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A l'occasion de la sortie du nouveau coffret Walt Disney Les Trésors Donald : de A à Z - Volume 3, retrouvez une nouvelle galerie de dessins de storyboards et de décors tirés des cartoons du célèbre canard. Les nouvelles recherches s'étalent entre 1947 et 1950, période abordée dans ce nouveau coffret deux DVD. On peut dores et déjà s'attendre à la sortie du quatrième et dernier volume des aventures de Donald dans les prochains mois, vivement!

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Straight Shooters (1947)

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Dodo Donald (1947)

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Le Dilemme de Donald (1947)

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Déboire sans boire (1947)

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Pépé le Grillon (1947)

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Donald et les Grands Espaces (1947)

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Donald chez les Ecureuils (1947)

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Donald Inventeur (1948)

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Papa Canard (1948)

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Voix de Rêve (1948)

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Le Procès de Donald (1948)

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Donald Décorateur (1948)

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A la Soupe (1948)

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Le Petit Déjeuner est Servi (1948)

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Donald et les Fourmis (1948)

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Pile ou Farces (1949)

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Sea Salts (1949)

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Donald Forestier (1949)

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Le Miel de Donald (1949)

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Donald fait son Beurre (1949)

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Jardin Paradisiaque (1949)

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Slide, Donald, Slide (1949)

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Donald et son Arbre de Noël (1949)

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Attention au Lion (1950)

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Donald Amoureux (1950)

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La Roulotte de Donald (1950)

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Donald Pêcheur (1950)

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Donald à la Plage (1950)

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Out on a Limb (1950)

Les Silly Symphonies (ou parfois appelés Symphonies Folâtres en français) sont une série de cartoons produits par les studios Disney de 1929 à 1939. Durant cette décennie, ces cartoons seront le terrain d'entraînement favori de Walt Disney et de son équipe pour tester toute une série d'innovations : la couleur, le design réaliste et l'animation d'humains, la caméra multiplane, etc. Contrairement aux autres séries des studios, les Silly Symphonies ne comportent pas de héros principaux et accordent une place très importante à la musique.

    
De gauche à droite : Le compositeur Carl W. Stalling - La Danse Macabre (1929) - Printemps (1929)

La création des Silly Symphonies revient à Carl W. Stalling, le premier compositeur ayant collaboré avec Walt Disney. Les deux hommes se connaissaient déjà depuis quelques années, ils avaient notamment travaillé ensemble sur un cartoon de la série Laugh-o-Grams (qui à l'époque étaient muets certes, mais on composait souvent une partition qui était ensuite jouée en direct lors de la diffusion du cartoon dans les salles de cinéma). En 1928, Stalling fut embauché par Disney pour composer les musiques des deux premiers cartoons de Mickey Mouse, Plane Crazy et The Gallopin' Gaucho. Quelques mois plus tard, alors que le parlant a fait son apparition dans le monde de l'animation avec Steamboat Willie, Walt Disney le convoque à nouveau. Stalling viendra avec un concept inédit dans ses cartons : combiner danse comique et musique classique dans un cartoon macabre. Walt est séduit par l'idée et va même plus loin en imaginant une nouvelle série de cartoons qui mettrait en scènes des personnages inédits qui se renouvelleraient continuellement.
La première de La Danse Macabre, le tout premier cartoon de la série des Silly Syphonies, se déroule en juin 1929 au Carthay Circle Theater de Los Angeles, en avant-programme du film de Murnau Les Quatres Diables. L'essai s'avérera concluant, il faut dire que les deux programmes étaient faits pour aller ensemble ! La société Columbia Pictures décide alors de produire la série. Cependant, les exploitants de salle étaient eux bien plus réticents, préférant de loin diffuser des cartoons de Mickey Mouse. Ainsi, pour ne pas désappointer les exploitants (et le public), il fut très vite décidé de placer en introduction de chaque cartoon un "Mickey Mouse presents a Walt Disney Silly Symphony", phrase que l'on retrouvera au début de chaque cartoon de la série durant de nombreuses années.

    
De g. à d. : Des Arbres et des Fleurs (1932) - L'Atelier du Père Noël (1932) - Les Enfants des Bois (1932)

Les Silly Symphonies eurent très vite bonne réputation, on leur reconnaissait de grandes qualités techniques et artistiques. En synchronisant parfaitement les mouvements des personnages avec la musique, Walt Disney avait crée une nouvelle étape dans la manière de réaliser un cartoon "moderne". Et ce n'était que la première d'une longue liste ! En perpétuelle recherche de nouveauté, Walt Disney découvre en 1932 une nouvelle version du procédé technicolor, améliorée par Herbert Kalmus. Depuis 1915, le technicolor proposait un système de couleurs via deux teintes : le rouge et le vert. Onéreux et au résultat pas franchement convaincant, cette première version eu tout de même son petit succès à Hollywood, sans pour autant convaincre Walt Disney. La version que met au point Herbert Kalmus est bien plus intéressante. Composée cette fois-ci de trois couleurs (le rouge, le vert et le bleu), elle permet enfin de restituer à l'écran toute la palette de couleurs que nous connaissons. Après une projection test, Walt Disney est emballé par le procédé et négocie avec la société Technicolor une exclusivité de trois ans pour l'exploitation du procédé dans un cartoon.
Des Arbres et des Fleurs sera le tout premier cartoon a en bénéficier. En manque de reconnaissance publique face à un Mickey Mouse toujours plus populaire, la couleur était un parfaite outils pour redorer le blason des Silly Symphonies. Le résultat s'avérera magnifique, la couleurs apportant un réel plus au cartoon. Pour l'anecdote, Des Arbres et des Fleurs avait tout d'abord été réalisé presque entièrement en noir et blanc avant d'être totalement recréé en couleurs. Il fallut ainsi repeindre tout les décors et tout les celluloïds ! Des Arbres et des Fleurs remporta un Oscar en 1932 en récompense de ses innovations techniques. C'était la premier fois qu'un cartoon remportait cette illustre prix. Le premier d'une longue liste pour les Walt Disney Animation Studios !

    
De g. à d. : Les Trois Petits Cochons (1933) - Une Petite Poule Avisée (1934) - La Déesse du Printemps (1934)

 Le temps passant, l'apparition de la couleur ne suffit plus à séduire le public. Walt Disney l'a bien compris et travaille d'arrache pied avec son équipe pour améliorer la qualité des scénarios, des nouveaux personnages et des techniques d'animation. Le meilleur exemple de cette évolution est le cartoon Les Trois Petits Cochons, sorti en 1933. Doté de trois personnages charismatiques mais foncièrement identiques, ils se distinguent pourtant les uns des autres par leurs caractères très différents. L'aimation est également de bien meilleure qualité. Fred Moore et Dick Lundy font des merveilles avec les trois petits cochons, tandis que de Norman Ferguson donne au loup un côté à la fois extrêmement comique mais aussi menacant. Le cartoon se distingue également par sa bande son, dont l'inoubliable chanson Qui a Peur du Grand Méchant Loup ? composée par Frank Churchill. Ce morceau fut le véritable premier succès musical du studio. Les Trois Petits Cochons reçu l'Oscar du Meilleur Court-Métrage en 1933, le second après Des Arbres est des Fleurs gagné l'année précédente. Fort de ce succès, le cartoon eu droit à trois suites (une premier pour le studio) : Le Grand Méchant Loup (1934), Les Trois Petits Loups (1936) et Le Cochon Pratique (1939).
À partir de 1934, et le début de la production de Blanche Neige et les Sept Nains, les Silly Symphonies deviennent un grand laboratoire, permettant de tester les différentes techniques qui seront exploités dans le film. Les animateurs ont désormais la possibilité (voir l'obligation) d'assister à des courts d'anatomie, on fait venir des animaux au studio afin d'étudier leurs mouvements et améliorer l'animation des personnages, etc. L'animation d'humains est encore, en 1934, un défi à relever. Il est pourtant indispensable pour faire du personnage de Blanche Neige une héroïne inoubliable. Les animateurs s'entaînent ainsi sur le cartoon La Déesse du Printemps. On est encore loin de la qualité d'animation de Blanche Neige mais les artistes sont sur la bonne voie.

    
De g. à d. : Elmer l'Eléphant (1936) - Hiawatha, le Petit Indien (1937) - Le Vieux Moulin (1937)

En dehors de l'animation, les effets spéciaux ont également droit à une batterie de test dans les Silly Symphonies. Les ombres sont ainsi testées avec plusieurs techniques différentes selon le cartoon, avant de trouver la plus adéquate. La pluie, les effets de fumée ou bien encore de reflets sont également étudié sous tous les angles. En 1937, le cartoon Le Vieux Moulin réunit toutes ces innovations. Mais c'est surtout le premier cartoon à utiliser la toute dernière invention des studios : la caméra muliplane. Cette nouvelle génération de caméra, inventé par Bill Garity, permet de donner une impression de profondeur encore jamais vu en animation, grâce à l'utilisation ingénieuse de décors peints sur des plaques de verre placées plus ou moins loin de la caméra. Alliée aux décors, effets spéciaux et animations très réalistes, cela donne une oeuvre inoubliable, récompensée par l'Oscar du Meilleur Court Métrage en 1937.
Après la sortie de Blanche Neige et les Sept Nains,, la réalisation de nouveaux Silly Symphonies commence à s'éssouffler. Les raisons sont multiples. Tout d'abord, grâce à son nouveau contrat avec la RKO, Walt Disney n'a plus l'obligation de sortir un nombre défini de cartoon de cette série. Même si le nombre de cartoons à produire reste identique, il est désormais libre de choisir quelle série mettre plus en avant. Ensuite, les animateurs sont désormais très occupés avec la réalisation de plusieurs long métrages d'animation. Enfin, depuis sa création, la série des Silly Symphonies a vu naître d'autres séries centrées sur des personnages emblématiques (Donald Duck, Pluto, Dingo) au nombre de cartoons croissant. Ainsi, après dix années d'existence, la série des Silly Symphonies tire sa révérence en 1939, après la sortie du cartoon Le Vilain Petit Canard. Une fin en beauté, le cartoon ayant reçu l'Oscar du Meilleur Court-Métrage la même année !

    
De g. à d. : Symphonie de Court de Ferme (1938) - Le Cochon Pratique (1939) - Le Vilain Petit Canard (1939)

S'étalant sur une décennie riche en évolution, les Silly Symphonies ont su au fil du temps devenir la vitrine des innovations techniques des Walt Disney Animation Studios. Bien que ne possédant pas de personnages principaux récurrents, la série a réussi à marquer son époque grâce à des musiques entraînantes, des scénarios toujours plus fouillées, une technique toujours en avance sur son temps et des personnages inoubliables. Récompensée de huit Oscars du Meilleur Court Métrage, la série des Silly Symphonies pose la première pierre de la reconnaissance des Walt Disney Animation Studios comme meilleur studio d'animation de leur temps ! 

La Danse Macabre (1929) : 

The Clock Store (1931) : 

Des Arbres et des Fleurs (1932) : 

Les Enfants des Bois (1932) : 

Les Trois Petits Cochons (1933) : 

L'Arbre de Noël (1933) :

La Cigale et la Fourmi (1934) : 

Une Petite Poule Avisée (1934) : 

La Déesse du Printemps (1934) : 

Bébés d'Eau (1935) : 

Carnaval des Gâteauxl (1935) : 

 Jazz Band contre Symphony Land (1935) : 

Trois Petits Orphelins (1935) : 

Broken Toys (1935) : 

Elmer l'Eléphant (1936) :

Les Trois Petits Loups (1936) :

Trois Espiègles Petites Souris (1936) :

Cousin de Campagne (1936) :

Cabaret de Nuit (1937) :

Hiawatha, le Petit Indien (1937) :

Le Vieux Moulin (1937) :

Le Papillon et la Flamme (1938) :

Au Pays des Étoiles (1938) :

Symphonie de Court de Ferme (1938) :

Mother Goose Goes Hollywood (1938) :

Le Vilain Petit Canard (1939) :

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The Great Mouse Detective (Basil, Détective Privé) est le 26ème long métrage des Walt Disney Animation Studios. Après le flop de Taram et le Chaudron Magique sorti un an plus tôt, la nouvelle génération d'artistes  ayant pris la relève des Nine Old Mens se devait de retrouver le succès avec ce nouveau film. Mais en raison du manque d'argent dans les caisses des studios, le budget du film fut des plus minimalistes... Malgré cela Basil, Détective Privé fut à plus d'un titre un véritable ban d'essai grandeur nature pour la nouvelle génération d'artistes désireux de montrer l'étendue de leurs talents.

