-ray pour le moment)! A l'occasion de son 45ème anniversaire le film a eu droit à une nouvelle édition dite "exclusive" qui, hormis un nouveau packaging plutôt attrayant, n'a rien à envier à l'ancienne édition de 2003. Pas de bonus inédits ni même une nouvelle restauration, à réserver donc aux personnes ne possédant pas déjà l'ancienne édition et qui auront sans nul doute un grand plaisir à (re)découvrir ce magnifique film. Retrouvez ci-dessous une nouvelles galerie de dessins préparatoire du film.

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Storyboard du duel par Bill Peet :

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Depuis leur création, les studios Disney ont toujours été pionniers dans de nombreux domaines, que ce soit avec le premier cartoon sonore, l'apparition de la couleur, le premier long métrage d'animation ou bien encore le son stéréophonique. Ce n'est donc pas un hasard si le premier film comportant des images de synthèses est une production Disney ! TRON n'est pour autant pas à proprement parlé un projet Disney, les studios ayant juste servi de producteur et de distributeur. C'est Steven Lisberger, le réalisateur du film, qui en a eu l'idée. Cela faisait déjà un moment que les studios Disney avaient pour projet de développer la technologie 3D pour le cinéma, TRON fut donc une excellente occasion de s'y essayer.

Le plus difficile dans TRON fut de combiner scène réelles et animation par ordinateur, chose qui n'avait jamais été tenté auparavant. Les acteurs étaient alors filmés sur fond noir, avec des vêtements noirs afin de pouvoir plus facilement les intégrer aux images de synthèses. Mais technologie oblige, tout ne pouvait pas encore être réalisé en numérique. Certain décors étaient donc de simples peintures. Il fallait alors combiner trois technique différentes : le réel, la 3D et la peinture, un gros défi pour l'équipe des effets spéciaux!
Etant donné le temps qu'il fallait pour générer des images par ordinateur, trois studios différents ont travaillé sur les effets spéciaux de TRON : Magi (la course de moto, les reconnaisseurs et les tanks), Triple I (le vaisseau de Sark, le voilier solaire et le MCP) et Abel (séquences de transition). Il fallut donc faire bien attention que le style des différents studios se marie bien, ce qui fut plus facile que prévu. En effet tous avaient en commun l'utilisation de la 3D et un nombre restreint de textures, les possibilités n'étant pas encore infinies, le style des différents éléments 3D restait assez proche.

Autre défi du film, la grosse majorité des techniciens travaillant sur ordinateur n'avaient jamais participé à la production d'un film, ils avaient une approche de l'image bien différente. Voici ce que dit  Bill Kroyer (superviseur des effets spéciaux numériques) à ce sujet : Il a fallut beaucoup discuter avec les boîtes informatiques. Nous, nous savions seulement ce que nous voulions obtenir. En parlant avec eux nous avons compris que nous pouvions développer des programmes qui répondraient à nos besoins créatifs afin d'obtenir un film réussi. Par exemple, nous voulions des espaces immenses. L'arène des motos devait faire des kilomètres de long. Mais un ordinateur ne crée que des images nettes. Donc, un objet se trouvant à un kilomètre est aussi net qu'un autre se trouvant à un mètre. Et ça, ça fait faux. Il nous fallait recréer la sensation visuelle de distance. Au cinéma il suffit de faire le flou et de ternir les couleurs. On a trouvé une technique simple, qui est devenu courante : le "depth cloying". C'est un algorithme qui fait varier la lumière de chaque point en fonction de son éloignement par rapport à la caméra. Les points éloignés deviennent ainsi plus flous. On obtient ça naturellement au cinéma, pour une image de synthèse il faut l'ajouter. Cette interaction constante entre nos exigences visuelles et leurs possibilités technologiques a crée TRON.

TRON est sorti dans les salles américaines le 9 juillet 1982 et fut un demi-échec. Il rapporta 33 millions de dollars alors qu'il en avait coûté 17 millions. Malgré ses prouesses technologiques, l'histoire du TRON n'a pas réussi à attirer les foules. Aujourd'hui TRON est surtout considéré comme un film historique, le tout premier à avoir exploité l'imagerie numérique au cinéma. C'est également grâce à ce film que John Lasseter a décidé de continuer sa carrière artistique dans l'animation assistée par ordinateur. Sans TRON nous n'aurions surement jamais eu Toy Story! Les progrès dans cette technologie ont été considérables en 25 ans mais personne n'a oublié que sans ce film pionnier, les effets spéciaux ne seraient peut-être pas ce qu'ils sont aujourd'hui.

Retrouvez ci-dessous une première galerie de recherches centrée sur les environnements numériques :

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Albert Hurter est considéré comme un des premiers grands artistes des studios Disney. Durant une décennie (de 1932 à 1942), il marqua de sa patte graphique la plupart des productions de l'époque, dont principalement Blanche Neige et les Sept Nains et Pinocchio. Albert Hurter est né à Zurich le 11 mai 1883. En 1894, son père devient professeur de dessin en construction mécanique dans une école professionnelle de Zurich. Il écrit et illustre deux livres techniques pour ses cours. Il encourage d'ailleurs ses trois fils à s'intéresser au dessin et à la mécanique. C'est ainsi que le jeune Albert entre à l'école d'architecture de Zurich. Par la suite, de 1903 à 1910, il quitte ses parents pour entreprendre des études artistiques à Berlin.

A la fin de celles-ci, il retourne vivre chez ses parents à Zurich. En 1912, à la mort de son père, il émigre en Amérique et s'installe à New-York. On sait peu de chose sur ses premières années en Amérique. Hurter effectue un voyage à Paris en 1914 et retourne à New-York peu de temps avant la Première Guerre mondiale.
Il entre aux studios Barre-Bowers comme animateur en 1916 et participe à la réalisation de la série Mutt et Jeff. Vers la fin des années 1920, il séjourne au Mexique, puis s'installe dans un vieil hôtel situé au sud de Los Angeles. A cette époque, il travaille comme dessinateur chez un imprimeur. Il rejoint les studios Disney en 1931. Walt Disney lui confie la création graphique des personnages et décors. Il crée d'innombrables personnages, idées de gags et storyboards pour les Silly Symphonies.

Quand Walt Disney entreprend Blanche Neige et les Sept Nains, Albert Hurter est le premier dessinateur à travailler sur le projet. Hurter exécute chaque jour des dizaines de croquis plus inventifs les uns que les autres, travaillant sur tous les aspects graphiques du film, aussi bien personnages que décors. Ses premières esquisses des nains en lutins barbus s'inspirent des créatures de l'illustrateur suédois John Bauer. Mais c'est dans l'élaboration du style de la chaumière que son influence transparaît. Nichée dans la forêt, elle trouva sa source dans les dessins au style bavarois de Ludwig Richter et dans ceux de son disciple Hermann Vogel qui, en 1890, avait mis en images les contes de Grimm. Mais c'est probablement l'anglais Arthur Rackham, illustrateur de nombreux contes et légendes, dont ceux des frères Grimm, qui inspire au départ le travail d'Hurter.
A la fin de la production de Blanche Neige et les Sept Nains, Hurter se consacre aux différents projets d'adaptation envisagés par Walt Disney. Il participe à la création des personnages et décors de Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Le Dragon Récalcitrant, Peter Pan et La Belle et le Clochard.

Albert Hurter meurt le 28 mars 1942, victime d'une attaque cardiaque. Fait unique dans l'histoire des studios, Walt Disney décide en 1948 de lui rendre hommage en publiant un recueil de ses meilleurs dessins intitulé He Drew as He Pleased.

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Filmographie :

- Le Vilain Petit Canard (1931)
- Mélodie Egyptienne (1931)
- The Cat's Nightmare (1931)
- Rien qu'un Chien (1932)
- La Cigale et la Fourmi (1934)
- Une Petite Poule Avisée (1934)
- Bébés d'Eau (1935)
- Carnaval des Gâteaux (1935)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937)
- Pinocchio (1940)
- Fantasia (1940)
- Le Dragon Récalcitrant (1941)
- Dumbo (1941)
- Peter Pan (1953)
- La Belle et le Clochard (1955)

Robert Fred Moore est né le 7 septembre 1911 en Californie. Il fait des études supérieures à la Polytechnic High School de Los Angeles. Ses premiers dessins sont publiés dans le Los Angeles Junior Times, un magazine destiné à la jeunesse. Sa formation artistique se limite à des cours du soir au Chouinard Art Institute.
Il n'a que 19 ans lorsqu'il rencontre Walt Disney. Celui-ci, impressionné par son talent de dessinateur, l'engage d'abord comme assistant animateur. Il débute en 1930 sur des Silly Symphonies et sur des courts métrages de Mickey Mouse quelques mois après le départ d'Ub Iwerks. Il apparaît pour la première fois comme animateur au générique de Santa's Workshop, réalisé par Wilfred Jackson (1932). Il devient rapidement le spécialiste de Mickey Mouse, mais doit surtout sa réputation de virtuose de l'animation à sa création des personnages des (Les) Trois Petits Cochons de Burt Gillett (1933).