Pas moins de quatre réalisateurs furent choisis pour venir à bout de ce projet, deux anciens (Burny Mattinson et David Michener) et deux jeunes (John Musker et Ron Clements) :
- Burny Mattinson : arrivé aux studios Disney en 1953, il fut animateur sur de nombreux films comme La Belle au Bois Dormant, Les 101 Dalmatiens, Robin des Bois ou bien encore Les Aventures de Winnie l'Ourson. Il deviendra par la suite scénariste et travaillera sur Les Aventures de Bernard et Bianca, Rox et Rouky et Taram le Chaudron Magique. Basil, Détective Privé est sa seconde réalisation après Le Noël de Mickey sorti en 1983. Il redevient ensuite scénariste et participera à La Belle et la Bête, Aladdin, Le Roi Lion, Pocahontas, une Légende Indienne, Le Bossu de Notre-Dame, Mulan, Tarzan et enfin au tout dernier court métrage de Dingo, How to Hook Up Your Home Theater sorti en 2007.
- David Michener : David est arrivé chez Disney au milieu des années 60, il travailla en tant qu'animateur sur Winnie l'Ourson et l'Arbre à Miel et Les Aristochats avant de devenir scénariste et de participer aux côtés de Burny Mattinson à l'histoire des (Les) Aventures de Bernard et Bianca et Rox et Rouky. Après avoir coréalisé Basil, Détective Privé il participe au scénario d'Oliver & Compagnie puis quitte les studios pour travailler sur divers séries animées et projets personnels.
Les deux autres réalisateurs ne sont autre que le célèbre duo John Musker / Ron Clements dont c'est la toute première réalisation. Les deux artistes sont arrivés à la fin des années 70, début des années 80 aux studios Disney après une formation à CalArts. Après avoir été animateurs sur Rox et Rouky les deux compères devinrent scénaristes sur Taram et le Chaudron Magique avant d'avoir la chance de devenir réalisateur sur Basil, Détective Privé.

On retrouve également sur la production de ce film de futurs grand noms de l'animation Disney comme Glen Keane (animateur d'Ariel, la Bête, Tarzan) qui anime ici le professeur Ratigan ou Andreas Deja (animateur de Jafar, Scar, Lilo) qui s'occupera, entre autre de la Reine des souris.
Malgré son budget serré, Basil, Détective Privé est un film novateur sur bien des points et particulièrement grâce à l'utlisation de l'outil 3D. C'est en effet le tout premier long métrage d'animation à utiliser l'ordinateur comme réel outil d'animation! On retrouve ainsi cette technique novatrice durant la scène finale dans l'horloge où tout les rouages sont réalisés en images de synthèse. Pour la toute première fois la caméra pouvait se mouvoir en toute liberté dans les décors, permettant des plans jusqu'alors impossibles à réaliser. Mais comme à l'époque les textures enveloppant les différents polygones n'étaient pas encore assez évolués, seule les lignes étaient animés par ordinateur, elles étaient ensuite décalqué puis les surfaces étaient peintes à la main. On retrouvera cette technique un peu plus tard dans Oliver & Compagnie (les véhicules dans les rues de New York) puis dans La Petite Sirène (quand Ariel descend les escalier dans le palais du prince Eric). Avec l'évolution des technologies, la 3D put ensuite être utilisé avec textures comme dans la magnifique scène du bal dans La Belle et la Bête ou l'impressionnante fuite des gnous dans Le Roi Lion. Aujourd'hui l'animation 3D a surpassé la 2D en prenant littéralement sa place en haut de l'affiche, la faisant ainsi quasi disparaître au grand dame de certains puristes...

Basil, Détective Privé est sorti dans les salles américaines le 2 juillet 1986. Les recettes furent correctes (25 millions de $ de recette) mais surtout rassurantes pour la compagnie après le bide de Taram et le Chaudron Magique sorti un an auparavant! De plus le film a tout de même eu un succès d'estime plutôt remarquable et ses héros restent encore aujourd'hui dans le cœur de nombreux fans. Annonçant une nouvelle ère, Basil, Détective Privé reste un film charnière bloqué entre la période la plus sombre des studios et un nouvel âge d'or qui les verra renaître...

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Nouvelle franchise Disney, Le Monde de Narnia fut porté pour la première fois à l'écran en 2005 avec un premier chaptire, Le Lion, la Sorcière Blanche et l'Armoire Magique. L'oeuvre littéraire originale (Les Chroniques de Narnia) est une série classique de sept livres qui, traduits en 29 langues, se sont vendus à plus de 85 millions d'exemplaires dans le monde. Cette saga, la deuxième série de livres la plus vendue au monde après Harry Potter, a débuté avec la publication de L'Armoire Magique en 1950. Six romans ont suivi au rythme d'un par an au cours des six années suivantes, dont le "prequel", Le Neveu du Magicien, et les suites, Le Cheval et son Cavalier, Le Prince Caspian, L'Odyssée du Passeur d'Aurore, Le Fauteuil d'Argent, et La Dernière Bataille.

Cette saga est l'oeuvre de l'écrivain irlandais C. S. Lewis. Né à Belfast le 29 novembre 1898, Lewis était un écrivain et universitaire connu pour ses travaux sur la littérature médiévale, ses ouvrages de critique littéraire et d'apologétique du christianisme, et bien sur pour la série des Chroniques de Narnia. Il était un ami très proche de J. R. R. Tolkien, l'auteur du Seigneur des anneaux, aux côtés duquel il enseigna à la faculté de littérature anglaise de l'université d'Oxford ; il faisaient tous deux partie du cercle littéraire des Inklings. En partie grâce à l'influence de Tolkien, Lewis se convertit au christianisme, devenant, selon ses propres termes, « un très ordinaire laïc de l'Église d'Angleterre» ; cette conversion eut de profondes conséquences sur son œuvre. Les chroniques radiophoniques sur le christianisme qu'il donna au cours de la Seconde Guerre mondiale lui assurèrent une grande popularité, confirmée par le succès de ses ouvrages d'apologétique. C. S. Lewis est mort le 22 novembre 1963 à Oxford.

Le Monde de Narnia - Chapitre 1 : Le Lion, la Sorcière Blanche et l'Armoire Magique est la première réalisation en prise de vue réelle d'Andrew Adamson, le réalisateur des deux premiers volets de la saga Shrek. Andrew est un grand fan de la saga depuis son enfance et fut enchanté de pouvoir participer à ce projet. Le film a été tourné dans les deux îles néo-zélandaises, celle du Nord et celle du Sud, sur une période de cinq mois. Après presque quatre mois de travail en studio à Auckland, l'équipe s'installe dans les superbes lieux choisis à Queenstown, Oamaru et dans la région de Christchurch dans l'île sud, avant de s'établir à Londres et en République Tchèque pour les prises de vues additionnelles. Le tournage s'achève en janvier 2005 avant qu'Andrew Adamson n'entame le processus de postproduction d'un an conduisant à la sortie mondiale du film en décembre 2005.

Il est évident que sans la trilogie du Seigneur des Anneaux, la sage du Monde de Narnia n'aurait jamais intéressé les studios Disney. Certain contradictoires comparèrent d'ailleurs Narnia à un Seigneur des Anneaux pour enfants. Le premier chapitre rencontra tout de même un franc succés à travers le monde et rapporta près de 720 millions de dollars de recette. Il n'en fut pas de même avec le second volet sorti en 2008 qui ne rapporta "que"  400 millions de dollars. De ce fait, Disney décida de se séparer de la franchise, alors reprise par la Fox. Le troisième volet de la saga, Le Passeur d'Aurore, est prévu pour une sortie en 2010.

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Peintures numériques d'Henrik Tamm :

Peintures numériques de Rowan Cassidy :

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Le 16 septembre 2006 s'ouvrait à Paris la plus grande exposition jamais consacrée à l'art des studios Disney en Europe : Il Etait une Fois Walt Disney, aux Sources de l'Art des Studios Disney. C'était la première fois que Walt Disney faisait son entrée dans un musée aussi prestigieux, au grand dame de certains intellectuels qui ne voyaient en lui qu'un simple producteur de cinéma et non un artiste à part entière. Mais Bruno Girveau, le conservateur de l'exposition percevait les choses d'un autre oeil. Pour lui Walt Disney (et toutes les productions de son studio) était un visionnaire qui a sut allier Art et divertissement avec brio et développer l'animation jusqu'à un niveau encore jamais atteint auparavant. Après moult négociations avec les musées nationaux de France, Bruno Girveau réussit à monter cette exposition au Grand Palais avec la collaboration de Dominique Païni et de l'historien d'animation Pierre Lambert.

Le but premier de l'exposition était de montrer les influences européennes et artistiques de Disney à travers une grande partie de ses productions (de Steamboat Willie en 1928 à (Le) Livre de la Jungle en 1967). Aux côtés de centaines de peintures, croquis, statues des différents films des studios Disney se trouvaient de nombreux ouvrages et dessins d'illustrateurs et de peintres ayant servit de modèles au maître de l'animation et à son équipe. Parmis eux on retrouve Heinrich Kley, Eugène Grasset, Grandville, Philippe Rousseau, Richard Doyle, William Blake ou bien encore Beatrix Potter. Tous de grands artistes du XIXème siècle. C'est lors d'un voyage en Europe en 1935 que Walt découvrit un grand nombre d'entre eux, il revint de son périple avec une bibliothèque entière pour lui et ses artistes. Son but était de s'imprégner de tout ces dessinateurs et peintres pour leur projet de premier long métrage d'animation, Blanche Neige et les Sept Nains alors en préparation. Inspiré d'un conte des frères Grimm, le film se devait d'être également respectueux du style graphique de l'Art européen. 

Walt Disney sera énormément influencé par l'Europe durant toute sa carrière, l'exposition s'attarde ainsi longuement sur cet aspect. Nombre de ses productions seront des adaptations de contes et récits européens très célèbres comme Pinocchio, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles ou La Belle au Bois Dormant. Bien évidement chaque histoire fut soigneusement remaniée et presque tout les aspects violent ou négatifs supprimées. Certainement une des raisons du mépris de certains pour les films Disney qu'ils jugent alors trop gentils et niais... Dans les années 50, Walt Disney crée Disneyland et de nouveau l'influence européenne est frappante, il en sera de même dans tout les resorts de la firme. On retrouve d'ailleurs posée au milieu d'une des pièces de l'exposition un maquette du château de La Belle au Bois Dormant de Disneyland Resort Paris.

La dernière partie de l'exposition s'attardait non plus sur les influences des films mais sur les artistes ayant été influencés par Disney. Les productions des studios Disney font depuis longtemps partie intégrante de l'inconscient collectif. Dès le début des années 30 Mickey Mouse était exploité sur de nombreux supports jusqu'à l'écoeurement pour certain (cinéma, BD, produits dérivés). En très peu de temps il devint le symbole de tout une Amérique. En 1948, l'artiste Eduardo Paolozzi est le premier à faire référence à Disney en associant dans une de ses oeuvres le visage de Minnie et de l'actrice Lucie Ball, archétype de la femme américaine des années 40. Dans les années 60 le mouvement Pop Art exploite à nouveau la marque, Disney représentant le summum du monde la consommation qui était le fond de commerce du mouvement. En 1981, Andy Wharol crée ainsi plusieurs sérigraphies mettant en scène la souris aux grandes oreilles (l'une d'elle est d'ailleurs présente sur la bannière de ce blog). Les références à Disney furent également très nombreuses dans les années qui suivirent et présentes dans la majorité des mouvements artistiques contemporains. 

L'exposition s'étala sur quatre mois du 16 septembre 2006 au 15 janvier 2007 et fut un immense succès! Après Paris toute les oeuvres partirent pour Montréal pour encore trois mois et demi supplémentaires, du 8 mars au 24 juin 2007. Plusieurs ouvrages sortirent à l'occasion de cette exposition exceptionnelle, le catalogue de l'exposition bien sur mais aussi un documentaire en DVD développant certain point abordés dans l'exposition ainsi qu'un livre à destination des plus jeunes (qui n'étaient d'ailleurs pas la cible visée de cette expo). Enfin, Pierre Lambert profita de cet évènement pour sortir son nouveau livre Walt Disney L'Age d'Or retraçant en partie l'histoire de la production des films d'animation Disney de 1928 à 1967 accompagné de magnifiques dessins de productions.
L'exposition Il Etait une Fois Walt Disney, aux Sources de l'Art des Studios Disney fut plus qu'une simple exposition, c'était une véritable reconnaissance du milieu de l'Art au maître du divertissement moderne et à son studio d'animation, la preuve indéniable que ses films sont désormais considérés par tous comme de véritables oeuvres d'Art. Pour terminer je vous invite à découvrir ci-dessous un reportage qu'avait réalisé à l'époque de l'exposition le site DLRP.fr (aujourd'hui fermé) avec en prime une interview de l'instigateur de cet évènement, Bruno Girveau :

Il était une fois Walt Disney
envoyé par DLRP-fr

Le Blu-ray est une merveilleuse invention. Grâce à sa qualité vidéo de 1920x1080p nous pouvons enfin admirer nos films d'animation favoris dans des conditions optimales. Tout devient claire, aucun détail de l'image ne peut plus vous échapper, les contours des personnages sont nets, les couleurs chatoyantes et les décors sublimés. Cela faisait un moment que je cherchais une solution pour faire des captures d'écran de Blu-ray, j'enrageais de ne pouvoir vous faire partager les nombreuses  galeries de recherches graphiques en HD présentes sur les Blu-ray de Blanche Neige et le Sept Nains, Pinocchio ou La Belle et au Bois Dormant. Je n'ai malheureusement pas encore trouvé la solution pour les galeries (si vous en avez une je suis preneur!), mais par contre j'ai réussi à capturer des images du film en full HD! Cela m'a permis de reconstituer des décors à partir de plusieurs images d'une même scène. Permettez moi donc de vous présenter mes premiers essais en vous dévoilant quelques décors tirés de Blanche Neige et les Sept Nains. N'hésitez pas à me dire ce que vous en pensez sur la page facebook du blog!