En 1934, Walt Disney lui confie (avec Bill Tytla) la responsabilité de diriger l'animation des nains dans Blanche Neige et les Sept Nains. Il réalise les modèles d'attitudes servant de référence aux animateurs et signe qulelques-unes des plus belles scènes de Simplet.
En 1938, Walt Disney demande à Fred Moore de créer le modèle de Mickey Mouse en costume d'apprenti sorcier et d'en superviser l'animation. Le port de son costume l'apparente toutefois à Simplet, comme le fait qu'il doive constamment remonter ses manches, beaucoup trop longues. C'est une des premières apparitions du personnage avec ses yeux nantis de pupilles. Le modèle modernisé de Mickey crée par Fred Moore est encore utilisé aujourd'hui.
Pour Pinocchio, il crée le personnage de Crapule dans l'inoubliable séquence de l'île aux plaisirs, puis anime les centeaurettes de La Symphonie Pastorale dans Fantasia. A la fin des années 1930, il donne vie à Mickey Mouse dans ses meilleurs films, dont Brave Little Tailor de Bill Roberts (1938), The Pointer de Clyde Geronimi (1939), The Little Whirlwing et The Nifty Nineties, tous deux réalisés en 1941 par Riley Thompson.

Dans la décennie suivante, il anime Timothée dans Dumbo aux côtés de Wolgang Reitherman, avant de sombrer dans l'alcoolisme. Disney se fâche avec lui et Moore quitte les studios à la fin de l'année 1945. Il travaille quelques temps pour les studios Walter Lantz comme animateur sur les courts métrages d'Andy Panda et Woody Woodpecker.
Il retourne aux studios Disney en 1948, et participe à l'animation du film Le Crapaud et le Maître d'École, mais son travail n'a plus la même qualité. Il est alors redevenu simple animateur; Disney lui confie quelques personnages secondaires de Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles et Peter Pan. Il anime une dernière fois Mickey Mouse dans Pluto's Christmas Tree de Jack Hannah (1952) et dans The Simple Things de Charles Nichols (1953).

Fred Moore décède le 25 novembre 1952, victime d'une hémorragie cérébrale suite à un accident de la route à Burbank alors qu'il revenait d'un match de football avec sa femme... Il fut enterré au Forest Lawn Memorial Park proche des Walt Disney Studios. Moore venait de terminer l'animation des filles du joueur de baseball Casey, surnommées les « Caseyettes », dans le court métrage Casey Bats Again, suite d'une séquence de La Boîte à Musique, Casey at the Bat (à laquelle il n'a cependant pas participé). Le film est sorti presque deux ans après sa mort (1954). Fred Moore obtient le titre de Disney Legend en 1995.

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Filmographie :

- Santa's Workshop (1932) (animateur)
- Three Little Pigs (1933) (animateur)
- Mickey Plays Papa (1934) (animateur)
- The Golden Touch (1935) (animateur)
- Pluto's Judgement Day (1935) (animateur)
- Three Little Wolves (1936) (animateur)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (superviseur de l'animation)
- Brave Little Tailor (1938) (animateur)
- The Pointer (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (directeur de l'animation)
- Fantasia (1940) (superviseur de l'animation : séquences L'Apprentie Sorcier, La Symphonie Pastorale)
- The Nifty Nineties (1941) (animateur)
- The Reluctant Dragon (1941) (animateur)
- Dumbo (1941) (directeur de l'animation)
- Saludos Amigos (1942) (animateur)
- Les Trois Caballeros (1944) (animateur)
- La Boîte à Musique (1946) (animateur : séquence "All the Cats Join In")
- Coquin de Printemps (1947) (directeur de l'animation)
- The Mad Hatter (1947) (animateur)
- Wacky Bye Baby (1948) (animateur)
- Pixie Picnic (1948) (animateur)
- Le Crapaud et le Maître d'École (animateur)
- Cendrillon (1950) (animateur)
- The Brave Engineer (1950) (animateur)
- Plutopia (1951) (animateur)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (animateur)
- R'coon Dawg (1951) (animateur)
- Fathers Are People (1951) (animateur)
- Pluto's Party (1952) (animateur)
- Pluto's Christmas Tree (1952) (animateur)
- Peter Pan (1953) (animateur enfants perdus et sirènes)
- The Simple Things (1953) (animateur)
- Football Now and Then (1953) (animateur)
- Casey Bats Again (1954) (animateur)
- The Legend of Sleepy Hollow (1958) (animateur)
- Mickey Mouse Disco (1980) (1980)
- Fantasia 2000 (1999) (superviseur de l'animation : séquences "L'Apprentie Sorcier")

Bien avant Chicken Little sorti en 2005, Wild Life aurait dut-être le tout premier Grand Classique Disney entièrement réalisé en images de synthèse. Il devait également servir de modèle pour la production de longs métrages d'animation au budget plus modeste qui seraient plus rapides à réaliser.
Au départ, l'histoire de Wild Life devait nous montrer la superficialité du monde des paillettes et de la mode. Mais cette dernière évolua vite pour se transformer en un récit plus cynique se passant dans les night clubs de Big City, sorte de version romancée du New York des années 70, l'époque où David Bowie et The Velvet Undergrount traînaient dans les clubs de la ville. Kitty Glitter, gérante d'un de ces clubs et son manager/partenaire Red Pittsain étaient en compétition avec Magda, gérante du club Wild Life la scène centrale du glamour à Big City. Dans certaines versions de l'histoire, Magda était rédacteur en chef du magazine de mode Magazizi. Quand elle écrivait "Kitty est finie, les gens cessaient de venir dans son club. Kitty et Red voulurent alors se venger. Ils trouvèrent ainsi une "arme" ultime pour remonter la pente et discréditer Magda : Ella, une éléphante du zoo de la ville qui était né avec la capacité de parler, chanter et danser. Totalement  naïve et confiante, Ella était comme un enfant dans un corps d'adulte, tout était nouveau pour elle.
Dans un aperçu datant de la première moitié de 1999, le film se finissait lorsque Ella retournait finalement au zoo de la ville, ne trouvant pas son bonheur dans la vie nocturne de Big City. Red et Kitty découvrirent quant à eux leur amour l'un pour l'autre.
"Wild Life devint un sujet tabou chez Walt Disney Feature Animation" raconte Carolyn Scoper, la co-productrice du film. "Le problème était qu'il ressemblait plus à une production Touchstone qu'à un film Disney, s'adressant plus aux adultes qu'aux enfants."
Hans Bacher et Mitchell Bernal se chargèrent de définir le style visuel du film, utilisant des couleurs vives et audacieuses ainsi que des graphismes angulaire afin de suggérer l'énergie et l'excitation de la métropole. Ces images très stylisées ont en partie été inspiré par le travail du Studio UPA (studio d'animation surtout connu pour son personnage fétiche, Mr. Magoo) et le look sophistiqué du graphisme américain et européen des années 50.
L'histoire de Wild Life subit tellement de changement que cela posa des problèmes insurmontables, principalement à cause du milieu décadent dans lequel les personnages évoluaient, bien loin des attentes du public Disney habituel comportant un pourcentage important d'enfants. En septembre 2000, Wild Life fut définitivement abandonné. L'histoire originale avait complètement disparue, et le conte cruel qui l'avait remplacé ne justifiait plus d'efforts supplémentaires de la part du studio. Soper conclut : "Il n'y avait plus d'histoire vraiment convaincante, et sans un récit passionnant il était inutile de continuer".

Recherches d'Hans Bacher :

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Dessin de Mac George :

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Recherches de Floyd Norman :

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Recherches de Darryl Kidder :

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Recherches de Doug Walker :

Né le 31 octobre 1912 à Palo Alto en Californie, Ollie Johnston fut diplômé de la Stanford University, où son père était enseignant. Le 21 janvier 1935, Ollie rejoint les Walt Disney Studios en tant qu'apprenti animateur pour travailler sur des cartoons tels que Mickey's Garden et The Tortoise and the Hare (gagnant d'un Academy award en tant que meilleur dessin animé). C'est alors qu'il passa sur le projet de Blanche Neige et les Sept Nains puis, ayant fait ses preuves, participa à plus de 24 autres films comme Fantasia, Mélodie du Sud, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, La Belle et le Clochard, et La Belle au Bois Dormant.