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Bill Peet est né à Grandview dans l'Indiana, le 29 jenvier 1915. D'une famille pauvre, il grandit à Indianapolis. Il commence très tôt à écrire des histoires en les illustrant, sans imaginer un jour vivre de cette passion. Pendant sa scolarité, il remporte un concours offrant une bourse d'étude au John Heron Art Institute d'Indianapolis. Sa vie bascule le premier jour de classe lorsqu'il fait la connaissance de Margaret Brunst, qu'il épouse quatre ans plus tard. A sa sortie de l'école en 1936, Peet débute sa carrière professionnelle en dessinant des cartes de vœux pour une entreprise située dans l'Ohio.

   
               Dumbo (1941)                                           Mélodie du Sud (1946)                                 Cendrillon (1950)

Un jour, il découvre une brochure publicitaire incitant les jeunes artistes à rejoindre les studios Disney. Il propose sa candidature et reçoit une réponse favorable. Il se rend immédiatement à Los Angeles et se présente au studio d'Hyperion Avenue le 9 septembre 1937. Après un mois d'essai sous la direction de George Drake, il est engagé comme intervalliste sur les courts métrages de Mickey Mouse et Donald Duck, puis participe à quelques scènes de Blanche Neige et les Sept Nains.
En parallèle à son travail d'intervalliste, qui, comme d'autres artistes des studios, ne le passionne pas, il propose quelques idées de personnages pour le projet de Pinocchio (des monstres pour la séquence abandonnée de Bogyland). Un matin, il trouve sur son bureau une enveloppe contenant 25 dollars et l'informant de sa nouvelle affectation au département scénario.

       
       Peter Pan (1953)                    La Belle au Bois Dormant (1959)             Bill Peet vers 1964

Il fait son apprentissage pendant deux ans sur Pinocchio (il n'est pas crédité au générique), puis élabore le storyboard de La Symphonie Pastorale de Fantasia. C'est lors de la préparation de Dumbo que Walt Disney réalise que Bill Peet est un conteur hors norme. Il fait équipe avec Dick Huemer et Joe Grant, et se concentre plus particulièrement sur les séquences mettant en scène Dumbo bébé.
En 1941, Bill Peet participe à la grande grève des studios. Furieux, Walt Disney le rétrograde alors en tant que simple dessinateur de storyboard sous la direction de T. Hee pour le projet de Peter Pan. Mais Peet est l'un des premiers artistes à revenir aux studios avant la fin de la grève et Disney lui pardonne rapidement. Il devient alors le pilier du département storyboard et le scénariste préféré de Walt Disney, avec qui il partage le même don pour scénariser une histoire. Il dessine le storyboard de séquences entières pour Victory Through Air Power, Les Trois Caballeros, Mélodie du Sud, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan, La Belle et le Clochard, La Belle au Bois Dormant et Le Livre de la Jungle.

Merlin l'Enchanteur (1963)

Au début des années 1960, il dessine seul le storyboard complet de Les 101 Dalmatiens et Merlin l'Enchanteur, il en écrit l'adaptation, crée les principaux personnages et supervise l'enregistrement des voix des comédiens.
Bill Peet œuvra également aussi sur de nombreux courts métrages, comme Tigger Trouble de Jack Kinney (1945), Susie, the Little Blue Coupe de Clyde Geronimi (1952) ou bien encore Ben and Me d'Hamilton Luske (1953).
En 1959, il illustre son premier livre pour enfants Hubert's Hare-Raising Adventure. Il quitte les studios Disney en 1964, et se consacre pleinement à sa carrière d'auteur et illustrateur de livres pour enfants.
En 1989, il raconte sa vie et son expérience de dessinateur dans son autobiographie illustrée : Bill Peet, An Autobiography, publiée aux éditions Houghton Mifflin Company. En 1996, Bill Peet obtient le titre de Disney Legend pour ses trente années au services des Walt Disney Animation Studios. Il nous quittera quelques années plus tard, le 11 mai 2002.

Filmographie :

- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (intervalliste)
- Pinocchio (1940) (scénariste)
- Fantasia (1940) (storyboard)
- Dumbo (1941) (scénariste et storyboard)
- Les Trois Caballeros (1945) (scénariste)
- Tiger Trouble (1945) (scénariste)
- African Diary (1945) (scénariste)
- A Knight for a Day (1946) (scénariste)
- Mélodie du Sud (1946) (scénariste et storyboard)
- Mickey et le Haricot Magique (1947) (scénariste)
- Danny et le Petit Mouton Noir (1949) (scénariste)
- Cendrillon (1950) (scénariste et storyboard)
- Wonder Dog (1950) (scénariste)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (scénariste et storyboard)
- Lambert et le Lion Bêlant (1952) (scénariste)
- Susie, le Petit Coupé Bleu (1952) (histoire originale, adaptation et storyboard)
- La Petite Maison (1952) (adptation de l'histoire)
- Peter Pan (1953) (scénario et storyboard)
- Franklin et Moi (1953) (scénariste)
- La Belle et le Clochard (1955) (scénariste)
- The Truth About Mother Goose (1957) (scénariste)
- La Belle au Bois Dormant (1959) (scénariste)
- Goliath II (1960) (scénariste)
- Les 101 Dalmatiens (1961) (scénariste et storyboard)
- Merlin l'Enchanteur (1963) (scénariste et storyboard)
- Le Livre de la Jungle (1967) (scénariste et storyboard)

LE JOUEUR D'ÉCHECS (1997)

Durant la production de Toy Story, Pixar décida de maintenir sa division publicité ouverte (division chargée de produire des publicités en images de synthèse pour la télévision). Selon Ed Catmull il était préférable de garder cette division en activité jusqu'à la sortie de leur second film, permettant ainsi de régulières rentrées d'argent. C'est à cette époque que Jan Pinkava fut embauché par Pixar pour superviser cette division.
Pinkava était un grand admirateur des courts métrages du studio et c'est la raison principale qui l'avait poussé à postuler chez Pixar, son but était alors de réaliser un jour son propre court métrage. Presque aussitôt après son arrivée, il suggéra que la division publicité pourrait réaliser un court métrage au court des temps d'arrêt entre deux productions. Il lui faudra attendre jusque 1995, lorsque Ed Catmull et John Lasseter décidèrent de redynamiser la division court métrage du studio, pour voir son rêve se réaliser.
La reprise de production des courts métrages (arrêté en 1989 pour mettre en chantier Toy Story) est plus un choix artistique qu'économique pour Pixar. En effet tout le monde au studio savait que la production de programmes courts n'était plus rentable. Avec la mise en chantier de leur deuxième long métrage (1001 Patte (a bug's life)) Pixar aurait très bien put s'en passer. Mais Ed Catmull insista sur l'importance de ces productions à petite échelle. Selon lui ces films permettaient au studio de rester connecté au reste du monde de l'animation. Pixar faisait désormais parti des grands de l'animation mondiale, et la production de courts permettait au studio de continuer à participer à de nombreux festivals d'animation (dont le célèbre festival d'Annecy), d'être reconnu par leurs paires autant que par le public. Au delà de cette noble cause, les court métrages permettraient aussi à Pixar de tester de nouvelles idées sans trop de risques, d'exercer de jeunes talents et de perfectionner les nouvelles technologies de l'animation.

Jan Pinkava fut alors choisi pour diriger le premier court métrage de seconde génération. Ed catmull  lui donna carte blanche pour le scénario, la seule contrainte était que le court devait mettre en scène un personnage humain. Pinkava fut déstabilisé par ce choix car en vérité il avait déjà étudié de nombreuses idées pour un court métrage, mais seulement une seule avec un être-humain!
En dépit de cette contrainte, Pinkava était certainement le mieux placé pour relever le défi de Catmull. Passionné d'animation depuis l'enfance, Pinkava avait gagné en 1979 le premier prix de la Young Film Maker's Competition, son travail fut ensuite diffusé dans l'émission pour enfants de la BBC, Screen Test. Mais Pinkava était également intéressé par les ordinateurs et la programmation. Il étudia ainsi l'informatique pour finalement obtenir un doctorat en robotique théorique. C'est grâce à ses connaissances artistiques et scientifique que Pinkava put par la suite réaliser avec brio Le Joueur d'Échecs.

Pinkava décida que le personnage humain serait à l'opposé du bébé crée pour Tin Toy. Il fit ainsi d'un vieillard le héros de son court métrage. Il esquissa plusieurs scénarios : dans l'un deux, le vieil homme jouait avec l'ascenseur de son immeuble, dans un autre il était impliqué dans une bataille avec un canard gourmand qui souhaitait lui voler son déjeuner. Une autre idée était plus expérimental : un vieil homme qui jouait aux échecs contre lui-même...
Pinkava s'inspira de son grand-père qui jouait toujours à ce jeu de cette manière. Ce qui intéressa particulièrement le réalisateur fut l'idée du dédoublement de personnalité, et les conséquences qui en découlent. Pour le côté absurde de la situation il s'inspira de l'humour des Monty Python et de l'espièglerie cinématographique de Norman McLaren.

Le design du vieillard fut inspiré par le travail du cinéaste d'animation tchèque Jiří Trnka. Né en République Tchèque en 1963, Jan Pinkava connaissait bien le travail de l'artiste qui marqua plusieurs générations de jeunes tchèques avec ses films de marionnettes et ses illustrations de livres pour enfants. En tant que sculpteur accompli, Pinkava étudia également le travail d'artistes comme Rodin, Degas, Vigeland, ou bien encore Daumier, qui inspirèrent grandement son travail sur le personnage.

En ce qui concerne la technique, deux grosses innovations furent crée pour Le Joueur d'Échecs. La première concernait l'élasticité de la peau du vieillard. Pinkava souhaitait un rendu le plus réaliste possible pour son personnage, tout en gardant des traits caricaturaux. Le défi fut confié à Tony DeRose qui était décrit par Ed Catmull comme "le plus grand expert au monde en surface mathématiques." L'homme inventa alors un nouveau rendu de surface appelé "subdivision surfaces." La technologie de DeRose fut utilisé par le directeur technique Paul Aichele pour construire le modèle digital de la tête du vieillard, incluant une centaines de contrôles faciaux, permettant aux animateurs de créer des expressions faciales bien plus subtiles qu'auparavant. La technique fut également utilisé pour les mains et les vêtements du personnage. Cette dernière fut si intéressante qu'elle fut intégrée à la production de 1001 Patte (a bug's life) alors que le film était à la moitié de sa production !

La seconde grosse innovation technique crée pour Le Joueur d'Échecs concerne l'animation des vêtements. Il était impossible de demander à un animateur d'animer plis après plis les différents vêtements du vieillard, ce n'était même pas faisable pour une production à grande échelle alors encore moins pour un court métrage. Il fallait donc créer un simulateur pour un rendu réaliste du mouvement des vêtements. Le directeur technique Michael Kass passa alors plus d'une année à créer un simulateur pour que la veste de Geri se déplace comme un tissu réaliste. La tâche était ardu et l'équipe de développement eu affaire à de nombreux problèmes avec l'animation des vêtements du vieillard, mais ils finirent par aboutir à une animation très naturelle.

Le Joueur d'Échecs est sorti en 1997 et reçu d'excellentes critiques. Comme Tin Toy à son époque, Le Joueur d'Échecs gagna l'Oscar® du meilleur court métrage d'animation. Ce qui fit encore plus plaisir à l'équipe du film était de voir que le public s'intéressait d'avantage au caractère du personnage principal qu'aux techniques novatrices crée pour le film, tout comme ce fut le cas pour Luxo Jr. à sa sortie en 1986.
Brad Bird fut très impressionné par le court métrage, en particulier en voyant comment Pixar avait réussi à rendre un personnage humain très crédible et vivant en images de synthèse, tout en gardant un côté caricatural très poussé. C'est ce film qui le convint de s'intéresser de plus près à l'animation 3-D, ce qui l'amena quelques années plus tard à venir réaliser chez Pixar Les Indestructibles, le premier long métrage d'animation 3-D avec des humains comme personnages principaux. Mais ceci est une autre histoire...

Claude Coats est né le 17 janvier 1913 à San Francisco. Il fait ses études à l'université de Californie du Sud et obtient son diplôme d'architecte en 1934. Il s'inscrit au Chouinard Art Institute de Los Angeles, puis intègre le département décor des studios Disney en juin 1935.
Il y fait la connaissance de Gustaf Tenggren, avec qui il collabore sur Little Hiawatha (1937), réalisé par David Hand. Après quelques mois d'apprentissage, il rejoint l'équipe de décorateurs de Blanche Neige et les Sept Nains, dirigée par Samuel Amstrong.
En 1938, il crée les fonds du plus célèbre court métrage de Mickey, L'Apprenti Sorcier. Il retrouve Gustaf Tenggren lors de la production de Pinocchio et réalise les magnifiques décors de l'atelier de Geppetto. Claude Coats dispose d'une aptitude unique à transcrire une ambiance et apporter de la matière aux objets, ce qui leur confère une vie propre. Il s'inspire des harmonies colorées de Tenggren, mais impose aussi son originalité. Les décors peints par Claude Coats possèdent un style, reconnaissable à l'équilibre des couleurs, l'utilisation de la lumière et l'impression de profondeur.
En trente ans de carrière, nous lui devons quelques-uns des plus beaux décors de Fantasia, Dumbo, Saludos Amigos, Victory Through Air Power, Les Trois Caballeros, La Boîte à Musique, Mélodie du Sud, Mélodie Cocktail, Le Crapaud et le Maître d'Ecole, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan et La Belle et le Clochard. Il signe aussi les décors de nombreux courts métrages comme The Art of Skiing (1941) et Tiger Trouble (1945) de Jack Kinney, Dog Watch (1945) et Cat Nap Pluto (1948) de Charles Nichols, Motor Mania (1950) de Jack Kinney, The Little House (1952) de Wilfred Jackson, How to Dance (1953) et How to Sleep (1953) de Jack Kinney, Ben and Me (1953) de Hamilton Luske, et Up a Tree (1955) de Jack Hannah.
En 1955, Walt Disney lui demande de rejoindre l'équipe de conception de Disneyland. On lui doit les décors des plus célèbres attractions, dont "it's a small world", Mr Toad's Wild Ride, Snow White's Scary Adventures, Pirates of the Caribbean et The Haunted Mansion. Dans les années 1970, il continue son travail de directeur artistique pour Disneyworld et EPCOT Center en Floride, et Tokyo Disneyland au Japon.
Il prend sa retraite en 1989 et s'éteint le 9 janvier 1992 à Los Angeles. De l'avis de tous, il fut le plus talentueux décorateur de l'histoire des studios Disney. Il reçut le titre de Disney Legend en 1991, quelques mois seulement avant sa disparition.

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Blanche Neige et les Sept Nains :

Pinocchio :

Fantasia :

Cendrillon :

Alice au Pays des Merveilles :

Peter Pan :

La Belle et le Clochard :

Attraction The Haunted Mansion :

The Three Caballeros (Les Trois Caballeros), septième long métrage des Walt Disney Animation Studios est sorti le 3 février 1945. Sa production débuta en 1941, après le retour d'un groupe d'artistes des studios d'un grand voyage en Amérique du Sud. Ce voyage avait pour but de promouvoir les valeurs américaines et parer ainsi la montée de l'influence de l'Allemagne nazie dans les différents pays du sud du continent.
Les temps sont durs aux studios Disney, après la fermeture du marché européen en 1939, une grève générale éclate en 1941, la plupart des employés réclamant les primes qui leur avaient été promises durant la production de Blanche Neige et les Sept Nains. Au lieu de satisfaire ses employés, Disney avait alors décidé de mettre en chantier de nouveaux studios à Burbank, jugeant ceux d'Hyperion Avenue désormais trop petits. La proposition du gouvernement américain d'envoyer Walt Disney et son équipe d'artistes en Amérique du Sud arriva donc à point nommé et lui permis ainsi de s'éloigner du conflit. Parmi les artistes qui l'accompagnèrent on trouvait Lee et Mary Blair, Frank Thomas ou bien encore Norm Ferguson. De ce voyage naîtra Saludos Amigos, sorti le 6 février 1943, quelques cartoons et Les Trois Caballeros, pour lequel une partie de l'équipe repartie en voyage pour Mexico afin de développer la partie mexicaine du film.

En revenant aux studios il était prévu que les artistes réalisent uniquement des courts métrages pour mettre à profit leur voyage, mais Walt Disney se rendit vite compte qu'il y avait largement de quoi réaliser un long métrage, voire deux. Il fut ainsi incorporé entre chaque scène animée des images de l'équipe tournée sur place en 16mm par Walt lui-même, afin d'arriver plus facilement (et surtout plus économiquement) au format long métrage.
Les Trois Caballeros a comme particularité d'être le premier Grand Classique Disney mélangeant dans une même scène des séquences live et de l'animation. Ce n'est pas la première fois que les studios Disney utilisaient cette technique qui fut exploitée dès les premières années de vie des studios avec la série des Alice Comedies (1923 -1927). On la retrouvera par la suite dans bon nombre de productions des studios au fil des décennies : Mélodie du Sud, Danny le Petit Mouton Noir, Mary Poppins, L'Apprentie Sorcière, Peter et Elliott le Dragon, Qui Veut la Peau de Roger Rabbit et Il Etait un Fois.

Comme Saludos Amigos, Les Trois Caballeros remporta un vif succés aux Etats-Unis comme en Amérique du Sud et rempli sa tâche à merveille (se rapprocher des pays du sud du continent). Et comme le fit remarquer Walt quelques années plus tard, "le gouvernement n'a pas lâché un centime là-dessus, nous avons financé notre voyage et nos deux films!" Cela fait partie de ses plus grandes fiertés.

Recherches graphiques de Mary Blair :

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Recherches de Pancho (personnage abandonné) par Fred Moore :

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Troisième long métrage des Walt Disney Animation Studios, Fantasia tient une place à part dans la longue liste des films d'animation de la firme. En effet, plus adulte, moins facile d'accès, mettant en avant la magnificence de la musique classique, Fantasia donne à l'animation ses premières lettres de noblesse. Celle-ci n'est alors plus utilisée comme simple outil de distraction mais comme accompagnement visuel (abstrait ou non) des divers oeuvres symphoniques choisies pour l'occasion, le tout dans un seul but : rendre la musique classique accessible au plus grand nombre.

Fantasia est également le tout premier film à profiter de la technologie du son stéréophonique (appelé alors "Fantasound"), procédé sur lequel Walt Disney s'est beaucoup investi. Malgré toutes ces innovations le film fut un échec à sa sortie en 1940, ce n'est qu'après plusieurs ressorties en salle et surtout son arrivée en vidéo que Fantasia fut enfin considéré comme un grand chef-d'oeuvre.

Toccata et fugue en ré mineur
Le Ballet de Casse-Noisette
L'Apprenti Sorcier
Le Sacre du Printemps
La Symphonie Pastorale
La Danse des Heures
Une Nuit sur le Mont Chauve
Ave Maria
Les projets abandonnés

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Il est toujours passionnant de voir l'évolution graphique d'un personnage, de quoi sont parti les character designers et où ils ont aboutis. Voici par exemple quelques recherches sur le personnage de Dumbo l'éléphant volant. Ce n'est peut-être pas le meilleur exemple d'évolution graphique flagrante mais ça vaut quand même le détour :

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La capacité extraordinaire du dessin de Milt Kahl a été reconnue très tôt dans sa carrière à Disney. Son ami animateur et Disney Legend, Monsieur Ollie Johnston se souvient durant la production de Pinocchio, comment un animateur ancien répondit aux dessins de Milt : "Un jour, Freddie Moore, déboule dans mon bureau en disant "Eh, tu devrais voir les dessins (de Pinocchio) que ce type, Milt Kahl a fait : " Walt a  très vite reconnu le talent de Milt et l'a nommé superviseur des animateurs, qui ont donné la vie à Pinocchio.
Des années plus tard, quand Woolie Reitherman directeur du film Merlin l'Enchanteur vit les premiers dessins de Merlin le magicien et de Madame Mim, il se retourna vers Milt et lui dit "Ces dessins sont si beaux, ils pourraient être affichés dans un musée".

Parce que Milt était si bon dans son dessin, il était souvent désigné pour faire les tâches les plus complexes: animer un personnage humain comme Peter Pan, ou Alice dans Alice au Pays des Merveilles ou encore le Prince de La Belle au Bois Dormant. Mais il pouvait aussi animer des personnages animaux comme Bambi ou le Lama de Saludos Amigos ou le lapin, le renard et l'ours de Mélodie du sud.

Milt est né le 22 mars 1909 à San Francisco, où il arrêta très tôt ses études. Pourtant il poursuivit son rêve de devenir un illustrateur de magazine et de bandes dessinées. Pendant qu'il étudiait l'art avec des artistes locaux, il en profitait pour retoucher des photos et dessiner des scénarios pour le "Oakland Post-Enquirer," puis pour le "San Francisco Bulletin." Il commença alors son propre commerce ce qui était très difficile après la grande dépression. Il vit à cette époque le dessin animé Les Trois Petits Cochons de Disney, et fut ébloui par les possibilités de ce jeune art naissant appelé animation.

En juin 1934, Milt postula au Walt Disney Studios, et fut embauché comme assistant animateur sur les courts métrages tels que Mickey's Circus, Lonesome ghosts ou The Ugly Duckling qui gagna un oscar pour le meilleur court métrage animé. Les années suivantes, Milt contribua aux succès de Melody Cocktail ou Le Crapaud et le Maître d'Ecole, Cendrillon, La Belle et le Clcochard, Les 101 Dalmatiens, Le Livre de la Jungle et Les Aventures de Bernard et Bianca entres autres.
Après environ 40 années de travail chez Disney, Milt pris sa retraite en 1976 pour retourner dans sa contrée natale et profiter de son temps libre pour développer d'autres intérêts dans l'art. Il décéda le 19 avril 1987.

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Filmographie :

- Les Joyeux Mécaniciens (1935) (intervalliste)
- Mickey Pompier (1935) (intervalliste)
- Elmer l'Eléphant (1936) (animateur)
- Le Cirque de Mickey (1936) (animateur)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (animateur des animaux de la forêt et du prince)
- Les Revenants Solitaires (1937) (animateur)
- Symphonie de Coure de Ferme (1938) (animateur)
- Ferdinand le Taureau (1938) (animateur)
- Le Vilain Petit Canard (1939) (animateur)
- Pinocchio (1940) (directeur de l'animation de Pinocchio et animateur de Jiminy Cricket)
- Bambi (1942) (animateur de Bambi et Pan-Pan)
- Saludos Amigos (1942) (animateur du Lama)
- The Grain that Built a Hemisphere (animateur)
- Education for Death (1943) (animateur)
- The Winged Scourge (1943) (animateur)
- Chicken Little (1943) (animateur)
- Les Trois Caballeros (1944) (animateur)
- The Cold-Blooded Penguin (1945) (animateur)
- La Chasse au Tigre (1945) (animateur)
- Imagination Débordante (1945) (animateur)
- La Castagne (1945) (animateur)
- La Boîte à Musique (1946) (animateur séquence Les Martin et les Blaise)
- Mélodie du Sud (1946) (directeur de l'animation Frère Lapin)
- Mélodie Cocktail (1948) (directeur de l'animation séquences Johnny Pépin de Pomme et Slue Foot Sue)
- Danny le Petit Mouton Noir (1948) (animateur)
- Le Crapaud et le Maître d'Ecole (1949) (directeur de l'animation)
- Cendrillon (1950) (directeur de l'animation Cendrillon, le Prince, le Grand Duc et la Bonne Fée)
- The Brave Engineer (1950) (animateur)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (directeur de l'animation Alice)
- Peter Pan (1953) (directeur de l'animation Peter Pan, Wendy et les Garçons Perdus)
- Le Lac Titicaca (1955) (animateur)
- La Belle et le Clochard (1955) (directeur de l'animation Lady et le Clochard)
- La Légende de Sleepy Hollow (1958) (animateur)
- La Belle au Bois Dormant  (1959) (animateur Aurore, Prince Philippe et Roi Hubert)
- Les 101 Dalmatiens (1961) (directeur de l'animation Pongo et Roger)
- "Disneyland" (6 épisodes, 1956-1961)
   - Our Unsung Villains (1956) (animateur)
   - All About Magic (1957) (animateur)
   - Disneyland, the Park/Pecos Bill (1957) (animateur)
   - Four Fabulous Characters (1957) (animateur)
   - Inside Donald Duck (1961) (animateur)
   - Kids Is Kids (1961) (animateur)
- Merlin l'Enchanteur (1963) (character designer et animateur de Merlin, Sir Hector et Kay)
- Mary Poppins (1964) (animateur)
- Le Livre de la Jungle (1967) (directeur de l'animation Shere Khan)
- Winnie l'Ourson et l'Arbre à Miel (1968) (directeur de l'animation Tigrou)
- Les Aristochats (1970) (directeur de l'animation Monsieur Hautecourt)
- L'Apprentie Sorcière (1971) (animateur)
- Robin des Bois (1973) (directeur de l'animation Robin, Petit Jean et le Shérif de Nottingham)
- Les Aventures de Bernard et Bianca (1976) (directeur de l'animation Madame Médusa)
- Les Aventures de Winnie l'Ourson (1977) (directeur de l'animation Tigrou)
- Taram et le Chaudron Magique (1985) (character designer)