    
Ollie Johnston en 1931 - Fred Moore donnant des conseils à Ollie Johnston aux studios Disney - Ollie Johnston en 1948

Récompensé par un Disney Legend en 1989 en même temps que les autres Nine Old Men, il est reconnu pour avoir insufflé une chaleur et une émotion sans commune mesure jusque là pour un personnage animé. Son meilleur amis à la société, Frank Thomas un autre des Nine Old Men disait de lui: "Ollie est le seul animateur des Studios qui est sensibles aux relations entre les personnages et qui comprend comment ils influent sur l'histoire. Il dit un jour "Tu sais, un acte comme deux personnes se donnant la main peut communiquer de façon très intense". Il avait raison, sa chaleur a fait la différence pour de nombreux personnages Disney.

    
Frank Thomas et Ollie Johnston en 1959 - Ollie Johnston et d'autres artistes du studio en 1965 - Frank et Ollie en 1981

Ainsi, Ollie a animé des amitiés aussi mémorables que celles de Baloo et Mowgli dans Le Livre de la Jungle, ou les relations étonnantes entre le serpent Sir Hiss et le prince Jean dans Robin des Bois. Il a mis en valeur sa propre sensibilité en animant Panpan dans Bambi, Monsieur Mouche dans Peter Pan et le trio des petites fées dans La Belle au Bois Dormant. Pour Ollie ainsi qu'il le dit :"C'était tous de très bon vieux amis, dont je me souviens parfaitement."
Il adorait les trains, et pendant son temps libre il créa un parcours chez lui, et par la même occasion, créa l'intérêt de Walt pour les trains. Retraité en 1978 des studios après 43 ans de bons et loyaux services, Ollie coécrit quatre livres avec Frank Thomas dont le fameux "Disney Animation: The Illusion of Life," suivi par "Too Funny For Words," "Walt Disney's Bambi: The Story and the Film," et "The Disney Villain."

    
Les derniers Nine Old Men en 1992 - Frank et Ollie en 2001 - Hommage à Frank et Ollie dans Les Indestructibles

Un hommage lui fut rendu en 1995 dans le court métrage de Mickey Mouse Runaway Brain dans lequel un méchant fut appelé "Dr. Frankenollie." Les deux amis furent également mis à l'honneur dans un documentaire biographique de 1995, Frank and Ollie, dirigé par Theodore Thomas, fils de Frank, présenté au Festival International du film de Toronto. Ce documentaire met en avant leurs carrières professionnelles, leur vie privée et leur amitié. Un autre hommage lui fut rendu ainsi qu'à son ami dans Le Géant de Fer ainsi que dans Les Indestructibles. Le 10 novembre 2005, Ollie Johnston fut l'un des décorés de la prestigieuse National Medal of Arts, remise par le Président George W. Bush lors d'une cérémonie dans le Bureau Ovale. Ollie Johnston est décédé le 14 avril 2008. Avec lui s'envola le dernier des Nine Old Men...

Disney Family Album : partie 01 - partie 02 - partie 03

Hommage de l'auteur Christian Renaut sur Media Magic

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Filmographie complète :

- Two-Gun Mickey (1934) (inbetween animator)
- Mickey's Garden (1935) (inbetween artist)
- Mickey's Rival (1936) (inbetween artist)
- More Kittens (1936) (assistant animator)
- Little Hiawatha (1937) (assistant animator)
- Snow White and the Seven Dwarfs (1937) (assistant animator)
- Brave Little Tailor (1938) (animator)
- Mickey's Surprise Party (1939) (animator)
- The Practical Pig (1939) (animator)
- The Pointer (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (animator)
- Fantasia (1940) (animation supervisor) (segment "The Pastoral Symphony")
- Bambi (1942) (supervising animator: "Thumper")
- How to Play Baseball (1942) (animator)
- Victory Through Air Power (1943) (animator)
- Reason and Emotion (1943) (animator)
- Chicken Little (1943) (animator)
- The Pelican and the Snipe (1944) (animator)
- The Three Caballeros (1944) (animator)
- Make Mine Music (1946) (animator) (segment "Peter and the Wolf")
- Song of the South (1946) (directing animator)
- Melody Time (1948) (directing animator) (segment "Johnny Appleseed")
- The Wind in the Willows (1949) (character animator)
- The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949) (directing animator)
- Cinderella (1950) (directing animator)
- Alice in Wonderland (1951) (directing animator)
- Susie the Little Blue Coupe (1952) (animator)
- Peter Pan (1953) (directing animator)
- Ben and Me (1953) (animator)
- Little Toot (1954) (animator)
- Lady and the Tramp (1955) (directing animator)
- The Legend of Sleepy Hollow (1958) (animator)
- Sleeping Beauty (1959) (directing animator)
- One Hundred and One Dalmatians (1961) (animator: "Perdita")
- The Sword in the Stone (1963) (directing animator)
-"Disneyland" (animator) (7 episodes, 1956-1964)
    - In Shape with Von Drake (1964) TV episode (animator)
    - Inside Donald Duck (1961) TV episode (animator)
    - Four Fabulous Characters (1957) TV episode (animator)
    - The Fourth Anniversary Show (1957) TV episode (animator) (segment "Peter and the Wolf")
    - The Liberty Story (1957) TV episode (animator)
      (2 more)
- Mary Poppins (1964) (animator)
- The Jungle Book (1967) (directing animator: "Baloo", "Mowgli", "The Girl")
- Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968) (animator)
- The AristoCats (1970) (animation director)
- Robin Hood (1973) (directing animator du Prince Jean et de Triste Sir)
- Winnie the Pooh and Tigger Too! (1974) (animator)
- The Madcap Adventures of Mr. Toad (1975) (animator)
- The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977) (animator)
- The Rescuers (1977) (directing animator)
- The Fox and the Hound (1981) (supervising animator)

Il est temps de vous parler des personnes qui ont le plus influencé la direction artistique des studios (en particulier après que Walt ai quelque peu délaissé la section animation de son entreprise pour se concentrer sur son projet de parc à thème), les Nine Old Mens. Étant donné que chacun de ces "Neuf Vieux Messieurs" (terme affectueux que Franklin D. Roosevelt a inventé pour parler des neuf de la cour suprême, et que Disney a adopté pour se référer à ses animateurs principaux) a son importance, j'aborderai chacun d'entre eux par ordre d'arrivé aux studios. Commençons donc aujourd'hui par le plus ancien d'entre eux, Les Clark.

Né à Ogden, Utah, le 17 Novembre 1907, Les Clark est allé à l'école élémentaire de Twin Falls, Idaho, jusqu'à ce que sa  famille déménage à Los Angeles, où il continua ses études au lycée de Venice. Durant ces années là, Les Clark travailla en tant que job d'été dans un snack situé en face du studio d'animation des frères Disney sur Hyperion Avenue. Il agrémentait l'ordinaire en dessinant les menus du jour pour attirer le client. Walt et Roy avaient l'habitude d'y manger et ne mirent pas longtemps à remarquer que le jeune homme qui dessinait les menus avait un certain talent. Un jour, Les trouva le courage de demander  à Walt un travail. Il se rappel encore très bien la réponse de Walt ce jour là : "Apportez quelques un de vos dessins et voyons ce que ça donne." Ainsi, dit Les, j'ai  copié quelques dessins animés et je les ai montrés à Walt. Il a dit que j'avais un bon style et, pourquoi pas, je  pouvais venir travailler dans son studio lundi ! Je finissais le lycée le jeudi et suis allé travailler le lundi suivant !" A l'époque le studio en était encore qu'à ses balbutiements, il ne comptait qu'une douzaine d'animateurs tout au plus et quelques employés.

En 1927, il entra donc au sein du  département encrage et peinture des studios Disney jusqu'en 1929. Les Clark fut très vite apprécié pour son talent bien sur mais aussi pour sa loyauté et sa fidélité. En effet, il fut parmi les rares à rester travailler au studio après que Disney se fit voler les droits d'Oswald le Lapin Chanceux en 1928 par Charles Mintz, alors patron d'Universal. En 1929 il décrocha son premier job d'animateur pour le premier Silly Symphonie, The Skeleton Dance. Peu aprés, Les Clark a développé un certain talent pour  animer Mickey Mouse, commençant par une scène du film Steamboat Willie. Il anima de nombreuses autres scènes mémorables dont une scène de L'Apprenti Sorcier pour Fantasia,  quand les balais prennent vies. Les anima ou dirigea près de vingt longs métrages, incluant Pinocchio, Dumbo, Saludos Amigos, Mélodie du Sud, Danny le  Petit Mouton Noir, Mélodie Cocktail , Cendrillon, Alice au Pays  des Merveilles, Peter Pan, La Belle et le Clochard  et Les 101 Dalmatiens mais également plus de cent courts métrages. Après avoir dirigé une séquence de La Belle au Bois Dormant, Walt lui demanda de diriger les programmes télévisés spéciaux  et les films éducatifs. Pendant deux décennies, il réalisa ainsi une douzaine de productions, incluant Donald au Pays des Mathémagiques et Donald et la Roue. 