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Disney Family Album : partie 01 - partie 02 - partie 03

Pencil test Pinocchio

Pencil test Les Aventures de Bernard et Bianca

Un post un peu spécial pour vous annoncer une bien triste nouvelle, Ollie Johnston, le dernier des Nine Old Mens est décédé hier à l'âge de 95 ans. Ce n'est pas dans les habitudes du site de rapporter ce genre d'information mais nous ferons une exception pour ce grand homme au talent immense. Le hasard a voulu que je poste sa biographie trois jours seulement avant sa disparition. Ollie Johnston anima de grands héros et héroïnes de films d'animation Disney tels que Mickey dans Le Brave Petit Tailleur, Pan-Pan dans Bambi, Javotte et Anastasie dans Cendrillon, Monsieur Mouche dans Peter Pan, Alice dans Alice au Pays des Merveilles, les trois fées dans La Belle au Bois dormant, Perdita dans Les 101 Dalmatiens, Archimède dans Merlin l'Enchanteur, Baloo et Mowgli dans Le Livre de la Jungle, les Pingouins dans Mary Poppins, le Prince Jean dans Robin des Bois, Winnie l'ourson et Porcinet dans Les Aventures de Winnie l'Ourson, le chat Rufus dans Les Aventures de Bernard et Bianca, et quelques scènes de Rox et Rouky...
Sa disparition marque la fin des légendaires Nine Old Mens qui font désormais tous partie de la grande Histoire des studios d'animation Disney, qu'il repose en paix et encore merci pour tout ces personnages qui ont fait rêver petits et grands durant près de 50 ans...

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King of the Elves (Le Roi des Elfes) faisait parti des projets de films d'animation mis en chantier après l'arrivée de John Lasseter comme directeur créatif des Walt Disney Animation Studios en 2006. Officiellement annoncé lors d'une conférence de presse en avril 2008, en même temps que plusieurs autres projets des studios, la production du film fut finalement arrêtée en décembre 2009.
Le Roi des Elfes était une adaptation d'une nouvelle de Phillip K. Dick publiée en 1953 et devait être réalisé par le duo de réalisateurs Aaron Blaise et Robert Walker déjà auteurs du film Frère des Ours. Il racontait  l'histoire d'un homme habitant le delta du Mississippi qui devait malgré lui aider un groupe d'elfes qui ont fait de lui leur roi.

En novembre 2009, Robert Walker quitta la réalisation du film pour laisser Aaron Blaise seul aux commandes, officiellement pour raisons de santé. Ce départ aurait-il contraint Disney à abandonner le projet? Aaron Blaise n'avait-il pas la capacité de réaliser le film tout seul? On ne le saura jamais... Prévu pour sortir en 2012, le projet ne verra finalement jamais le jour.
D'autres rumeurs faisaient état d'une trop grande similitude avec l'univers de la saga Arthur et les Minimoys de Luc Beson. Le film aurait également eu quelques soucis scénaristiques et laissa les artistes dans une impasse. Il faut dire que les œuvres de Phillip K. Dick sont peu enclin à être adapté en film d'animation Disney.

Retrouvez ci-dessous quelques croquis de Rune Brandt Bennicke, un artiste danois ayant travaillé sur le film. On y voit les premiers tests graphiques des elfes et du vieillard. Le résultat final aurait bien entendu été différent mais ces dessins nous donnent tout de même une idée de ce que l'on aurait put voir dans le film terminé.

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Depuis l'arrivée de John Lasseter et d'Ed Catmull à la direction des studios d'animation Disney en avril 2006, beaucoup de choses on changé. Parmis ces changements il y eu la décision de mettre plus en valeur le patrimoine des studios. Pour ce faire John Lasseter a pris l'initiative de créer une nouvelle collection de livres officiels avec pour chacun un thème particulier. Le premier à sortir (en décembre 2008) est centré sur l'art du storyboard. Il sera suivi par d'autres volumes centrés sur l'animation, les décors, etc. À cette occasion retrouvez ci-dessous une interview de Lella Smith, responsable des archives des studios d'animation Disney, réalisée par Didier Ghez, le webmaster de Disney History, un excellent blog sur l'histoire de l'animation Disney.

Didier Ghez : Comment en êtes-vous venu à participer à ce projet?

Lella Smith : L'ARL (Animation Research Library) offre souvent des images pour divers livres de la Walt Disney Company, les Art-of et autres livres à thèmes. (La bibliothèque est dépositaire de quelque 60 millions de pièces, toute de véritables œuvres d'art de l'animation Disney) Cela fait un certain temps que nous voulions faire un livre sur les collections de l'ARL, nous en avons maintenant l'occasion. Nous sommes heureux que John Lasseter et Disney Publishing nous donnent enfin cette possibilité.

   
      Steamboat Willie (1928)                                    Blanche Neige et les Sept Nains (1937)

DG : Quelles ont été vos critères pour choisir les différentes œuvres du livre?

LS : Nous voulions des images destinées à inspirer les artistes et à intriguer les novices.  Ce fut un vrai défi de réduire la quantité d'œuvres, pour correspondre à la taille du livre (environ 275 pages). Nous avons dû faire des choix difficiles mais nous sommes fiers de la sélection finale.

DG : Quels ont été les plus surprenantes découvertes que vous avez fait en choisissant les œuvres publiées?

LS : Fox Carney, notre chercheur principal, répondra à cette question  : "Nous avons découvert de nombreux styles de dessins, chacun reflettant l'époque à laquelle il a été réalisé. Nous avons étudié le rendu détaillé des crayonnés de la première ère de l'animation, dans les années 1920 et 1930. Nous avons une nouvelle fois été émerveillé par le style dépouillé de Bill Peet, typiques des années 1940 et 1950. Chaque période artistique semble être exposé à travers les décennies, ces recherches nous ont vraiment permis d'étudier toute l'histoire de l'animation Disney.

Recherches de Kay Nielsen pour la première version de La Petite Sirène (années 40)

Nous avons appris que certains animateurs ont prêté leur talent créatif non seulement pour l'animation, mais étaient également très investi dans la construction du récit. Les storyboards de Marc Davis par exemple montrent vraiment la joie de vivre de Bambi quand il était enfant. Ceux de Glen Keane sont puissants, il expérimente des techniques mixtes, ses fusains montrent bien la férocité de l'ours dans la scène finale de Rox et Rouky. Nous avons appris, par le biais de recherches sur la façon dont ces dessins sont réalisés que chaque storyboard est un travail essentiel, pas seulement pour la structure de l'histoire, mais aussi pour la transmission des émotions, le style ou l'essence du film dans sa totalité. "

DG : Pour de véritables connaisseurs de Disney, quelles seront les temps forts de l'ouvrage?

LS : Nous avons cherché dans nos archives pendant de longues heures, questionner les artistes des studios. Nous avons aussi rencontré John Lasseter qui nous a parlé des ses œuvres favorites. Il est vraiment intéressant de voir que les même travaux ont été mentionnés  un bon nombre de fois.
Les dessins de la scène des éléphants roses dans Dumbo sont fantastiques. Beaucoup de ces pastels monochromes ont été réalisés assez rapidement sur du papier de construction, mais ils sont dynamiques et ils évoquent magnifiquement l'ambiance du film. Susie the Little Blue Coupé est un autre favori des artistes en raison de la période à laquelle il a été réalisé, de son style et de son humour.

   
Cendrillon (1950)                                                     Roxk et Rouky (1980)

DG : Le titre du livre suggère fortement qu'il est le premier d'une série. Pourriez-vous nous en dire un peu plus sur l'avenir de cette série?

LS : Quand John Lasseter est devenu le Chief Creative Officer des studios Disney et Pixar, il a pensé à l'idée de créer une série de livres regroupant les ouevres des studios par catégorie : histoire, animation, conception de base et layouts. Nous voulons également produire des petits livres supplémentaires qui mettent l'accent sur des artistes, des séquences, etc. Notre premier livre mettra en lumière les œuvres de l'artiste Bill Peet.

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Bien que ne faisant pas parti des Nine Old Men (n'étant pas animateur), Joe Grant a tout autant marqué de sa patte les films d'animation des studios Disney pendant de nombreuses décennies. Joe Grant est né le 17 mai 1908 à New York. Il fut engagé aux studios Disney en 1932, et débuta sa carrière sur le court métrage Parade of the Award Nominees. En 1936 Walt Disney lui confie le design de la Reine/Sorcière de Blanche Neige et les Sept Nains. Son travail sur ce personnage fut des plus exceptionnel et le fit entrer directement dans le cercle fermé des grands artistes du studio. Très satisfait, Disney lui confie alors le design des personnages de son prochain film, Pinocchio puis certain de Fantasia. Joe Grant devient ensuite scénariste, poste qu'il gardera durant de nombreuses années. On lui doit le scénario de Baby Weems, une séquence de (Le) Dragon Récalcitrant en 1941, mais surtout l'adaptation de Dumbo durant la même année.

    
Joe et Walt Disney - Joe durant la production de Fantasia - Joe et Dick Huemer durant la production de Dumbo

Après avoir participé au scénario de Saludos Amigos en 1942 on le retrouve sur le scénario de l'excellent court métrage Der Fuehrer's Face sorti en 1943 et qui sera récompensé de l'Oscar du meilleur court métrage d'animation la même année. Durant les années 40 il travaille également sur le scénario de Les Trois Caballeros, ainsi que sur le scénario d'Alice au Pays des Merveilles qui sera retardé à cause de la guerre. Il développe également un projet personnel qui deviendra bien des années plus tard La Belle et le Clochard. Le film fut inspiré de son chien, un épagneule prénommé Lady... C'est d'ailleurs après une grosse dispute avec Walt Disney concernant l'histoire de ce film que Joe Grant claqua (définitivement ?) la porte des studios en 1949. Il crée alors une entreprise de céramique et de carte de visites qui l'occupera de nombreuses années. Il fait tout de même un petit retour à l'animation en 1960 en participant au scénario d'un Popeye, Popeye the Popular Mechanic.

    
Joe devant un storyboard d'Alice au Pays des Merveilles - Marc Davis, Andreas Deja et Joe - Joe Grant et Joe Ranft

Mais Joe n'a pas dit son dernier mot, à sa retraite il retourne travailler aux studios Disney ! Nous sommes en 1989 et l'artiste a alors 81 ans ! On le retrouve par la suite sur de nombreuses productions des années 90 en tant que designer des personnages, développeur visuel et même scénariste. Il travailla ainsi sur La Belle et la Bête, Le Roi Lion, Pocahontas, une Légende Indienne, Le Bossu de Notre-Dame, Hercule, Tarzan et Fantasia 2000. Il participe également au scénario et au développement visuel de Pocahontas, une Légende Indienne, Mulan , La Planète au Trésor et enfin le court métrage Lorenzo, son dernier projet en tant que scénatiste, qui reçu l'Oscar du meilleur court métrage d'animation en 2005. On le retrouve enfin en soutien visuel sur La Ferme de Rebelle et Chicken Little. Il n'était donc pas un simple consultant mais bel et bien un véritable acteur créatif sur tout ces films. Il vint travailler quatre jours par semaine aux studios jusqu'à ses derniers jours. Joe Grant nous quitta le 6 mai 2005, quelques jours avant son 97ème anniversaire, mort d'une crise cardiaque sur sa planche à dessin au sein même des studios Disney... Il est enterré dans le cimetière Forest Lawn Memorial Park de Glendale.

    
Joe dans son bureau des studios Disney - Ollie Johnston, Frank Thomas et Joe - Joe Grant et Floyd Norman

Il resta pour de nombreux artistes la mémoire vivante des studios et un véritable pilier créatif comme affectif. Il reste à ce jour l'artiste ayant travaillé aux Walt Disney Animaton Studios sur la plus longue période, pas moins de 73 ans ! Joe Grant a reçu le titre de Disney Legend en 1992.

Retrouvez une interview de l'artiste sur le site de Michael Barrier (en anglais).

- Parade des Nominées aux Oscars (1932) (animateur)
- Mickey's Gala Premier (1932) (animateur)
- Qui a Tué Rouge Gorge ? (1935) (animateur)
- Broken Toys (1935) (designer personnages)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (designer personnages)
- Pinocchio (1940) (designer personnages)
- Fantasia (1940) (sénariste et designer personnages)
- Le Dragon Récalcitrant (1941) (scénariste)
- Dumbo (1941) (scénariste)
- Der Fuehrer's Face (1943) (scénariste)
- Saludos Amigos (1943) (scénariste)
- The Spirit of '43 (1943) (non crédité)
- Education for Death (1943) (non crédité)
- Reason and Emotion (1943) (non crédité)
- Les Trois Caballeros (1945) (scénariste non crédité)
- La Boîte à Musique (1946) (directeur de production)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (scénariste)
- La Belle et le Clochard (1955) (concept original et storyboards)
- La Belle et la Bête (1991) (développeur visuel)
- Le Roi Lion (1994) (développeur visuel et designer personnages)
- Pocahontas, une Légende Indienne (1995) (scénariste, développeur visuel, designer personnages)
- Le Bossu de Notre-Dame (1996) (développeur visuel et designer personnages)
- Hercule (1997) (développeur visuel et designer personnages)
- Mulan (1998) (scénariste)
- Tarzan (1999) (développeur visuel et designer personnages)
- Fantasia 2000 (concept original)
- La Planète au Trésor ( développeur visuel)
- Loenzo (2004) (scénariste et storyboards)
- La Ferme se Rebelle (2004) (développeur visuel)
- Chicken Little (2005) (développeur visuel)

Blanche Neige et les Sept Nains (1937) :

Pinocchio (1940) :

Dumo (1941) :

Alice au Pays des Merveilles (1951) :

La Belle et le Clochard (1955) :

Pocahontas, une Légende Indienne (1995) :

Le Carnaval des Animaux, Final (2000) :

Chicken Little (2005) :

Eric Larson est né à Cleveland dans l'Utah en 1905. Durant son enfance, Eric lisait passionnément les magazines d'humour comme "Punch" ou "Judge". Il suivit des cours de journalisme à l'université de l'Utah. Il édita le journal du campus tout en gagnant la réputation d'être un humoriste créatif que ce soit dans l'écrit ou le dessin. Il mit aussi en scène quelques BD qui furent publiées dans le journal local "Deseret News."
Une fois son diplôme obtenu, Eric voyagea à travers les Etats-Unis en travaillant en freelance pour divers magazines, et arriva à Los Angeles en 1933, où il développa une série d'aventure appelée "The Trail of the Viking" pour une radio locale. Il profite du conseil d'un de ses amis qui connaissait bien son travail de dessinateur pour envoyer quelques dessins aux Walt Disney Studios. Il fut alors embauché en tant qu'assistant animateur et il changea ses aspiration de journaliste pour l'animation.

Two-Gun Mickey (1934)

Lors de son travail chez Disney, Eric fit de l'animation sur les films comme Blanche Neige et les Sept Nains, Pinocchio, Fantasia, Bambi, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, Peter Pan, La Belle et le Clochard, Le Livre de la Jungle ainsi que sur environ 23 courts métrages et 6 téléfilms. Il fut consultant plus tard sur les films comme Taram et le Chaudron Magique et Basil, Détective Privé. Sa spécialité resta l'animation de personnages animaux comme les animaux de la forêt dans Blanche Neige et les Sept Nains, Pan Pan dans Bambi, les chiots des 101 Dalmatiens, les animaux de la ferme dans Mary Poppins, etc.
Vers la fin des années 70, Eric Larson développa le programme "Studio's Talent" qui avait pour but de découvrir et de former de nouveaux animateurs talentueux devant des lycée et écoles d'art des Etats-Unis. Ce programme existe encore de nos jours, et a eut été positionné à un moment crucial pour la compagnie. En effet alors que de nombreux vétérans s'en allaient, il fallait préparer la relève. C'est grâce au travail d'Eric proche des nouveaux animateurs que l'intégrité de l'animation Disney a été préservée.

De gauche à droite : Farmyard Symphony (1938), Tiger Trouble (1946), It's Tough to Be a Bird! (1969)

A la fin de sa longue carrière aux Walt Disney Animation Studios, Eric Larson utilisa son temps pour diriger et guider la nouvelle génération montante des artistes Disney. C'est ainsi que Andreas Deja qui a animé des personnages comme Jafar dans Aladdin ou Scar dans Le Roi Lion a rencontré Eric. Il se souvient de lui comme le meilleur professeur de l'animation qu'il ait jamais eut. Personne n'a plus été impliqué que lui sur le passage de flambeau et l'héritage Disney. Parmi ses "apprentis" on trouve la plupart des grands noms de l'animation Disney des années à venir : Brad Bird, Don Bluth, Tim Burton, Ron Clements, Gary Goldman, Glen Keane, John Lasseter, John Musker ou bien encore Joe Ranft.
Après 52 années chez Disney, il prit sa retraite en 1986. Dans une interview de l'époque, il disait "ce qui est important, ce n'est pas le nombre d'année où j'ai été ici, mais combien j'ai apprécié ces années et ce que j'ai accompli durant ce temps. Quand je pense à la contribution que j'ai apporté à l'animation et que je vois que les spectateur l'apprécie autant, cela me rend heureux". Eric Larson est décédé le 25 octobre 1988. Il fut récompensé par un Disney Legend en 1989, en même temps que ses autres confrères les Nine Old Men.

Filmographie complète :

- Two-Gun Mickey (1934) (assistant animator)
- The Tortoise and the Hare (1935) (assistant animator)
- Who Killed Cock Robin? (1935) (assistant animator)
- On Ice (1935) (animator)
- Cock o' the Walk (1935) (animator)
- Three Little Wolves (1936) (animator)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (animator: forest animals)
- Farmyard Symphony (1938) (animator)
- Ugly Duckling (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (animation director)
- Fantasia (1940) (animation supervisor) (segment "The Pastoral Symphony")
- Dumbo (1941) (animator)
- Bambi (1942) (supervising animator)
- Les Trois Caballeros (1944) (animator)
- Tiger Trouble (1945) (animator)
- African Diary (1945) (animator)
- A Knight for a Day (1946) (animator)
- La Boîte à Musique (1946) (animator)
- Pierre et le Loup (1946) (animator)
- Casey at the Bat (1946) (animator)
- Mélodie du Sud (1946) (directing animator)
- Johnny Pépin de Pomme (1948) (animator)
- Once Upon a Wintertime (1948) (animator)
- Mélodie Cocktail (1948) (directing animator)
- Danny le Petit Mouton Noir (1948) (animator)
- Le Crapaud et le Maître d'Ecole (1949) (animator)
- Cendrillon (1950) (directing animator)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (directing animator)
- Lambert the Sheepish Lion (1952) (animator)
- Peter Pan (1953) (directing animator)
- Little Toot (1954) (animator)
- La Belle et le Clochard (1955) (directing animator)
- Les 101 Dalmatiens (1961) (directing animator)
- A Symposium on Popular Songs (1962) (animator)
- Merlin l'Enchanteur (1963) (character animator)
- Man's Search for Happiness (1964) (animator)
- Mary Poppins (1964) (animator)
- "Disneyland" (animator) (6 episodes, 1956-1966)
    - Music for Everybody (1966) TV episode (animator)
    - Kids Is Kids (1961) TV episode (animator)
    - The Coyote's Lament (1961) TV episode (animator)
    - Magic and Music (1958) TV episode (animator)
    - The Fourth Anniversary Show (1957) TV episode (animator) (segment "Peter and the Wolf")
      (1 more)
- Le Livre de la Jungle (1967) (character animator)
- It's Tough to Be a Bird (1969) (animator)
- Les Aristochats (1970) (character animator)
- L'Apprentie Sorcière (1971) (animator)
- Robin des Bois (1973) (character animator)
- Les Aventures de Winnie l'Ourson (1977) (animator)
- Le Noël de Mickey (1983) (animation consultant)
- Taram et le Chaudron Magique (1985) (animation consultant)
- Basil Détective Privé (1986) (animation consultant)

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Disney Family Album : 

Il est temps de vous parler des personnes qui ont le plus influencé la direction artistique des studios (en particulier après que Walt ai quelque peu délaissé la section animation de son entreprise pour se concentrer sur son projet de parc à thème), les Nine Old Mens. Étant donné que chacun de ces "Neuf Vieux Messieurs" (terme affectueux que Franklin D. Roosevelt a inventé pour parler des neuf de la cour suprême, et que Disney a adopté pour se référer à ses animateurs principaux) a son importance, j'aborderai chacun d'entre eux par ordre d'arrivé aux studios. Commençons donc aujourd'hui par le plus ancien d'entre eux, Les Clark.

Né à Ogden, Utah, le 17 Novembre 1907, Les Clark est allé à l'école élémentaire de Twin Falls, Idaho, jusqu'à ce que sa  famille déménage à Los Angeles, où il continua ses études au lycée de Venice. Durant ces années là, Les Clark travailla en tant que job d'été dans un snack situé en face du studio d'animation des frères Disney sur Hyperion Avenue. Il agrémentait l'ordinaire en dessinant les menus du jour pour attirer le client. Walt et Roy avaient l'habitude d'y manger et ne mirent pas longtemps à remarquer que le jeune homme qui dessinait les menus avait un certain talent. Un jour, Les trouva le courage de demander  à Walt un travail. Il se rappel encore très bien la réponse de Walt ce jour là : "Apportez quelques un de vos dessins et voyons ce que ça donne." Ainsi, dit Les, j'ai  copié quelques dessins animés et je les ai montrés à Walt. Il a dit que j'avais un bon style et, pourquoi pas, je  pouvais venir travailler dans son studio lundi ! Je finissais le lycée le jeudi et suis allé travailler le lundi suivant !" A l'époque le studio en était encore qu'à ses balbutiements, il ne comptait qu'une douzaine d'animateurs tout au plus et quelques employés.

En 1927, il entra donc au sein du  département encrage et peinture des studios Disney jusqu'en 1929. Les Clark fut très vite apprécié pour son talent bien sur mais aussi pour sa loyauté et sa fidélité. En effet, il fut parmi les rares à rester travailler au studio après que Disney se fit voler les droits d'Oswald le Lapin Chanceux en 1928 par Charles Mintz, alors patron d'Universal. En 1929 il décrocha son premier job d'animateur pour le premier Silly Symphonie, The Skeleton Dance. Peu aprés, Les Clark a développé un certain talent pour  animer Mickey Mouse, commençant par une scène du film Steamboat Willie. Il anima de nombreuses autres scènes mémorables dont une scène de L'Apprenti Sorcier pour Fantasia,  quand les balais prennent vies. Les anima ou dirigea près de vingt longs métrages, incluant Pinocchio, Dumbo, Saludos Amigos, Mélodie du Sud, Danny le  Petit Mouton Noir, Mélodie Cocktail , Cendrillon, Alice au Pays  des Merveilles, Peter Pan, La Belle et le Clochard  et Les 101 Dalmatiens mais également plus de cent courts métrages. Après avoir dirigé une séquence de La Belle au Bois Dormant, Walt lui demanda de diriger les programmes télévisés spéciaux  et les films éducatifs. Pendant deux décennies, il réalisa ainsi une douzaine de productions, incluant Donald au Pays des Mathémagiques et Donald et la Roue. 

Tout comme Walt, Les ne pensait pas qu'il fallait se reposer sur ses lauriers, mais qu'il fallait constamment  développer son talent. Comme Frank Thomas et Ollie Johnston rappelèrent dans leur livre sur l'animation de Disney "L'illusion de la vie", "Les travailla constamment pour développer ses talents d'animateur, allant même étudier à l'école  d'art. Il y avait beaucoup d'admiration pour cet homme tranquille et pensif, qui est entré sans expérience dans le  domaine artistique. Avec sa détermination et son désir d'avancer, il amena et développa beaucoup de principes fondamentaux."Les Clark pris sa retraite de Disney en 1976, après 48 années de sa vie à travailler en tant qu'animateur et réalisateur. Il est mort le 12 septembre 1979. En 1989 il reçut la distinction de Disney Legend, ultime hommage à cet homme humble et sans prétention qui reste un des plus grands artistes que Disney ai compté dans ses rangs.