Tout comme Walt, Les ne pensait pas qu'il fallait se reposer sur ses lauriers, mais qu'il fallait constamment  développer son talent. Comme Frank Thomas et Ollie Johnston rappelèrent dans leur livre sur l'animation de Disney "L'illusion de la vie", "Les travailla constamment pour développer ses talents d'animateur, allant même étudier à l'école  d'art. Il y avait beaucoup d'admiration pour cet homme tranquille et pensif, qui est entré sans expérience dans le  domaine artistique. Avec sa détermination et son désir d'avancer, il amena et développa beaucoup de principes fondamentaux."Les Clark pris sa retraite de Disney en 1976, après 48 années de sa vie à travailler en tant qu'animateur et réalisateur. Il est mort le 12 septembre 1979. En 1989 il reçut la distinction de Disney Legend, ultime hommage à cet homme humble et sans prétention qui reste un des plus grands artistes que Disney ai compté dans ses rangs.

Filmographie :

En tant qu'intervalliste :
- Steamboat Willie (1928)

En tant qu'animateur:

- The Barn Dance (1929)
- The Skeleton Dance (1929) (Animateur: “Xylophone scene")
- Frolicking Fish (1930)
- The Goddess of Spring (1934)
- The Dognapper (1934)
- Two-Gun Mickey (1934)
- The Band Concert 1935 (Animateur: “Mickey Mouse”)
- Orphan’s Picnic (1936)
- Mickey’s Grand Opera (1936)
- The Country Cousin (1936)
- Snow White and the Seven Dwarfs (1937) (Animateur : “Silly Song Sequence”)
- Pinocchio (1940) (Animateur: “Pinocchio”)
- Fantasia (1940) (segments “Nutcracker Suite”, “The Dewdrop Fairies” et “ The Sorcerer’s Apprentice”)
- Dumbo (1941)
- Der Fuehrer’s Face (1942)
- The Three Caballeros (1944) (“Train to Baia”)
- Make Mine Music (1946)
- Song of the South (1946) (Animateur: minor animals)
- Fun and Fancy Free (1947) (Directing Animator: “Lulubelle”)
- Melody Time (1948) (“Bumble Boogie” sequence)
- So Dear to My Heart (1949)
- Plutopia (1951)
- Alice in Wonderland (1951)
- Peter Pan (1953)
- Disneyland (1954) (Tv Series) (Animateur de la Fée Clochette et réalisateur de l'épisode “ An Adventure in Color/Mathmagic Land”)
- Lady and the Tramp (1955)
- One Hundred and One Dalmations (1961)
- A Symposium on Popular Songs (1962)
- The Mickey Mouse Anniversery Show (1968)
- Mickey Mouse Disco (1979)
- Fantasia 2000 (1999)


En tant que réalisateur :

- You the Human Animal (1955)
- Paul Bunyan (1958)
- Sleeping Beauty (1959) (Sequence Director)
- Donald the Mathmagic Land (1959) (Sequence Director)
- Freewayphobia # 1 (1965)
- Donald’s Fir Survival Plan (1965)
- Goofy’s Freeway Troubles (1965)
- I’m No Fool with Electricity (1970)
- VD Attack Plan (1973)
- Man, Monsters and Mysteries 1973 (Director)

Merci à Thierry le Disneyen pour ses traductions ; )

Eric Larson est né à Cleveland dans l'Utah en 1905. Durant son enfance, Eric lisait passionnément les magazines d'humour comme "Punch" ou "Judge". Il suivit des cours de journalisme à l'université de l'Utah. Il édita le journal du campus tout en gagnant la réputation d'être un humoriste créatif que ce soit dans l'écrit ou le dessin. Il mit aussi en scène quelques BD qui furent publiées dans le journal local "Deseret News."
Une fois son diplôme obtenu, Eric voyagea à travers les Etats-Unis en travaillant en freelance pour divers magazines, et arriva à Los Angeles en 1933, où il développa une série d'aventure appelée "The Trail of the Viking" pour une radio locale. Il profite du conseil d'un de ses amis qui connaissait bien son travail de dessinateur pour envoyer quelques dessins aux Walt Disney Studios. Il fut alors embauché en tant qu'assistant animateur et il changea ses aspiration de journaliste pour l'animation.

Two-Gun Mickey (1934)

Lors de son travail chez Disney, Eric fit de l'animation sur les films comme Blanche Neige et les Sept Nains, Pinocchio, Fantasia, Bambi, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan, La Belle et le Clochard, Le Livre de la Jungle ainsi que sur environ 23 courts métrages et 6 téléfilms. Il fut consultant plus tard sur les films comme Taram et le Chaudron Magique et Basil, Détective Privé. Sa spécialité resta l'animation de personnages animaux comme les animaux de la forêt dans Blanche Neige et les Sept Nains, Pan Pan dans Bambi, les chiots des 101 Dalmatiens, les animaux de la ferme dans Mary Poppins, etc.
Vers la fin des années 70, Eric Larson développa le programme "Studio's Talent" qui avait pour but de découvrir et de former de nouveaux animateurs talentueux devant des lycée et écoles d'art des Etats-Unis. Ce programme existe encore de nos jours, et a eut été positionné à un moment crucial pour la compagnie. En effet alors que de nombreux vétérans s'en allaient, il fallait préparer la relève. C'est grâce au travail d'Eric proche des nouveaux animateurs que l'intégrité de l'animation Disney a été préservée.

De gauche à droite : Farmyard Symphony (1938), Tiger Trouble (1946), It's Tough to Be a Bird! (1969)

A la fin de sa longue carrière aux Walt Disney Animation Studios, Eric Larson utilisa son temps pour diriger et guider la nouvelle génération montante des artistes Disney. C'est ainsi que Andreas Deja qui a animé des personnages comme Jafar dans Aladdin ou Scar dans Le Roi Lion a rencontré Eric. Il se souvient de lui comme le meilleur professeur de l'animation qu'il ait jamais eut. Personne n'a plus été impliqué que lui sur le passage de flambeau et l'héritage Disney. Parmi ses "apprentis" on trouve la plupart des grands noms de l'animation Disney des années à venir : Brad Bird, Don Bluth, Tim Burton, Ron Clements, Gary Goldman, Glen Keane, John Lasseter, John Musker ou bien encore Joe Ranft.
Après 52 années chez Disney, il prit sa retraite en 1986. Dans une interview de l'époque, il disait "ce qui est important, ce n'est pas le nombre d'année où j'ai été ici, mais combien j'ai apprécié ces années et ce que j'ai accompli durant ce temps. Quand je pense à la contribution que j'ai apporté à l'animation et que je vois que les spectateur l'apprécie autant, cela me rend heureux". Eric Larson est décédé le 25 octobre 1988. Il fut récompensé par un Disney Legend en 1989, en même temps que ses autres confrères les Nine Old Men.

Filmographie complète :

- Two-Gun Mickey (1934) (assistant animator)
- The Tortoise and the Hare (1935) (assistant animator)
- Who Killed Cock Robin? (1935) (assistant animator)
- On Ice (1935) (animator)
- Cock o' the Walk (1935) (animator)
- Three Little Wolves (1936) (animator)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (animator: forest animals)
- Farmyard Symphony (1938) (animator)
- Ugly Duckling (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (animation director)
- Fantasia (1940) (animation supervisor) (segment "The Pastoral Symphony")
- Dumbo (1941) (animator)
- Bambi (1942) (supervising animator)
- Les Trois Caballeros (1944) (animator)
- Tiger Trouble (1945) (animator)
- African Diary (1945) (animator)
- A Knight for a Day (1946) (animator)
- La Boîte à Musique (1946) (animator)
- Pierre et le Loup (1946) (animator)
- Casey at the Bat (1946) (animator)
- Mélodie du Sud (1946) (directing animator)
- Johnny Pépin de Pomme (1948) (animator)
- Once Upon a Wintertime (1948) (animator)
- Mélodie Cocktail (1948) (directing animator)
- Danny le Petit Mouton Noir (1948) (animator)
- Le Crapaud et le Maître d'Ecole (1949) (animator)
- Cendrillon (1950) (directing animator)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (directing animator)
- Lambert the Sheepish Lion (1952) (animator)
- Peter Pan (1953) (directing animator)
- Little Toot (1954) (animator)
- La Belle et le Clochard (1955) (directing animator)
- Les 101 Dalmatiens (1961) (directing animator)
- A Symposium on Popular Songs (1962) (animator)
- Merlin l'Enchanteur (1963) (character animator)
- Man's Search for Happiness (1964) (animator)
- Mary Poppins (1964) (animator)
- "Disneyland" (animator) (6 episodes, 1956-1966)
    - Music for Everybody (1966) TV episode (animator)
    - Kids Is Kids (1961) TV episode (animator)
    - The Coyote's Lament (1961) TV episode (animator)
    - Magic and Music (1958) TV episode (animator)
    - The Fourth Anniversary Show (1957) TV episode (animator) (segment "Peter and the Wolf")
      (1 more)
- Le Livre de la Jungle (1967) (character animator)
- It's Tough to Be a Bird (1969) (animator)
- Les Aristochats (1970) (character animator)
- L'Apprentie Sorcière (1971) (animator)
- Robin des Bois (1973) (character animator)
- Les Aventures de Winnie l'Ourson (1977) (animator)
- Le Noël de Mickey (1983) (animation consultant)
- Taram et le Chaudron Magique (1985) (animation consultant)
- Basil Détective Privé (1986) (animation consultant)