Filmographie :

En tant qu'intervalliste :
- Steamboat Willie (1928)

En tant qu'animateur:

- The Barn Dance (1929)
- The Skeleton Dance (1929) (Animateur: “Xylophone scene")
- Frolicking Fish (1930)
- The Goddess of Spring (1934)
- The Dognapper (1934)
- Two-Gun Mickey (1934)
- The Band Concert 1935 (Animateur: “Mickey Mouse”)
- Orphan’s Picnic (1936)
- Mickey’s Grand Opera (1936)
- The Country Cousin (1936)
- Snow White and the Seven Dwarfs (1937) (Animateur : “Silly Song Sequence”)
- Pinocchio (1940) (Animateur: “Pinocchio”)
- Fantasia (1940) (segments “Nutcracker Suite”, “The Dewdrop Fairies” et “ The Sorcerer’s Apprentice”)
- Dumbo (1941)
- Der Fuehrer’s Face (1942)
- The Three Caballeros (1944) (“Train to Baia”)
- Make Mine Music (1946)
- Song of the South (1946) (Animateur: minor animals)
- Fun and Fancy Free (1947) (Directing Animator: “Lulubelle”)
- Melody Time (1948) (“Bumble Boogie” sequence)
- So Dear to My Heart (1949)
- Plutopia (1951)
- Alice in Wonderland (1951)
- Peter Pan (1953)
- Disneyland (1954) (Tv Series) (Animateur de la Fée Clochette et réalisateur de l'épisode “ An Adventure in Color/Mathmagic Land”)
- Lady and the Tramp (1955)
- One Hundred and One Dalmations (1961)
- A Symposium on Popular Songs (1962)
- The Mickey Mouse Anniversery Show (1968)
- Mickey Mouse Disco (1979)
- Fantasia 2000 (1999)


En tant que réalisateur :

- You the Human Animal (1955)
- Paul Bunyan (1958)
- Sleeping Beauty (1959) (Sequence Director)
- Donald the Mathmagic Land (1959) (Sequence Director)
- Freewayphobia # 1 (1965)
- Donald’s Fir Survival Plan (1965)
- Goofy’s Freeway Troubles (1965)
- I’m No Fool with Electricity (1970)
- VD Attack Plan (1973)
- Man, Monsters and Mysteries 1973 (Director)

Merci à Thierry le Disneyen pour ses traductions ; )

Né le 31 octobre 1912 à Palo Alto en Californie, Ollie Johnston fut diplômé de la Stanford University, où son père était enseignant. Le 21 janvier 1935, Ollie rejoint les Walt Disney Studios en tant qu'apprenti animateur pour travailler sur des cartoons tels que Mickey's Garden et The Tortoise and the Hare (gagnant d'un Academy award en tant que meilleur dessin animé). C'est alors qu'il passa sur le projet de Blanche Neige et les Sept Nains puis, ayant fait ses preuves, participa à plus de 24 autres films comme Fantasia, Mélodie du Sud, Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles, La Belle et le Clochard, et La Belle au Bois Dormant.

    
Ollie Johnston en 1931 - Fred Moore donnant des conseils à Ollie Johnston aux studios Disney - Ollie Johnston en 1948

Récompensé par un Disney Legend en 1989 en même temps que les autres Nine Old Men, il est reconnu pour avoir insufflé une chaleur et une émotion sans commune mesure jusque là pour un personnage animé. Son meilleur amis à la société, Frank Thomas un autre des Nine Old Men disait de lui: "Ollie est le seul animateur des Studios qui est sensibles aux relations entre les personnages et qui comprend comment ils influent sur l'histoire. Il dit un jour "Tu sais, un acte comme deux personnes se donnant la main peut communiquer de façon très intense". Il avait raison, sa chaleur a fait la différence pour de nombreux personnages Disney.

    
Frank Thomas et Ollie Johnston en 1959 - Ollie Johnston et d'autres artistes du studio en 1965 - Frank et Ollie en 1981

Ainsi, Ollie a animé des amitiés aussi mémorables que celles de Baloo et Mowgli dans Le Livre de la Jungle, ou les relations étonnantes entre le serpent Sir Hiss et le prince Jean dans Robin des Bois. Il a mis en valeur sa propre sensibilité en animant Panpan dans Bambi, Monsieur Mouche dans Peter Pan et le trio des petites fées dans La Belle au Bois Dormant. Pour Ollie ainsi qu'il le dit :"C'était tous de très bon vieux amis, dont je me souviens parfaitement."
Il adorait les trains, et pendant son temps libre il créa un parcours chez lui, et par la même occasion, créa l'intérêt de Walt pour les trains. Retraité en 1978 des studios après 43 ans de bons et loyaux services, Ollie coécrit quatre livres avec Frank Thomas dont le fameux "Disney Animation: The Illusion of Life," suivi par "Too Funny For Words," "Walt Disney's Bambi: The Story and the Film," et "The Disney Villain."

    
Les derniers Nine Old Men en 1992 - Frank et Ollie en 2001 - Hommage à Frank et Ollie dans Les Indestructibles

Un hommage lui fut rendu en 1995 dans le court métrage de Mickey Mouse Runaway Brain dans lequel un méchant fut appelé "Dr. Frankenollie." Les deux amis furent également mis à l'honneur dans un documentaire biographique de 1995, Frank and Ollie, dirigé par Theodore Thomas, fils de Frank, présenté au Festival International du film de Toronto. Ce documentaire met en avant leurs carrières professionnelles, leur vie privée et leur amitié. Un autre hommage lui fut rendu ainsi qu'à son ami dans Le Géant de Fer ainsi que dans Les Indestructibles. Le 10 novembre 2005, Ollie Johnston fut l'un des décorés de la prestigieuse National Medal of Arts, remise par le Président George W. Bush lors d'une cérémonie dans le Bureau Ovale. Ollie Johnston est décédé le 14 avril 2008. Avec lui s'envola le dernier des Nine Old Men...

Disney Family Album : partie 01 - partie 02 - partie 03

Hommage de l'auteur Christian Renaut sur Media Magic

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Filmographie complète :

- Two-Gun Mickey (1934) (inbetween animator)
- Mickey's Garden (1935) (inbetween artist)
- Mickey's Rival (1936) (inbetween artist)
- More Kittens (1936) (assistant animator)
- Little Hiawatha (1937) (assistant animator)
- Snow White and the Seven Dwarfs (1937) (assistant animator)
- Brave Little Tailor (1938) (animator)
- Mickey's Surprise Party (1939) (animator)
- The Practical Pig (1939) (animator)
- The Pointer (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (animator)
- Fantasia (1940) (animation supervisor) (segment "The Pastoral Symphony")
- Bambi (1942) (supervising animator: "Thumper")
- How to Play Baseball (1942) (animator)
- Victory Through Air Power (1943) (animator)
- Reason and Emotion (1943) (animator)
- Chicken Little (1943) (animator)
- The Pelican and the Snipe (1944) (animator)
- The Three Caballeros (1944) (animator)
- Make Mine Music (1946) (animator) (segment "Peter and the Wolf")
- Song of the South (1946) (directing animator)
- Melody Time (1948) (directing animator) (segment "Johnny Appleseed")
- The Wind in the Willows (1949) (character animator)
- The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949) (directing animator)
- Cinderella (1950) (directing animator)
- Alice in Wonderland (1951) (directing animator)
- Susie the Little Blue Coupe (1952) (animator)
- Peter Pan (1953) (directing animator)
- Ben and Me (1953) (animator)
- Little Toot (1954) (animator)
- Lady and the Tramp (1955) (directing animator)
- The Legend of Sleepy Hollow (1958) (animator)
- Sleeping Beauty (1959) (directing animator)
- One Hundred and One Dalmatians (1961) (animator: "Perdita")
- The Sword in the Stone (1963) (directing animator)
-"Disneyland" (animator) (7 episodes, 1956-1964)
    - In Shape with Von Drake (1964) TV episode (animator)
    - Inside Donald Duck (1961) TV episode (animator)
    - Four Fabulous Characters (1957) TV episode (animator)
    - The Fourth Anniversary Show (1957) TV episode (animator) (segment "Peter and the Wolf")
    - The Liberty Story (1957) TV episode (animator)
      (2 more)
- Mary Poppins (1964) (animator)
- The Jungle Book (1967) (directing animator: "Baloo", "Mowgli", "The Girl")
- Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968) (animator)
- The AristoCats (1970) (animation director)
- Robin Hood (1973) (directing animator du Prince Jean et de Triste Sir)
- Winnie the Pooh and Tigger Too! (1974) (animator)
- The Madcap Adventures of Mr. Toad (1975) (animator)
- The Many Adventures of Winnie the Pooh (1977) (animator)
- The Rescuers (1977) (directing animator)
- The Fox and the Hound (1981) (supervising animator)

Le week-end dernier je suis retourné à Disneyland Resort Paris pour un meeting du forum Disney Central Plaza et j'en ai profité pour prendre en photo la suite et fin de la très jolie galerie de dessins originaux de l'attraction Art of Disney Animation! Pour ceux qui auraient loupé la première partie c'est par ici. Retrouvez donc ci-dessous des dessins tirés de la production de Peter Pan, La Petite Sirène et La Belle et la bête!

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Andreas Deja fait parti des grands artistes actuels des studios d'animation Disney. Comme son collègue Glen Keane, il a sut au fil des années imposer son style et devenir un des animateurs les plus respectés de sa génération.
Andreas Deja est né en 1957 à Gdańsk en Pologne. Dès 1958 il part vivre avec sa famille a Dinslaken en Allemagne. Le jeune garçon est très vite attiré par l'univers de Walt Disney. Tout d'abord avec les comics vers l'âge de cinq ans puis c'est en allant voir Le Livre de la Jungle au cinéma à l'âge de dix ans que le jeune Andreas tomba amoureux des films d'animation de la firme. Quelques années plus tard il écrit aux studios Disney afin de leur proposer ses services en tant qu'animateur. N'ayant pas encore terminé ses études secondaires la réponse fut bien évidemment négative mais ce refus eu le mérite de le motiver encore plus. Il continue ainsi ses études à la  Folkwang-Schule, une école d'arts graphiques à Essen en Allemagne. A l'âge de 23 ans il propose à nouveau ses services aux studios Disney qui cette fois acceptent! C'est donc en 1980 que le déjà talentueux jeune homme fait son entrée dans le studio où il rêvait tant de travailler depuis toujours.

Andreas Deja fait ses classes avec le vétéran Eric Larson, un des “neuf sages” et commence à travailler  sur la création de personnages, la recherche de costumes et l’animation pour Taram et le Chaudron Magique aux côtés de Tim Burton. Il travaille ensuite sur Basil Détective Privé puis à la création et à l’animation de plusieurs des personnages de Oliver et Compagnie avant de passer un an à Londres comme responsable de l’animation sur Qui veut la peau de Roger Rabbit ? sous la direction de Richard Williams.
En tant que directeur de l’animation sur La Petite Sirène, Andreas Deja a supervisé l’animation du Roi Triton. Il a ensuite été superviseur de l’animation sur La Belle et la Bête en 1991 pour le personnage du vaniteux Gaston. Il a occupé ce même poste sur les films d'animation suivants, Aladdin et Le Roi lion, et créé les personnages et l’animation pour Jafar, le sournois grand vizir, et Scar. Mickey Perd la Tête terminé (le dernier court métrage en date de Mickey), Andreas Deja rejoint l'équipe travaillant sur Hercule, puis Fantasia 2000, Lilo & Stitch, La Ferme se Rebelle et Bambi 2.

En 2007 il participe à la partie animée du film Il Etait une Fois où il s'occupe du personnage de la Reine Narissa avant d'animer Dingo dans son tout dernier court métrage, Comment Brancher son Home Cinema. En 2008 Andreas Deja travaille sur l'animation de La Princesse et la Grenouille. Le retour de la 2D dans les Grands Classiques Disney permettra donc à ce grand artiste de revenir sur le devant de la scène, à notre plus grande joie! On le retrouve ensuite sur l'animation de Tigrou sur Winnie l'Ourson, ce sera son dernier projet pour Disney qu'il quittera en 2012 pour se consacrer à des projets plus personnels. Entre ces différentes productions il participe également activement à de nombreux making-of de Grands Classique tels que celui de La Belle et la Bête en 2002, Le Roi lion en 2003, Aladdin en 2004, La Petite Sirène en 2006, etc. Car en plus d'être un très grand animateur, Andreas Deja est également un des plus grands fans des films d'animation Disney! Si vous désirez en savoir un peu plus sur ce grand artiste, je vous invite à lire cette inteview en anglais datant de son séjour à Paris en 1995 (merci à Professor Ratigan du forum Disney Central Plaza pour le lien ;)

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Filmographie :

- Taram et le Chaudron Magique (1985) : animateur Taram et Eilowny
- Basil Détective Privé (1986) : animateur de la Reine des souris
- Qui veut la Peau de Roger Rabbit? (1988) : supervision animation Roger Rabbit
- Oliver et Compagnie (1988) : character designer
- La Petite Sirène (1989) : supervision animation Roi Triton
- Le Prince et le Pauvre (1990) : supervision animation Mickey
- La Belle et la Bête (1991) : supervision animation Gaston
- Aladdin (1992) : supervision animation Jafar
- Le Roi Lion (1994) : supervision animation Scar
- Mickey Perd la Tête (1995) : supervision animation Mickey
- Hercule (1997) : supervision animation Hercule adulte
- Fantasia 2000 (2000) : animateur segment Rhapsody in Blue + animateur Mickey
- Lilo & Stitch (2002) : superviseur animation Lilo
- My Peoples (2003) : character designer
- La Ferme se Rebelle (2004) : animateur Slim et Junior
- Mickey, Il Etait Deux Fois Noël (2004) : consultant animateur
- Bambi 2 : (2006) consultant animateur Bambi
- Comment brancher son Home Cinema (2007) : animateur Dingo
- Il Etait une Fois (2007) : animateur Reine Narissa
- La Princesse et la Grenouille (2009) : superviseur animation Mama Odie
- Winnie l'Ourson (2011) : suprviseur animation Tigrou