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Disney Family Album : 

Bien que ne faisant pas parti des Nine Old Men (n'étant pas animateur), Joe Grant a tout autant marqué de sa patte les films d'animation des studios Disney pendant de nombreuses décennies. Joe Grant est né le 17 mai 1908 à New York. Il fut engagé aux studios Disney en 1932, et débuta sa carrière sur le court métrage Parade of the Award Nominees. En 1936 Walt Disney lui confie le design de la Reine/Sorcière de Blanche Neige et les Sept Nains. Son travail sur ce personnage fut des plus exceptionnel et le fit entrer directement dans le cercle fermé des grands artistes du studio. Très satisfait, Disney lui confie alors le design des personnages de son prochain film, Pinocchio puis certain de Fantasia. Joe Grant devient ensuite scénariste, poste qu'il gardera durant de nombreuses années. On lui doit le scénario de Baby Weems, une séquence de (Le) Dragon Récalcitrant en 1941, mais surtout l'adaptation de Dumbo durant la même année.

    
Joe et Walt Disney - Joe durant la production de Fantasia - Joe et Dick Huemer durant la production de Dumbo

Après avoir participé au scénario de Saludos Amigos en 1942 on le retrouve sur le scénario de l'excellent court métrage Der Fuehrer's Face sorti en 1943 et qui sera récompensé de l'Oscar du meilleur court métrage d'animation la même année. Durant les années 40 il travaille également sur le scénario de Les Trois Caballeros, ainsi que sur le scénario d'Alice au Pays des Merveilles qui sera retardé à cause de la guerre. Il développe également un projet personnel qui deviendra bien des années plus tard La Belle et le Clochard. Le film fut inspiré de son chien, un épagneule prénommé Lady... C'est d'ailleurs après une grosse dispute avec Walt Disney concernant l'histoire de ce film que Joe Grant claqua (définitivement ?) la porte des studios en 1949. Il crée alors une entreprise de céramique et de carte de visites qui l'occupera de nombreuses années. Il fait tout de même un petit retour à l'animation en 1960 en participant au scénario d'un Popeye, Popeye the Popular Mechanic.

    
Joe devant un storyboard d'Alice au Pays des Merveilles - Marc Davis, Andreas Deja et Joe - Joe Grant et Joe Ranft

Mais Joe n'a pas dit son dernier mot, à sa retraite il retourne travailler aux studios Disney ! Nous sommes en 1989 et l'artiste a alors 81 ans ! On le retrouve par la suite sur de nombreuses productions des années 90 en tant que designer des personnages, développeur visuel et même scénariste. Il travailla ainsi sur La Belle et la Bête, Le Roi Lion, Pocahontas, une Légende Indienne, Le Bossu de Notre-Dame, Hercule, Tarzan et Fantasia 2000. Il participe également au scénario et au développement visuel de Pocahontas, une Légende Indienne, Mulan , La Planète au Trésor et enfin le court métrage Lorenzo, son dernier projet en tant que scénatiste, qui reçu l'Oscar du meilleur court métrage d'animation en 2005. On le retrouve enfin en soutien visuel sur La Ferme de Rebelle et Chicken Little. Il n'était donc pas un simple consultant mais bel et bien un véritable acteur créatif sur tout ces films. Il vint travailler quatre jours par semaine aux studios jusqu'à ses derniers jours. Joe Grant nous quitta le 6 mai 2005, quelques jours avant son 97ème anniversaire, mort d'une crise cardiaque sur sa planche à dessin au sein même des studios Disney... Il est enterré dans le cimetière Forest Lawn Memorial Park de Glendale.

    
Joe dans son bureau des studios Disney - Ollie Johnston, Frank Thomas et Joe - Joe Grant et Floyd Norman

Il resta pour de nombreux artistes la mémoire vivante des studios et un véritable pilier créatif comme affectif. Il reste à ce jour l'artiste ayant travaillé aux Walt Disney Animaton Studios sur la plus longue période, pas moins de 73 ans ! Joe Grant a reçu le titre de Disney Legend en 1992.

Retrouvez une interview de l'artiste sur le site de Michael Barrier (en anglais).

- Parade des Nominées aux Oscars (1932) (animateur)
- Mickey's Gala Premier (1932) (animateur)
- Qui a Tué Rouge Gorge ? (1935) (animateur)
- Broken Toys (1935) (designer personnages)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (designer personnages)
- Pinocchio (1940) (designer personnages)
- Fantasia (1940) (sénariste et designer personnages)
- Le Dragon Récalcitrant (1941) (scénariste)
- Dumbo (1941) (scénariste)
- Der Fuehrer's Face (1943) (scénariste)
- Saludos Amigos (1943) (scénariste)
- The Spirit of '43 (1943) (non crédité)
- Education for Death (1943) (non crédité)
- Reason and Emotion (1943) (non crédité)
- Les Trois Caballeros (1945) (scénariste non crédité)
- La Boîte à Musique (1946) (directeur de production)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (scénariste)
- La Belle et le Clochard (1955) (concept original et storyboards)
- La Belle et la Bête (1991) (développeur visuel)
- Le Roi Lion (1994) (développeur visuel et designer personnages)
- Pocahontas, une Légende Indienne (1995) (scénariste, développeur visuel, designer personnages)
- Le Bossu de Notre-Dame (1996) (développeur visuel et designer personnages)
- Hercule (1997) (développeur visuel et designer personnages)
- Mulan (1998) (scénariste)
- Tarzan (1999) (développeur visuel et designer personnages)
- Fantasia 2000 (concept original)
- La Planète au Trésor ( développeur visuel)
- Loenzo (2004) (scénariste et storyboards)
- La Ferme se Rebelle (2004) (développeur visuel)
- Chicken Little (2005) (développeur visuel)

Blanche Neige et les Sept Nains (1937) :

Pinocchio (1940) :

Dumo (1941) :

Alice au Pays des Merveilles (1951) :

La Belle et le Clochard (1955) :

Pocahontas, une Légende Indienne (1995) :

Le Carnaval des Animaux, Final (2000) :

Chicken Little (2005) :

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Depuis l'arrivée de John Lasseter et d'Ed Catmull à la direction des studios d'animation Disney en avril 2006, beaucoup de choses on changé. Parmis ces changements il y eu la décision de mettre plus en valeur le patrimoine des studios. Pour ce faire John Lasseter a pris l'initiative de créer une nouvelle collection de livres officiels avec pour chacun un thème particulier. Le premier à sortir (en décembre 2008) est centré sur l'art du storyboard. Il sera suivi par d'autres volumes centrés sur l'animation, les décors, etc. À cette occasion retrouvez ci-dessous une interview de Lella Smith, responsable des archives des studios d'animation Disney, réalisée par Didier Ghez, le webmaster de Disney History, un excellent blog sur l'histoire de l'animation Disney.

Didier Ghez : Comment en êtes-vous venu à participer à ce projet?

Lella Smith : L'ARL (Animation Research Library) offre souvent des images pour divers livres de la Walt Disney Company, les Art-of et autres livres à thèmes. (La bibliothèque est dépositaire de quelque 60 millions de pièces, toute de véritables œuvres d'art de l'animation Disney) Cela fait un certain temps que nous voulions faire un livre sur les collections de l'ARL, nous en avons maintenant l'occasion. Nous sommes heureux que John Lasseter et Disney Publishing nous donnent enfin cette possibilité.

   
      Steamboat Willie (1928)                                    Blanche Neige et les Sept Nains (1937)

DG : Quelles ont été vos critères pour choisir les différentes œuvres du livre?

LS : Nous voulions des images destinées à inspirer les artistes et à intriguer les novices.  Ce fut un vrai défi de réduire la quantité d'œuvres, pour correspondre à la taille du livre (environ 275 pages). Nous avons dû faire des choix difficiles mais nous sommes fiers de la sélection finale.

DG : Quels ont été les plus surprenantes découvertes que vous avez fait en choisissant les œuvres publiées?

LS : Fox Carney, notre chercheur principal, répondra à cette question  : "Nous avons découvert de nombreux styles de dessins, chacun reflettant l'époque à laquelle il a été réalisé. Nous avons étudié le rendu détaillé des crayonnés de la première ère de l'animation, dans les années 1920 et 1930. Nous avons une nouvelle fois été émerveillé par le style dépouillé de Bill Peet, typiques des années 1940 et 1950. Chaque période artistique semble être exposé à travers les décennies, ces recherches nous ont vraiment permis d'étudier toute l'histoire de l'animation Disney.

Recherches de Kay Nielsen pour la première version de La Petite Sirène (années 40)

Nous avons appris que certains animateurs ont prêté leur talent créatif non seulement pour l'animation, mais étaient également très investi dans la construction du récit. Les storyboards de Marc Davis par exemple montrent vraiment la joie de vivre de Bambi quand il était enfant. Ceux de Glen Keane sont puissants, il expérimente des techniques mixtes, ses fusains montrent bien la férocité de l'ours dans la scène finale de Rox et Rouky. Nous avons appris, par le biais de recherches sur la façon dont ces dessins sont réalisés que chaque storyboard est un travail essentiel, pas seulement pour la structure de l'histoire, mais aussi pour la transmission des émotions, le style ou l'essence du film dans sa totalité. "

DG : Pour de véritables connaisseurs de Disney, quelles seront les temps forts de l'ouvrage?

LS : Nous avons cherché dans nos archives pendant de longues heures, questionner les artistes des studios. Nous avons aussi rencontré John Lasseter qui nous a parlé des ses œuvres favorites. Il est vraiment intéressant de voir que les même travaux ont été mentionnés  un bon nombre de fois.
Les dessins de la scène des éléphants roses dans Dumbo sont fantastiques. Beaucoup de ces pastels monochromes ont été réalisés assez rapidement sur du papier de construction, mais ils sont dynamiques et ils évoquent magnifiquement l'ambiance du film. Susie the Little Blue Coupé est un autre favori des artistes en raison de la période à laquelle il a été réalisé, de son style et de son humour.

   
Cendrillon (1950)                                                     Roxk et Rouky (1980)

DG : Le titre du livre suggère fortement qu'il est le premier d'une série. Pourriez-vous nous en dire un peu plus sur l'avenir de cette série?

LS : Quand John Lasseter est devenu le Chief Creative Officer des studios Disney et Pixar, il a pensé à l'idée de créer une série de livres regroupant les ouevres des studios par catégorie : histoire, animation, conception de base et layouts. Nous voulons également produire des petits livres supplémentaires qui mettent l'accent sur des artistes, des séquences, etc. Notre premier livre mettra en lumière les œuvres de l'artiste Bill Peet.

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King of the Elves (Le Roi des Elfes) faisait parti des projets de films d'animation mis en chantier après l'arrivée de John Lasseter comme directeur créatif des Walt Disney Animation Studios en 2006. Officiellement annoncé lors d'une conférence de presse en avril 2008, en même temps que plusieurs autres projets des studios, la production du film fut finalement arrêtée en décembre 2009.
Le Roi des Elfes était une adaptation d'une nouvelle de Phillip K. Dick publiée en 1953 et devait être réalisé par le duo de réalisateurs Aaron Blaise et Robert Walker déjà auteurs du film Frère des Ours. Il racontait  l'histoire d'un homme habitant le delta du Mississippi qui devait malgré lui aider un groupe d'elfes qui ont fait de lui leur roi.

En novembre 2009, Robert Walker quitta la réalisation du film pour laisser Aaron Blaise seul aux commandes, officiellement pour raisons de santé. Ce départ aurait-il contraint Disney à abandonner le projet? Aaron Blaise n'avait-il pas la capacité de réaliser le film tout seul? On ne le saura jamais... Prévu pour sortir en 2012, le projet ne verra finalement jamais le jour.
D'autres rumeurs faisaient état d'une trop grande similitude avec l'univers de la saga Arthur et les Minimoys de Luc Beson. Le film aurait également eu quelques soucis scénaristiques et laissa les artistes dans une impasse. Il faut dire que les œuvres de Phillip K. Dick sont peu enclin à être adapté en film d'animation Disney.

Retrouvez ci-dessous quelques croquis de Rune Brandt Bennicke, un artiste danois ayant travaillé sur le film. On y voit les premiers tests graphiques des elfes et du vieillard. Le résultat final aurait bien entendu été différent mais ces dessins nous donnent tout de même une idée de ce que l'on aurait put voir dans le film terminé.

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Un post un peu spécial pour vous annoncer une bien triste nouvelle, Ollie Johnston, le dernier des Nine Old Mens est décédé hier à l'âge de 95 ans. Ce n'est pas dans les habitudes du site de rapporter ce genre d'information mais nous ferons une exception pour ce grand homme au talent immense. Le hasard a voulu que je poste sa biographie trois jours seulement avant sa disparition. Ollie Johnston anima de grands héros et héroïnes de films d'animation Disney tels que Mickey dans Le Brave Petit Tailleur, Pan-Pan dans Bambi, Javotte et Anastasie dans Cendrillon, Monsieur Mouche dans Peter Pan, Alice dans Alice au Pays des Merveilles, les trois fées dans La Belle au Bois dormant, Perdita dans Les 101 Dalmatiens, Archimède dans Merlin l'Enchanteur, Baloo et Mowgli dans Le Livre de la Jungle, les Pingouins dans Mary Poppins, le Prince Jean dans Robin des Bois, Winnie l'ourson et Porcinet dans Les Aventures de Winnie l'Ourson, le chat Rufus dans Les Aventures de Bernard et Bianca, et quelques scènes de Rox et Rouky...
Sa disparition marque la fin des légendaires Nine Old Mens qui font désormais tous partie de la grande Histoire des studios d'animation Disney, qu'il repose en paix et encore merci pour tout ces personnages qui ont fait rêver petits et grands durant près de 50 ans...

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Il est toujours passionnant de voir l'évolution graphique d'un personnage, de quoi sont parti les character designers et où ils ont aboutis. Voici par exemple quelques recherches sur le personnage de Dumbo l'éléphant volant. Ce n'est peut-être pas le meilleur exemple d'évolution graphique flagrante mais ça vaut quand même le détour :

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Troisième long métrage des Walt Disney Animation Studios, Fantasia tient une place à part dans la longue liste des films d'animation de la firme. En effet, plus adulte, moins facile d'accès, mettant en avant la magnificence de la musique classique, Fantasia donne à l'animation ses premières lettres de noblesse. Celle-ci n'est alors plus utilisée comme simple outil de distraction mais comme accompagnement visuel (abstrait ou non) des divers oeuvres symphoniques choisies pour l'occasion, le tout dans un seul but : rendre la musique classique accessible au plus grand nombre.

Fantasia est également le tout premier film à profiter de la technologie du son stéréophonique (appelé alors "Fantasound"), procédé sur lequel Walt Disney s'est beaucoup investi. Malgré toutes ces innovations le film fut un échec à sa sortie en 1940, ce n'est qu'après plusieurs ressorties en salle et surtout son arrivée en vidéo que Fantasia fut enfin considéré comme un grand chef-d'oeuvre.

Toccata et fugue en ré mineur
Le Ballet de Casse-Noisette
L'Apprenti Sorcier
Le Sacre du Printemps
La Symphonie Pastorale
La Danse des Heures
Une Nuit sur le Mont Chauve
Ave Maria
Les projets abandonnés

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The Three Caballeros (Les Trois Caballeros), septième long métrage des Walt Disney Animation Studios est sorti le 3 février 1945. Sa production débuta en 1941, après le retour d'un groupe d'artistes des studios d'un grand voyage en Amérique du Sud. Ce voyage avait pour but de promouvoir les valeurs américaines et parer ainsi la montée de l'influence de l'Allemagne nazie dans les différents pays du sud du continent.
Les temps sont durs aux studios Disney, après la fermeture du marché européen en 1939, une grève générale éclate en 1941, la plupart des employés réclamant les primes qui leur avaient été promises durant la production de Blanche Neige et les Sept Nains. Au lieu de satisfaire ses employés, Disney avait alors décidé de mettre en chantier de nouveaux studios à Burbank, jugeant ceux d'Hyperion Avenue désormais trop petits. La proposition du gouvernement américain d'envoyer Walt Disney et son équipe d'artistes en Amérique du Sud arriva donc à point nommé et lui permis ainsi de s'éloigner du conflit. Parmi les artistes qui l'accompagnèrent on trouvait Lee et Mary Blair, Frank Thomas ou bien encore Norm Ferguson. De ce voyage naîtra Saludos Amigos, sorti le 6 février 1943, quelques cartoons et Les Trois Caballeros, pour lequel une partie de l'équipe repartie en voyage pour Mexico afin de développer la partie mexicaine du film.