Voici quelques extraits de Grands Classiques où l'animation du maître fait des merveilles :

Bien avant Chicken Little sorti en 2005, Wild Life aurait dut-être le tout premier Grand Classique Disney entièrement réalisé en images de synthèse. Il devait également servir de modèle pour la production de longs métrages d'animation au budget plus modeste qui seraient plus rapides à réaliser.
Au départ, l'histoire de Wild Life devait nous montrer la superficialité du monde des paillettes et de la mode. Mais cette dernière évolua vite pour se transformer en un récit plus cynique se passant dans les night clubs de Big City, sorte de version romancée du New York des années 70, l'époque où David Bowie et The Velvet Undergrount traînaient dans les clubs de la ville. Kitty Glitter, gérante d'un de ces clubs et son manager/partenaire Red Pittsain étaient en compétition avec Magda, gérante du club Wild Life la scène centrale du glamour à Big City. Dans certaines versions de l'histoire, Magda était rédacteur en chef du magazine de mode Magazizi. Quand elle écrivait "Kitty est finie, les gens cessaient de venir dans son club. Kitty et Red voulurent alors se venger. Ils trouvèrent ainsi une "arme" ultime pour remonter la pente et discréditer Magda : Ella, une éléphante du zoo de la ville qui était né avec la capacité de parler, chanter et danser. Totalement  naïve et confiante, Ella était comme un enfant dans un corps d'adulte, tout était nouveau pour elle.
Dans un aperçu datant de la première moitié de 1999, le film se finissait lorsque Ella retournait finalement au zoo de la ville, ne trouvant pas son bonheur dans la vie nocturne de Big City. Red et Kitty découvrirent quant à eux leur amour l'un pour l'autre.
"Wild Life devint un sujet tabou chez Walt Disney Feature Animation" raconte Carolyn Scoper, la co-productrice du film. "Le problème était qu'il ressemblait plus à une production Touchstone qu'à un film Disney, s'adressant plus aux adultes qu'aux enfants."
Hans Bacher et Mitchell Bernal se chargèrent de définir le style visuel du film, utilisant des couleurs vives et audacieuses ainsi que des graphismes angulaire afin de suggérer l'énergie et l'excitation de la métropole. Ces images très stylisées ont en partie été inspiré par le travail du Studio UPA (studio d'animation surtout connu pour son personnage fétiche, Mr. Magoo) et le look sophistiqué du graphisme américain et européen des années 50.
L'histoire de Wild Life subit tellement de changement que cela posa des problèmes insurmontables, principalement à cause du milieu décadent dans lequel les personnages évoluaient, bien loin des attentes du public Disney habituel comportant un pourcentage important d'enfants. En septembre 2000, Wild Life fut définitivement abandonné. L'histoire originale avait complètement disparue, et le conte cruel qui l'avait remplacé ne justifiait plus d'efforts supplémentaires de la part du studio. Soper conclut : "Il n'y avait plus d'histoire vraiment convaincante, et sans un récit passionnant il était inutile de continuer".

Recherches d'Hans Bacher :

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Dessin de Mac George :

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Recherches de Floyd Norman :

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Recherches de Darryl Kidder :

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Recherches de Doug Walker :

Robert Fred Moore est né le 7 septembre 1911 en Californie. Il fait des études supérieures à la Polytechnic High School de Los Angeles. Ses premiers dessins sont publiés dans le Los Angeles Junior Times, un magazine destiné à la jeunesse. Sa formation artistique se limite à des cours du soir au Chouinard Art Institute.
Il n'a que 19 ans lorsqu'il rencontre Walt Disney. Celui-ci, impressionné par son talent de dessinateur, l'engage d'abord comme assistant animateur. Il débute en 1930 sur des Silly Symphonies et sur des courts métrages de Mickey Mouse quelques mois après le départ d'Ub Iwerks. Il apparaît pour la première fois comme animateur au générique de Santa's Workshop, réalisé par Wilfred Jackson (1932). Il devient rapidement le spécialiste de Mickey Mouse, mais doit surtout sa réputation de virtuose de l'animation à sa création des personnages des (Les) Trois Petits Cochons de Burt Gillett (1933).

En 1934, Walt Disney lui confie (avec Bill Tytla) la responsabilité de diriger l'animation des nains dans Blanche Neige et les Sept Nains. Il réalise les modèles d'attitudes servant de référence aux animateurs et signe qulelques-unes des plus belles scènes de Simplet.
En 1938, Walt Disney demande à Fred Moore de créer le modèle de Mickey Mouse en costume d'apprenti sorcier et d'en superviser l'animation. Le port de son costume l'apparente toutefois à Simplet, comme le fait qu'il doive constamment remonter ses manches, beaucoup trop longues. C'est une des premières apparitions du personnage avec ses yeux nantis de pupilles. Le modèle modernisé de Mickey crée par Fred Moore est encore utilisé aujourd'hui.
Pour Pinocchio, il crée le personnage de Crapule dans l'inoubliable séquence de l'île aux plaisirs, puis anime les centeaurettes de La Symphonie Pastorale dans Fantasia. A la fin des années 1930, il donne vie à Mickey Mouse dans ses meilleurs films, dont Brave Little Tailor de Bill Roberts (1938), The Pointer de Clyde Geronimi (1939), The Little Whirlwing et The Nifty Nineties, tous deux réalisés en 1941 par Riley Thompson.

Dans la décennie suivante, il anime Timothée dans Dumbo aux côtés de Wolgang Reitherman, avant de sombrer dans l'alcoolisme. Disney se fâche avec lui et Moore quitte les studios à la fin de l'année 1945. Il travaille quelques temps pour les studios Walter Lantz comme animateur sur les courts métrages d'Andy Panda et Woody Woodpecker.
Il retourne aux studios Disney en 1948, et participe à l'animation du film Le Crapaud et le Maître d'École, mais son travail n'a plus la même qualité. Il est alors redevenu simple animateur; Disney lui confie quelques personnages secondaires de Cendrillon, Alice au Pays des Merveilles et Peter Pan. Il anime une dernière fois Mickey Mouse dans Pluto's Christmas Tree de Jack Hannah (1952) et dans The Simple Things de Charles Nichols (1953).

Fred Moore décède le 25 novembre 1952, victime d'une hémorragie cérébrale suite à un accident de la route à Burbank alors qu'il revenait d'un match de football avec sa femme... Il fut enterré au Forest Lawn Memorial Park proche des Walt Disney Studios. Moore venait de terminer l'animation des filles du joueur de baseball Casey, surnommées les « Caseyettes », dans le court métrage Casey Bats Again, suite d'une séquence de La Boîte à Musique, Casey at the Bat (à laquelle il n'a cependant pas participé). Le film est sorti presque deux ans après sa mort (1954). Fred Moore obtient le titre de Disney Legend en 1995.

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Filmographie :

- Santa's Workshop (1932) (animateur)
- Three Little Pigs (1933) (animateur)
- Mickey Plays Papa (1934) (animateur)
- The Golden Touch (1935) (animateur)
- Pluto's Judgement Day (1935) (animateur)
- Three Little Wolves (1936) (animateur)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937) (superviseur de l'animation)
- Brave Little Tailor (1938) (animateur)
- The Pointer (1939) (animator)
- Pinocchio (1940) (directeur de l'animation)
- Fantasia (1940) (superviseur de l'animation : séquences L'Apprentie Sorcier, La Symphonie Pastorale)
- The Nifty Nineties (1941) (animateur)
- The Reluctant Dragon (1941) (animateur)
- Dumbo (1941) (directeur de l'animation)
- Saludos Amigos (1942) (animateur)
- Les Trois Caballeros (1944) (animateur)
- La Boîte à Musique (1946) (animateur : séquence "All the Cats Join In")
- Coquin de Printemps (1947) (directeur de l'animation)
- The Mad Hatter (1947) (animateur)
- Wacky Bye Baby (1948) (animateur)
- Pixie Picnic (1948) (animateur)
- Le Crapaud et le Maître d'École (animateur)
- Cendrillon (1950) (animateur)
- The Brave Engineer (1950) (animateur)
- Plutopia (1951) (animateur)
- Alice au Pays des Merveilles (1951) (animateur)
- R'coon Dawg (1951) (animateur)
- Fathers Are People (1951) (animateur)
- Pluto's Party (1952) (animateur)
- Pluto's Christmas Tree (1952) (animateur)
- Peter Pan (1953) (animateur enfants perdus et sirènes)
- The Simple Things (1953) (animateur)
- Football Now and Then (1953) (animateur)
- Casey Bats Again (1954) (animateur)
- The Legend of Sleepy Hollow (1958) (animateur)
- Mickey Mouse Disco (1980) (1980)
- Fantasia 2000 (1999) (superviseur de l'animation : séquences "L'Apprentie Sorcier")

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Albert Hurter est considéré comme un des premiers grands artistes des studios Disney. Durant une décennie (de 1932 à 1942), il marqua de sa patte graphique la plupart des productions de l'époque, dont principalement Blanche Neige et les Sept Nains et Pinocchio. Albert Hurter est né à Zurich le 11 mai 1883. En 1894, son père devient professeur de dessin en construction mécanique dans une école professionnelle de Zurich. Il écrit et illustre deux livres techniques pour ses cours. Il encourage d'ailleurs ses trois fils à s'intéresser au dessin et à la mécanique. C'est ainsi que le jeune Albert entre à l'école d'architecture de Zurich. Par la suite, de 1903 à 1910, il quitte ses parents pour entreprendre des études artistiques à Berlin.

A la fin de celles-ci, il retourne vivre chez ses parents à Zurich. En 1912, à la mort de son père, il émigre en Amérique et s'installe à New-York. On sait peu de chose sur ses premières années en Amérique. Hurter effectue un voyage à Paris en 1914 et retourne à New-York peu de temps avant la Première Guerre mondiale.
Il entre aux studios Barre-Bowers comme animateur en 1916 et participe à la réalisation de la série Mutt et Jeff. Vers la fin des années 1920, il séjourne au Mexique, puis s'installe dans un vieil hôtel situé au sud de Los Angeles. A cette époque, il travaille comme dessinateur chez un imprimeur. Il rejoint les studios Disney en 1931. Walt Disney lui confie la création graphique des personnages et décors. Il crée d'innombrables personnages, idées de gags et storyboards pour les Silly Symphonies.

Quand Walt Disney entreprend Blanche Neige et les Sept Nains, Albert Hurter est le premier dessinateur à travailler sur le projet. Hurter exécute chaque jour des dizaines de croquis plus inventifs les uns que les autres, travaillant sur tous les aspects graphiques du film, aussi bien personnages que décors. Ses premières esquisses des nains en lutins barbus s'inspirent des créatures de l'illustrateur suédois John Bauer. Mais c'est dans l'élaboration du style de la chaumière que son influence transparaît. Nichée dans la forêt, elle trouva sa source dans les dessins au style bavarois de Ludwig Richter et dans ceux de son disciple Hermann Vogel qui, en 1890, avait mis en images les contes de Grimm. Mais c'est probablement l'anglais Arthur Rackham, illustrateur de nombreux contes et légendes, dont ceux des frères Grimm, qui inspire au départ le travail d'Hurter.
A la fin de la production de Blanche Neige et les Sept Nains, Hurter se consacre aux différents projets d'adaptation envisagés par Walt Disney. Il participe à la création des personnages et décors de Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Le Dragon Récalcitrant, Peter Pan et La Belle et le Clochard.

Albert Hurter meurt le 28 mars 1942, victime d'une attaque cardiaque. Fait unique dans l'histoire des studios, Walt Disney décide en 1948 de lui rendre hommage en publiant un recueil de ses meilleurs dessins intitulé He Drew as He Pleased.

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Filmographie :

- Le Vilain Petit Canard (1931)
- Mélodie Egyptienne (1931)
- The Cat's Nightmare (1931)
- Rien qu'un Chien (1932)
- La Cigale et la Fourmi (1934)
- Une Petite Poule Avisée (1934)
- Bébés d'Eau (1935)
- Carnaval des Gâteaux (1935)
- Blanche Neige et les Sept Nains (1937)
- Pinocchio (1940)
- Fantasia (1940)
- Le Dragon Récalcitrant (1941)
- Dumbo (1941)
- Peter Pan (1953)
- La Belle et le Clochard (1955)