En revenant aux studios il était prévu que les artistes réalisent uniquement des courts métrages pour mettre à profit leur voyage, mais Walt Disney se rendit vite compte qu'il y avait largement de quoi réaliser un long métrage, voire deux. Il fut ainsi incorporé entre chaque scène animée des images de l'équipe tournée sur place en 16mm par Walt lui-même, afin d'arriver plus facilement (et surtout plus économiquement) au format long métrage.
Les Trois Caballeros a comme particularité d'être le premier Grand Classique Disney mélangeant dans une même scène des séquences live et de l'animation. Ce n'est pas la première fois que les studios Disney utilisaient cette technique qui fut exploitée dès les premières années de vie des studios avec la série des Alice Comedies (1923 -1927). On la retrouvera par la suite dans bon nombre de productions des studios au fil des décennies : Mélodie du Sud, Danny le Petit Mouton Noir, Mary Poppins, L'Apprentie Sorcière, Peter et Elliott le Dragon, Qui Veut la Peau de Roger Rabbit et Il Etait un Fois.

Comme Saludos Amigos, Les Trois Caballeros remporta un vif succés aux Etats-Unis comme en Amérique du Sud et rempli sa tâche à merveille (se rapprocher des pays du sud du continent). Et comme le fit remarquer Walt quelques années plus tard, "le gouvernement n'a pas lâché un centime là-dessus, nous avons financé notre voyage et nos deux films!" Cela fait partie de ses plus grandes fiertés.

Recherches graphiques de Mary Blair :

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Recherches de Pancho (personnage abandonné) par Fred Moore :

Claude Coats est né le 17 janvier 1913 à San Francisco. Il fait ses études à l'université de Californie du Sud et obtient son diplôme d'architecte en 1934. Il s'inscrit au Chouinard Art Institute de Los Angeles, puis intègre le département décor des studios Disney en juin 1935.
Il y fait la connaissance de Gustaf Tenggren, avec qui il collabore sur Little Hiawatha (1937), réalisé par David Hand. Après quelques mois d'apprentissage, il rejoint l'équipe de décorateurs de Blanche Neige et les Sept Nains, dirigée par Samuel Amstrong.
En 1938, il crée les fonds du plus célèbre court métrage de Mickey, L'Apprenti Sorcier. Il retrouve Gustaf Tenggren lors de la production de Pinocchio et réalise les magnifiques décors de l'atelier de Geppetto. Claude Coats dispose d'une aptitude unique à transcrire une ambiance et apporter de la matière aux objets, ce qui leur confère une vie propre. Il s'inspire des harmonies colorées de Tenggren, mais impose aussi son originalité. Les décors peints par Claude Coats possèdent un style, reconnaissable à l'équilibre des couleurs, l'utilisation de la lumière et l'impression de profondeur.
En trente ans de carrière, nous lui devons quelques-uns des plus beaux décors de Fantasia, Dumbo, Saludos Amigos, Victory Through Air Power, Les Trois Caballeros, La Boîte à Musique, Mélodie du Sud, Mélodie Cocktail, Le Crapaud et le Maître d'Ecole, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan et La Belle et le Clochard. Il signe aussi les décors de nombreux courts métrages comme The Art of Skiing (1941) et Tiger Trouble (1945) de Jack Kinney, Dog Watch (1945) et Cat Nap Pluto (1948) de Charles Nichols, Motor Mania (1950) de Jack Kinney, The Little House (1952) de Wilfred Jackson, How to Dance (1953) et How to Sleep (1953) de Jack Kinney, Ben and Me (1953) de Hamilton Luske, et Up a Tree (1955) de Jack Hannah.
En 1955, Walt Disney lui demande de rejoindre l'équipe de conception de Disneyland. On lui doit les décors des plus célèbres attractions, dont "it's a small world", Mr Toad's Wild Ride, Snow White's Scary Adventures, Pirates of the Caribbean et The Haunted Mansion. Dans les années 1970, il continue son travail de directeur artistique pour Disneyworld et EPCOT Center en Floride, et Tokyo Disneyland au Japon.
Il prend sa retraite en 1989 et s'éteint le 9 janvier 1992 à Los Angeles. De l'avis de tous, il fut le plus talentueux décorateur de l'histoire des studios Disney. Il reçut le titre de Disney Legend en 1991, quelques mois seulement avant sa disparition.

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Blanche Neige et les Sept Nains :

Pinocchio :

Fantasia :

Cendrillon :

Alice au Pays des Merveilles :

Peter Pan :

La Belle et le Clochard :

Attraction The Haunted Mansion :

LE JOUEUR D'ÉCHECS (1997)

Durant la production de Toy Story, Pixar décida de maintenir sa division publicité ouverte (division chargée de produire des publicités en images de synthèse pour la télévision). Selon Ed Catmull il était préférable de garder cette division en activité jusqu'à la sortie de leur second film, permettant ainsi de régulières rentrées d'argent. C'est à cette époque que Jan Pinkava fut embauché par Pixar pour superviser cette division.
Pinkava était un grand admirateur des courts métrages du studio et c'est la raison principale qui l'avait poussé à postuler chez Pixar, son but était alors de réaliser un jour son propre court métrage. Presque aussitôt après son arrivée, il suggéra que la division publicité pourrait réaliser un court métrage au court des temps d'arrêt entre deux productions. Il lui faudra attendre jusque 1995, lorsque Ed Catmull et John Lasseter décidèrent de redynamiser la division court métrage du studio, pour voir son rêve se réaliser.
La reprise de production des courts métrages (arrêté en 1989 pour mettre en chantier Toy Story) est plus un choix artistique qu'économique pour Pixar. En effet tout le monde au studio savait que la production de programmes courts n'était plus rentable. Avec la mise en chantier de leur deuxième long métrage (1001 Patte (a bug's life)) Pixar aurait très bien put s'en passer. Mais Ed Catmull insista sur l'importance de ces productions à petite échelle. Selon lui ces films permettaient au studio de rester connecté au reste du monde de l'animation. Pixar faisait désormais parti des grands de l'animation mondiale, et la production de courts permettait au studio de continuer à participer à de nombreux festivals d'animation (dont le célèbre festival d'Annecy), d'être reconnu par leurs paires autant que par le public. Au delà de cette noble cause, les court métrages permettraient aussi à Pixar de tester de nouvelles idées sans trop de risques, d'exercer de jeunes talents et de perfectionner les nouvelles technologies de l'animation.

Jan Pinkava fut alors choisi pour diriger le premier court métrage de seconde génération. Ed catmull  lui donna carte blanche pour le scénario, la seule contrainte était que le court devait mettre en scène un personnage humain. Pinkava fut déstabilisé par ce choix car en vérité il avait déjà étudié de nombreuses idées pour un court métrage, mais seulement une seule avec un être-humain!
En dépit de cette contrainte, Pinkava était certainement le mieux placé pour relever le défi de Catmull. Passionné d'animation depuis l'enfance, Pinkava avait gagné en 1979 le premier prix de la Young Film Maker's Competition, son travail fut ensuite diffusé dans l'émission pour enfants de la BBC, Screen Test. Mais Pinkava était également intéressé par les ordinateurs et la programmation. Il étudia ainsi l'informatique pour finalement obtenir un doctorat en robotique théorique. C'est grâce à ses connaissances artistiques et scientifique que Pinkava put par la suite réaliser avec brio Le Joueur d'Échecs.

Pinkava décida que le personnage humain serait à l'opposé du bébé crée pour Tin Toy. Il fit ainsi d'un vieillard le héros de son court métrage. Il esquissa plusieurs scénarios : dans l'un deux, le vieil homme jouait avec l'ascenseur de son immeuble, dans un autre il était impliqué dans une bataille avec un canard gourmand qui souhaitait lui voler son déjeuner. Une autre idée était plus expérimental : un vieil homme qui jouait aux échecs contre lui-même...
Pinkava s'inspira de son grand-père qui jouait toujours à ce jeu de cette manière. Ce qui intéressa particulièrement le réalisateur fut l'idée du dédoublement de personnalité, et les conséquences qui en découlent. Pour le côté absurde de la situation il s'inspira de l'humour des Monty Python et de l'espièglerie cinématographique de Norman McLaren.

Le design du vieillard fut inspiré par le travail du cinéaste d'animation tchèque Jiří Trnka. Né en République Tchèque en 1963, Jan Pinkava connaissait bien le travail de l'artiste qui marqua plusieurs générations de jeunes tchèques avec ses films de marionnettes et ses illustrations de livres pour enfants. En tant que sculpteur accompli, Pinkava étudia également le travail d'artistes comme Rodin, Degas, Vigeland, ou bien encore Daumier, qui inspirèrent grandement son travail sur le personnage.

En ce qui concerne la technique, deux grosses innovations furent crée pour Le Joueur d'Échecs. La première concernait l'élasticité de la peau du vieillard. Pinkava souhaitait un rendu le plus réaliste possible pour son personnage, tout en gardant des traits caricaturaux. Le défi fut confié à Tony DeRose qui était décrit par Ed Catmull comme "le plus grand expert au monde en surface mathématiques." L'homme inventa alors un nouveau rendu de surface appelé "subdivision surfaces." La technologie de DeRose fut utilisé par le directeur technique Paul Aichele pour construire le modèle digital de la tête du vieillard, incluant une centaines de contrôles faciaux, permettant aux animateurs de créer des expressions faciales bien plus subtiles qu'auparavant. La technique fut également utilisé pour les mains et les vêtements du personnage. Cette dernière fut si intéressante qu'elle fut intégrée à la production de 1001 Patte (a bug's life) alors que le film était à la moitié de sa production !

La seconde grosse innovation technique crée pour Le Joueur d'Échecs concerne l'animation des vêtements. Il était impossible de demander à un animateur d'animer plis après plis les différents vêtements du vieillard, ce n'était même pas faisable pour une production à grande échelle alors encore moins pour un court métrage. Il fallait donc créer un simulateur pour un rendu réaliste du mouvement des vêtements. Le directeur technique Michael Kass passa alors plus d'une année à créer un simulateur pour que la veste de Geri se déplace comme un tissu réaliste. La tâche était ardu et l'équipe de développement eu affaire à de nombreux problèmes avec l'animation des vêtements du vieillard, mais ils finirent par aboutir à une animation très naturelle.

Le Joueur d'Échecs est sorti en 1997 et reçu d'excellentes critiques. Comme Tin Toy à son époque, Le Joueur d'Échecs gagna l'Oscar® du meilleur court métrage d'animation. Ce qui fit encore plus plaisir à l'équipe du film était de voir que le public s'intéressait d'avantage au caractère du personnage principal qu'aux techniques novatrices crée pour le film, tout comme ce fut le cas pour Luxo Jr. à sa sortie en 1986.
Brad Bird fut très impressionné par le court métrage, en particulier en voyant comment Pixar avait réussi à rendre un personnage humain très crédible et vivant en images de synthèse, tout en gardant un côté caricatural très poussé. C'est ce film qui le convint de s'intéresser de plus près à l'animation 3-D, ce qui l'amena quelques années plus tard à venir réaliser chez Pixar Les Indestructibles, le premier long métrage d'animation 3-D avec des humains comme personnages principaux. Mais ceci est une autre histoire...

Bill Peet est né à Grandview dans l'Indiana, le 29 jenvier 1915. D'une famille pauvre, il grandit à Indianapolis. Il commence très tôt à écrire des histoires en les illustrant, sans imaginer un jour vivre de cette passion. Pendant sa scolarité, il remporte un concours offrant une bourse d'étude au John Heron Art Institute d'Indianapolis. Sa vie bascule le premier jour de classe lorsqu'il fait la connaissance de Margaret Brunst, qu'il épouse quatre ans plus tard. A sa sortie de l'école en 1936, Peet débute sa carrière professionnelle en dessinant des cartes de vœux pour une entreprise située dans l'Ohio.

   
               Dumbo (1941)                                           Mélodie du Sud (1946)                                 Cendrillon (1950)

Un jour, il découvre une brochure publicitaire incitant les jeunes artistes à rejoindre les studios Disney. Il propose sa candidature et reçoit une réponse favorable. Il se rend immédiatement à Los Angeles et se présente au studio d'Hyperion Avenue le 9 septembre 1937. Après un mois d'essai sous la direction de George Drake, il est engagé comme intervalliste sur les courts métrages de Mickey Mouse et Donald Duck, puis participe à quelques scènes de Blanche Neige et les Sept Nains.
En parallèle à son travail d'intervalliste, qui, comme d'autres artistes des studios, ne le passionne pas, il propose quelques idées de personnages pour le projet de Pinocchio (des monstres pour la séquence abandonnée de Bogyland). Un matin, il trouve sur son bureau une enveloppe contenant 25 dollars et l'informant de sa nouvelle affectation au département scénario.

       
       Peter Pan (1953)                    La Belle au Bois Dormant (1959)             Bill Peet vers 1964

Il fait son apprentissage pendant deux ans sur Pinocchio (il n'est pas crédité au générique), puis élabore le storyboard de La Symphonie Pastorale de Fantasia. C'est lors de la préparation de Dumbo que Walt Disney réalise que Bill Peet est un conteur hors norme. Il fait équipe avec Dick Huemer et Joe Grant, et se concentre plus particulièrement sur les séquences mettant en scène Dumbo bébé.
En 1941, Bill Peet participe à la grande grève des studios. Furieux, Walt Disney le rétrograde alors en tant que simple dessinateur de storyboard sous la direction de T. Hee pour le projet de Peter Pan. Mais Peet est l'un des premiers artistes à revenir aux studios avant la fin de la grève et Disney lui pardonne rapidement. Il devient alors le pilier du département storyboard et le scénariste préféré de Walt Disney, avec qui il partage le même don pour scénariser une histoire. Il dessine le storyboard de séquences entières pour Victory Through Air Power, Les Trois Caballeros, Mélodie du Sud, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan, La Belle et le Clochard, La Belle au Bois Dormant et Le Livre de la Jungle.

Merlin l'Enchanteur (1963)

Au début des années 1960, il dessine seul le storyboard complet de Les 101 Dalmatiens et Merlin l'Enchanteur, il en écrit l'adaptation, crée les principaux personnages et supervise l'enregistrement des voix des comédiens.
Bill Peet œuvra également aussi sur de nombreux courts métrages, comme Tigger Trouble de Jack Kinney (1945), Susie, the Little Blue Coupe de Clyde Geronimi (1952) ou bien encore Ben and Me d'Hamilton Luske (1953).
En 1959, il illustre son premier livre pour enfants Hubert's Hare-Raising Adventure. Il quitte les studios Disney en 1964, et se consacre pleinement à sa carrière d'auteur et illustrateur de livres pour enfants.
En 1989, il raconte sa vie et son expérience de dessinateur dans son autobiographie illustrée : Bill Peet, An Autobiography, publiée aux éditions Houghton Mifflin Company. En 1996, Bill Peet obtient le titre de Disney Legend pour ses trente années au services des Walt Disney Animation Studios. Il nous quittera quelques années plus tard, le 11 mai 2002.

Filmographie :

- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (intervalliste)
- Pinocchio (1940) (scénariste)
- Fantasia (1940) (storyboard)
- Dumbo (1941) (scénariste et storyboard)
- Les Trois Caballeros (1945) (scénariste)
- Tiger Trouble (1945) (scénariste)
- African Diary (1945) (scénariste)
- A Knight for a Day (1946) (scénariste)
- Mélodie du Sud (1946) (scénariste et storyboard)
- Mickey et le Haricot Magique (1947) (scénariste)
- Danny et le Petit Mouton Noir (1949) (scénariste)
- Cendrillon (1950) (scénariste et storyboard)
- Wonder Dog (1950) (scénariste)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (scénariste et storyboard)
- Lambert et le Lion Bêlant (1952) (scénariste)
- Susie, le Petit Coupé Bleu (1952) (histoire originale, adaptation et storyboard)
- La Petite Maison (1952) (adptation de l'histoire)
- Peter Pan (1953) (scénario et storyboard)
- Franklin et Moi (1953) (scénariste)
- La Belle et le Clochard (1955) (scénariste)
- The Truth About Mother Goose (1957) (scénariste)
- La Belle au Bois Dormant (1959) (scénariste)
- Goliath II (1960) (scénariste)
- Les 101 Dalmatiens (1961) (scénariste et storyboard)
- Merlin l'Enchanteur (1963) (scénariste et storyboard)
- Le Livre de la Jungle (1967) (scénariste et storyboard)